¿Qué son los intervalos musicales?

Última actualización: 21.11.24

 

En la música los intervalos musicales juegan un papel muy importante, ya que son los encargados de medir la distancia que existe entre dos tonos musicales, esto significa que distinguen la altura entre los diferentes grados de la escala, consecutivos o no. También, mencionamos que las unidades de medida de un intervalo musical son los tonos y semitonos.

 

Organización de los intervalos

Para comprender la importancia que tienen los intervalos dentro de la música es necesario preguntarnos qué es un intervalo musical. Es la diferencia de altura entre dos sonidos, por ejemplo, en las guitarras clásicas cada traste equivale a un semitono. De esa manera, podemos decir que existe un intervalo de segunda menor entre cada traste.

Además, a los intervalos musicales se les añade un calificativo, por ejemplo, aumentado, disminuido, justo, menor y mayor. En este sentido, el calificativo justo solo puede usarse en el IV, V y VIII grado, mientras que mayor y menor en el II, III, VI y VII.

 

Intervalos justos y mayores

En Do natural podrás ver los intervalos mayores y justos de la siguiente forma:

2ª Mayor: 1 tono

3ª Mayor: 2 tonos

4ª Justa: 2 tonos + 1 semitono

5ª Justa: 3 tonos + 1 semitono

6ª Mayor: 4 tonos + 1 semitono

7ª Mayor: 5 tonos + 1 semitono

8ª Justa: 6 tonos

Como puedes ver, la nota Mi no tiene alteración, convirtiéndose en el sonido clave para que la escala de Do sea mayor.

 

Intervalos menores y justos

En la escala de Mi menor podrás observar los intervalos tanto menores como justos, por ejemplo:

 2ª menor: 1 semitono

3ª menor: 1 tono + 1 semitono

4ª justa: 2 tonos + 1 semitono

5ª justa: 3 tonos + 1 semitono

 6ª menor: 4 tonos

7ª menor: 5 tonos

8ª justa: 6 tonos

Intervalo Aumentado o Disminuido

En lo que respecta al intervalo aumentado, este tiene un semitono más que el intervalo mayor o justo. Por su parte, el intervalo musical disminuido suele tener un semitono menos que el intervalo justo o menor.

También, existen otros tipos de intervalos musicales, los cuales son ascendentes y descendentes, conjuntos y disjuntos, melódicos o armónicos, simples y compuestos, además de consonantes o disonantes. A continuación, te explicamos cada uno de ellos.

Intervalos ascendentes y descendentes

Estos intervalos se producen entre dos sonidos que son sucesivos, pero el segundo debe ser más agudo que el primero. En cambio, un intervalo descendente se produce cuando el segundo sonido es grave.

Intervalos conjuntos y disjuntos

Los llamados intervalos conjuntos son aquellos cuyas notas musicales, bien sean con o sin alteraciones, ocupan grados inmediatos, por ejemplo, Sol-La, Si-Do, Fa-Mi. Esto también significa que los intervalos son de segunda.

En lo referente al intervalo disjunto, se denomina así cuando no se está siguiendo un orden sucesivo, sino que se da un salto. Por ejemplo, de Do a Mi hay un salto de tercera, al igual que de Mi a Do.

Intervalos melódicos y armónicos

Dentro de los tipos de intervalos podemos encontrar melódicos y armónicos, que se originan entre dos sonidos sucesivos. Si quieres aprender intervalos de guitarra, estos podrían ser los indicados para comenzar. En YouTube puedes encontrar diferentes ejercicios de intervalos musicales, tanto para guitarra clásica como eléctrica.

Intervalos simples y compuestos

Los intervalos simples se sitúan dentro de una 8ª justa. En cambio, un intervalo compuesto es aquel que tiene una amplitud mayor a la 8ª justa.

Intervalos consonantes y disonantes

Los primeros se refieren a la consonancia perfecta que se da entre intervalos, por ejemplo, en la 8ª justa, 5ª justa y 4ª justa ocurre esto. Asimismo, en el intervalo disonante se produce una consonancia imperfecta, un ejemplo de él es el salto de 3ª mayor y 6ª mayor.

 

Semitonos y tonos

El semitono se define como la distancia mínima que surge entre dos notas musicales. Por ejemplo, en las guitarras clásicas es la distancia que hay entre un traste y el siguiente o entre el primer traste y la cuerda al aire. Del mismo modo, mencionamos que existen dos tipos de semitonos, los cuales son: diatónico y cromático.

En el semitono diatónico las notas conforman el intervalo de segunda menor, pero con nombres diferentes, por ejemplo, C-Db. Por su parte, el semitono cromático sería C-C#, es decir, las notas tienen el mismo nombre, solo cambia la alteración. Cabe destacar que en este tipo de ejemplos, C, D, E, F, G, A y B significan Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si respectivamente.

Por otro lado, el tono es una pauta musical conformada por dos semitonos, es decir, de la tecla C a D en el piano hay un tono.

Intervalos en escalas

A continuación, te explicaremos mediante una tabla la “escala de Do mayor” y la “escala de Do menor”, según la distancia (intervalo) que hay entre cada una de sus notas. No obstante, antes de ver la tabla es importante saber qué es una octava. Esta se define como el intervalo musical que recorre los ocho grados de la escala musical. La nota Do empezando la escala es más grave que la octava (Do agudo).

La escala de Do Mayor con sus intervalos

Notas Tonos Semitonos Intervalos
Do-Re 1 tono   2ª Mayor
Do-Mi 2 tonos   3ª Mayor
Do-Fa 2 tonos 1 semitono 4ª Mayor
Do-Sol 3 tonos 1 semitono 5ª Mayor
Do-La 4 tonos 1 semitono 6ª Mayor
Do-Si 5 tonos 1 semitono 7ª Mayor
Do-Do 6 tonos   8ª Justa

Ten en cuenta que esta es la escala de intervalo más sencilla de todas, dado que las notas son naturales, sobre todo, será muy fácil de tocar en el piano. Esto es porque solo necesitarás tocar las teclas blancas.

 

La escala de Do menor con sus intervalos

Notas Tonos Semitonos Intervalos
Do-Re 1 tono   2ª Mayor
Do-Mib 1 tonos 1 semitono 3ª Menor
Do-Fa 2 tonos 1 semitono 4ª Justa
Do-Sol 3 tonos 1 semitono 5ª Justa
Do-Lab 4 tonos   6ª Menor
Do-Sib 5 tonos   7ª Menor
Do-Do’ 6 tonos   8ª Justa

Si lograste notar, existe una diferencia entre la escala de Do mayor y Do menor en los intervalos de 3ª, 6ª y 7ª, así que debes tener cuidado cuando practiques en tu guitarra clásica o piano. Además, recuerda que es importante descansar cada cierto tiempo, por ejemplo, puedes detenerte y preparar algo caliente en una cafetera Senseo. Después, continúa estudiando las escalas con sus respectivos intervalos. Lo más importante es que no te estreses.

 

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¿Qué es la armonía musical?

Última actualización: 21.11.24

 

La armonía es un aspecto importantísimo, ya que le da una estructura sólida y más comprensible a la música. Además, la mayoría de canciones que conocemos pertenecen a la música occidental, así que poseen una base tonal en la que giran todos los acordes menores, mayores, séptimos, disminuidos, etc.

 

La armonía como base de la música

Para muchas personas no es música todo lo que suena, ya que esta requiere de ritmo, armonía y melodía, de modo que sea agradable al oído. Además, la definición de música te dice que no puedes usar sonidos desordenados. De hecho, para hacer una canción bonita necesitas darle una estructura musical (armonía, ritmo y melodía) bien pensada.

Pero, ¿qué es la armonía en una definición corta y fácil? Es la base o estructura de la música que normalmente conocemos en el mundo occidental. Dicha estructura gira en torno a la tónica, que es la nota central según el sistema musical de occidente. Por ejemplo, conocemos la escala de Do mayor, DO, RE, MI, FA, SOL, LA, SI. Si una canción está en la tonalidad de Do mayor, el Do sería la tónica, en Re mayor, Re, y así sucesivamente. Viéndolo así no es complicado el tema del que te hablamos en este artículo, pero se vuelve confuso cuando añadimos los semitonos, Do sostenido, Re sostenido, Si bemol, etc.

Para poder organizar correctamente los acordes de la música, el sistema tonal llama a cada nota según los números romanos. A continuación, te presentamos un cuadro con cada acorde, grado y función tonal. Verás que los grados los representaremos en números romanos.

Acorde Grado Función tonal
Do I Tónica
Re II Supertónica
Mi III Mediante
Fa IV Subdominante
Sol V Dominante
La VI Superdominante
Si VII Sensible

Los temas como “Happy birthday” tienen una base armónica sencilla, en este caso, Do, Sol y Fa (tónica, dominante y subdominante). Básicamente, esto último es la armonía o base musical del “Cumpleaños feliz” en inglés.

Si el cantante es un hombre, no le queda cómoda la tonalidad de Do mayor. Para él quizá le vaya mejor con la tonalidad de Sol mayor. Es por eso que seguiremos con la misma base (armonía), pero solo cambiamos de tonalidad. De este modo, la canción quedaría así: Sol, Do y Re (tónica, dominante y subdominante) o grados I, IV y V. Así quedaría la tabla anterior si la tonalidad fuese Sol mayor:

Acorde Grado Función tonal
Sol I Tónica
La II Supertónica
Si III Mediante
Do IV Subdominante
Re V Dominante
Mi VI Superdominante
Fa VII Sensible

¿Qué son los acordes?

El concepto de acorde es fundamental para entender realmente lo que significa armonía. Este término (acorde) se refiere a un conjunto de notas sonando al mismo tiempo. Por ejemplo, el acorde de Do mayor está compuesto por las notas Do, Mi y Sol (tocadas al mismo tiempo). A continuación, te presentamos una lista con los acordes mayores y menores:

Acorde Mayor Menor
Do Do – Mi – Sol Do – Mi bemol – Sol
Re Re – Fa sostenido – La Re – Fa – La
Mi Mi – Si – Sol sostenido Mi – Si – Sol
Fa Fa – La – Do Fa – La bemol – Do
Sol Sol – Si – Re Sol – Si bemol – Re
La La – Do sostenido – Mi La – Do – Mi
Si Si – Re sostenido – Fa sostenido Si – Re – Fa sostenido

 

Los círculos armónicos

Si estudias teoría de la música, debes conocer este aspecto, los círculos armónicos, pues todas las canciones poseen uno o varios de ellos, según el compositor lo determinó. Uno de los círculos armónicos más básicos es el que anteriormente mencionamos para la canción “Happy birthday” (I, V y VI). En términos prácticos, el círculo armónico de una tonalidad se refiere a la familia de acordes que cuando los unes suenan bonito.

La música tonal cuenta con diferentes círculos armónicos, pero estos son los más comunes y fáciles, I, IV y V:

Círculos Armónicos Mayores Círculos Armónicos Menores
Do – Fa – Sol Do menor – Fa menor – Sol
Re – Sol – La Re menor – Sol menor – La
Mi – La – Si Mi menor – La menor – Si
Fa – Si bemol – Do Fa menor – Si bemol menor – Do
Sol – Do – Re Sol menor – Do menor – Re
La – Re – Mi La menor – Re menor – Mi
Si – Mi – Fa sostenido Si menor – Mi menor – Fa sostenido

¿Cómo componer canciones con una armonía básica?

Existen otros círculos armónicos más complejos que incorporan los demás grados, Supertónica, Mediante, Superdominante, Sensible; pero con los que te hemos dejado en el cuadro anterior ya podrás componer unas cuantas canciones.

Mientras mejor organices los acordes, el tema inédito te sonará más armonioso y llamativo. No obstante, para que no hagas armonías complejas o raras en tus composiciones, te hablaremos sobre los acordes de tónica, dominantes y predominantes.

1. Acordes de tónica (grados I, III y VI): Estos acordes dan la sensación de descanso. Normalmente, las canciones terminan en la tónica o grado I, pero esta se puede sustituir por los grados III y VI, aunque no es lo más común en la música comercial.

2. Acordes predominantes o subdominantes (grados II y IV): Estos acordes dan la sensación de tensión moderada, es decir, no tiene la intención de llevarte a un descanso (la tónica). Normalmente, un acorde subdominante complementa y matiza al acorde dominante en una canción. También, es muy común que estos acordes sean utilizados en los estribillos de los temas.   

3. Acordes dominantes (grados V y VII): Estos acordes generan una tensión conclusiva en la canción, es decir, te da la idea de que viene a continuación la tónica o acorde de descanso (comúnmente el grado I).

Ahora, ya podrás componer una canción, realizando una armonía base sencilla, por ejemplo, I, V, I, V, I, IV, V, I. El ritmo lo puedes decidir según la letra y el género musical de la canción. Para comenzar, te recomendamos el género de balada, que es suave y mucho más fácil de tocar. Si te decides por una balada romántica la letra debe ajustarse a ella. Puedes tocar un ritmo de balada con la guitarra clásica y cantar la letra al mismo tiempo, para ir probando hasta terminar de componer la canción.

Si no tienes instrumento musical, puedes instalar una aplicación de música como FL Studio en tu ordenador, así podrás convertir el teclado del equipo en un Grand Piano. Por supuesto, te recomendamos buscar en Internet los mejores teclados gaming, ya que estos tienen una mejor respuesta y, sobre todo, menos lag, para hacer música sin problemas.

 

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Top 15 canciones motivadoras

Última actualización: 21.11.24

 

Si necesitas mayor concentración y energía en tus entrenamiento y jornada laboral, debes escuchar música motivadora. Algunas de las canciones más recomendadas tienen letras inspiradoras; otras, simplemente, cuentan con un ritmo alegre que te hará rendir mejor en cualquier tarea. La clave está en elegir la correcta.

 

Importancia de la música en la motivación

La música para motivar es un elemento muy importante en aquellos momentos en los que te sientes triste y sin ganas de continuar. Por ejemplo, según algunos estudios, la música aumenta tu rendimiento deportivo un 15%. Asimismo, la música ayuda a disminuir el estrés y mejorar tu concentración individual.

Esto lo ofrece la música en general, incluyendo las canciones sin letra, ya que las melodías por sí solas proporcionan un efecto positivo en el cerebro humano.

Por poner un ejemplo, si tienes que enfrentarte a una tarea agotadora, como podar el jardín, que aunque tengas la mejor desbrozadora de calidad precio necesitas canciones marchosas para que te inspires y tu ánimo sea mejor. Incluso, es importante que escuches música motivadora para trabajar en el ordenador o estudiar, puesto que también ofrece beneficios en estas áreas.

A continuación, te presentamos la siguiente lista de música alegre para trabajar y rendir más en casi cualquier tarea diaria:

 

1. Hoy puede ser un gran día – Joan Manuel Serrat

Este tema es uno de los más recomendados para comenzar alegre desde la mañana. Además, es una de las mejores canciones positivas que podemos encontrar, ya que tiene una letra bastante motivadora. Solo la frase “hoy puede ser un gran día” lo dice todo, animando a las personas en su jornada laboral.

 

2. I Will Survive – Gloria Gaynor

Si buscas música positiva para entrenar en el gimnasio, practicar running, ciclismo o senderismo, este clásico tema de Gloria Gaynor podría ser el indicado. Esto es gracias a su ritmo llamativo que te impulsará a mantener mucho ánimo en tu entrenamiento.

 

3. Viva la vida – Coldplay

Decidimos añadir este tema después de “I Will Survive” no por su letra, sino el ritmo bailable y agradable que lleva. También, porque la voz de Chris Martin hace una melodía sencilla, pero a la vez muy motivadora. En otras palabras, es un tema útil para tus entrenamientos deportivos.

4. Bonnie Tyler – Holding Out For A Hero

Si te gusta la música de los 80, debes escuchar esta canción. En español significa “Estoy buscando a un héroe” y tiene un ritmo que animará tus jornadas laborales. Además, cuenta con la hermosa voz de Bonnie Tyler, que es un poco ronca o rasgada, única e inigualable.

 

5. Jump – Van Halen

Este tema alcanzó la posición número 1 en el Billboard Hot 100. Tiene una fusión de hard rock y pop rock con un increíble solo de sintetizador. También, posee una frase positiva al principio de la canción “and nothing gets me down”, que en español significa “y nada me desanima”.

 

6. Eye of the tiger – Survivor

Este tema cuenta con frases inspiradoras como “don’t lose your grip on the dreams of the past”, que quiere decir “no pierdas de vista los sueños del pasado”. Además, esta es la canción más emblemática de las clásicas películas de Rocky.

 

7. Go west – Pet Shop Boys

Aunque esta canción es de Village People, fue la versión de Pet Shop Boys en 1993 que la hizo famosa. Se trata de un tema del género disco, por lo que es bastante alegre y bailable, además, una de sus frases más motivadoras es “trabajaremos y nos esforzaremos”, pues te anima en tus metas.

 

8. It’s my life – Bon Jovi

La letra de la canción es motivadora, porque te invita a vivir el ahora con energía. Uno de los versos más bonitos dice “solo quiero vivir mientras siga vivo”, dando a entender que lo importante es aprovechar el tiempo justo ahora que estás vivo.

 

9. Burning Heart – Survivor

Esta es una canción de hard rock perteneciente al grupo Survivor, asimismo, cabe destacar que fue compuesta por Frankie Sullivan y Jim Peterik. Además, fue publicada en 1985 para la película Rocky IV. Su letra es muy inspiradora para cuando vas a entrenar algún deporte. Su frase más impresionante es “aunque su cuerpo dice para, su espíritu grita ¡nunca!”. En otras palabras, esta es una buena música para levantar el ánimo cuando sientes que no puedes más.

 

10. You could be mine – Guns and Roses

Si te gusta el heavy metal, esta canción podría ser la indicada para ti, ya que tiene una fusión de hard rock y heavy metal bastante agradable al oído. Asimismo, su letra en la voz de Axl Rose la convirtió en uno de los clásicos temas de Guns and Roses.

11. Sin miedo – de Rosana

Una de las frases más bonitas e inspiradoras es “sin miedo sientes que la suerte está contigo”. Tal vez, respecto a la letra de canciones motivadoras en español, este tema muy bien podría estar en los primeros puestos. Además, es fácil de tocar en guitarra clásica o electroacústica, por sus acordes sencillos y ritmo reggae.

 

12. What a wonderful world – Louis Armstrong

Este tema resume su hermosa letra con el título, que en español significa “qué mundo tan maravilloso”. La canción te motiva a amar el mundo con todo lo bello que tiene, los colores del arco iris, cielos azules, árboles verdes, etc.

 

13. I wanna dance with somebody (who loves me) – Whitney Houston

Es una canción de dance pop y R&B, con una letra de amor para invitar a tu pareja a bailar. También, motiva a las personas a amar libremente y expresar sus sentimientos. I wanna dance with somebody (who loves me) significa “quiero bailar con alguien que me ame” y su ritmo alegre te motiva a trabajar, estudiar o hacer ejercicios con energía.

 

14. Happy – Pharrel Williams

Es una de las mejores canciones modernas que te servirá para empezar el día de manera alegre. Su frase “hundirme, nada puede hacerlo” es una de las más destacadas de toda la letra. El presente tema te invita a ser feliz, sin importar lo que las demás personas piensen de ti.

 

15. La revolución sexual – La Casa Azul

Dance, indie pop, disco y funk son algunos de los géneros que lleva esta canción. Y la hemos incluido en la lista porque tiene que ver con el sexo, lo que motiva mucho a todo ser humano. Una de las frases dice “sé que va a suceder la revolución sexual”, inspirando a las personas a dejar los tabúes de lado y disfrutar de la sexualidad.

 

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Tipos de escalas musicales

Última actualización: 21.11.24

 

Las escalas musicales están presentes en toda la música que escuchamos, pues ellas son parte de la armonía y melodía en una canción. De hecho, existen diferentes escalas; por ejemplo, mayor, menor armónica, cromática, pentatónica mayor, entre otras. Cada una de ellas cumplen su papel en la música occidental.

 

¿Qué es una escala musical?

La escala musical es un conjunto de notas organizadas de graves a agudas o viceversa, empezando por la tónica y terminando comúnmente en la octava. De este modo, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si sería la escala de Do, que es la más básica del modo mayor. Además, es la más fácil cuando estás aprendiendo escalas de piano, ya que debes tocar solo las teclas blancas del mismo.

Antes hemos mencionado la palabra “octava” y debes comprender este término antes de continuar. La octava es el intervalo de 8 grados que hay entre tónica y tónica. Por ejemplo, de Do a Do hay una octava, es decir, 8 notas consecutivas. Cuando llegamos al segundo Do, el sonido es más agudo, pero armoniza perfectamente con la frecuencia en Hz del Do grave. Esto es porque el Do grave tiene 130,81 Hz y el Do agudo posee 261,63 Hz, justo el doble de frecuencia. Lo mismo sucede con las escalas de Re, Mi, Fa, Sol, etc. Es decir, de Re a Re se duplica la frecuencia, lo que hace sonar a último Re muy bien.  

 

El origen de las escalas musicales

Del mismo modo que la armonía clásica y otros elementos de la música, las escalas tienen su origen en cálculos matemáticos. Los pitagóricos descubrieron que una cuerda podía cambiar de sonido si acortaban o alargaban su distancia. Fue así como descubrieron diversos intervalos, los de octava, quinta y cuarta, pues les pareció que estas frecuencias eran agradables al oído humano.

Con el tiempo, la música fue evolucionando y aparecieron las escalas mayores, menores, dóricas, pentatónicas, diatónicas, cromáticas, etc.

Las escalas musicales mayores

Las escalas mayores están compuestas por diversos intervalos, sobre estos últimos hablamos en otro artículo. Esta es una tabla con los intervalos de la escala mayor:

Intervalos de Do mayor
Tónica: Do

2da mayor: Re

3ra mayor: Mi

4ta justa: Fa

5ta justa: Sol

6ta mayor: La

7ma mayor: Si

Octava: Do agudo

Las demás escalas mayores se componen de la misma manera, sin embargo, para facilitarte la comprensión del tema, te presentamos una tabla con todas las escalas mayores. Ten en cuenta que estas son las escalas más comunes en la música occidental. La mayoría de canciones que escuchamos están compuestas por círculos armónicos mayores, ya que este tipo de estructura musical es más alegre que las de tonalidades menores. También, te informamos que estas son las primeras escalas que debes aprender en guitarras clásicas (si pulsas aquí, encuentras varias opciones de compra).

Nombre de las escalas I II III IV V VI VII
Escala de Do mayor Do Re Mi Fa Sol La Si
Escala de Re mayor Re Mi Fa# Sol La Si Do#
Escala de Mi mayor Mi Fa# Sol# La Si Do# Re#
Escala de Fa mayor Fa Sol La Sib Do Re Mi
Escala de Sol mayor Sol La Si Do Re Mi Fa#
Escala de La mayor La Si Do# Re Mi Fa# Sol#
Escala de Si mayor Si Do# Re# Mi Fa# Sol# La#

 

Las escalas musicales menores

Estas escalas difieren de las mayores por algunos intervalos, en especial, gracias a la tercera menor y la sensible. Asimismo, existen diversos tipos de escalas menores, pero las armónicas son las más utilizadas en la música comercial o popular.

Una escala menor posee tonos y semitonos. Por ejemplo, del grado I al II hay 1 tono, pero del II al III tiene 1 semitono. Igualmente, es muy característico el último semitono en las escalas menores armónicas, del séptimo al octavo grado.

Las menores pueden ser eólicas, melódicas y armónicas. A continuación, te mostramos una práctica tabla con las escalas menores armónicas.

Nombre de las escalas I II III IV V VI VII
Escala de Do menor Do Re Mib Fa Sol Lab Si
Escala de Re menor Re Mi Fa Sol La Sib Do#
Escala de Mi menor Mi Fa# Sol La Si Do Re#
Escala de Fa menor Fa Sol Lab Sib Do Reb Mi
Escala de Sol menor Sol La Sib Do Re Mib Fa#
Escala de La menor La Si Do Re Mi Fa Sol#
Escala de Si menor Si Do# Re Mi Fa# Sol La#

¿Qué es la escala diatónica?

Es una de las escalas más comunes, porque se encuentra compuesta de 8 notas principales, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, en el caso de Do mayor. La octava nota sería el Do que representa el descanso de la sensible (Si). Además, ese Do es el mismo que el primero, pero más agudo.

Las escalas mayores y menores que anteriormente te explicamos son diatónicas, así que no son difíciles de aprender, puesto que no poseen muchas notas.

 

Escala cromática

Es la que está conformada por los 12 sonidos (semitonos) organizados de grave a agudo. Si tocas las teclas blancas y negras del piano empezando por Do grave y terminando en la octava (Do agudo), estarás realizando una escala cromática. Por supuesto, debes tocar las notas de graves a agudas consecutivamente para hacer una escala cromática correctamente. Del mismo modo, puedes tocar las escalas cromáticas de Re, Mi, Fa, etc. Este es un ejemplo de la escala cromática de Do:

# Notas
1 Do
2 Do#
3 Re
4 Re#
5 Mi
6 Fa
7 Fa#
8 Sol
9 Sol#
10 La
11 La#
12 Si

 

Escala pentatónica mayor

Si quieres aprender escalas de guitarra, esta es una de las preferidas por los músicos, ya que se compone de 5 notas y sirve para improvisaciones, riffs o solos. Este tipo de escala se compone de 3 tonos + 1 tono y medio, organizados de la siguiente manera: Do – Re – Mi – Sol – La.  

Por último, para practicar cómodamente todas las escalas que aquí te explicamos, te recomendamos hacerlo en un lugar cálido y relajante. Si tienes una chimenea cassette, o algún otro dispositivo similar, te será muy útil para crear una estancia reconfortante, especialmente si estás en invierno.

 

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Top 15 cantautores españoles

Última actualización: 21.11.24

 

Es debatible que la mejor exportación de España sean las paellas cuando existen tantos talentosos cantautores que han marcado la escena musical mundial de una forma irreversible. De diferentes épocas, provincias y ritmos, todos los cantantes que se encuentran en este top tienen algo en común; basta escuchar un par de canciones para recordarlos por siempre. 

 

Cuando se trata de música, los cantantes son artistas increíblemente talentosos que trabajan arduamente para compartir sus dones y hacer que las personas canten, bailen y disfruten su música. Sin embargo, entre todos los cantantes del mundo, existen artistas destacados que, además de tener una hermosa voz, también tienen la capacidad creativa de escribir canciones, hacer los arreglos musicales y ofrecer un espectáculo a miles de personas.

Los cantautores se consideran de los artistas más completos y, afortunadamente, España es un país conocido por la calidad musical que ha exportado al mundo, de la mano de diferentes artistas de diversas épocas que, por sus habilidades, merecen ser reconocidos.

Como hay muchos cantautores famosos, puede ser difícil elegir los mejores de este país. No obstante, existe un selecto grupo de cantantes que, debido a sus logros y cualidades, han logrado cautivar a personas sin importar las fronteras y épocas.

 

1. Joaquín Sabina

A pesar de su aspecto despreocupado y de que es un artista que lleva décadas en el mundo de la música, Joaquín Sabina es uno de los mejores cantantes españoles de todos los tiempos.

Sus letras románticas y llenas de poesía han servido de inspiración para muchos otros cantautores. Cada canción de Sabina logra enamorar a más de una persona y, probablemente, ayude a un futuro cantante a descubrir su pasión.

 

2. José Luis Perales

Cuando se trata de cantautores españoles de los años 70, José Luis Perales es probablemente uno de los más conocidos, pues muchos artistas le han hecho covers a sus hermosas letras y han mantenido vivo su legado a través de los años.

3. Alejandro Sanz

Alejandro Sanz es un cantautor que ha logrado que jóvenes y adultos disfruten de su música por igual, lo cual suele ser bastante difícil. Esto lo hace merecedor de un puesto en el listado de mejores cantantes famosos españoles.

 

4. Joan Manuel Serrat

Desde que llegó Serrat, “Penélope” dejó de ser un simple nombre para convertirse en la musa de muchos artistas jóvenes.

Y es que, a pesar de que las letras de este cantautor suelen ser tristes y estar llenas de melancolía, hay algo tan artístico en ellas que siempre hace que volvamos a escucharlas una y otra vez.

 

5. Leiva

Leiva es uno de los cantautores españoles más jóvenes de este listado, sin embargo, su genio musical y su facilidad de adaptarse a diferentes géneros le han ayudado a ganar diversos premios, incluyendo el Goya a mejor canción original en el 2018.

 

6. Melendi

Entre los cantautores españoles actuales, Melendi es uno de los más escuchados. De hecho, es casi imposible que exista alguien que no haya oído sobre el “Jardín con enanitos”.

Este cantante combina su voz con su habilidad en la guitarra y en el piano, haciéndolo una máquina musical completa que sigue y seguirá sorprendiendo a pesar de los años.

 

7. Albert Plá

Si se pudiera definir a Albert Pla, utilizando solamente dos palabras, estas serían: controversial e irreverente. No obstante, a pesar de que algunos no estén cómodos con la resaltante personalidad de este cantante, lo que no se puede negar es el gran talento musical que tiene.  Su repertorio está lleno de música hecha para los excéntricos que no desean conformarse con lo común.

 

8. Manolo García

Manolo García es arte en su máxima expresión. Melodías con un ritmo de pop rock fusionadas con tonalidades distintivas del flamenco y la música árabe; una medalla de oro al Mérito en las Bellas Artes por sus dotes de pintura, y unas letras poéticas llenas de surrealismo. Todo esto es Manolo.

 

9. Andrés Calamaro

Calamaro nació en Argentina, sin embargo, su vida se ha repartido entre Buenos Aires y Madrid, por lo que su música está llena de lo mejor de las dos naciones. Quizás por eso siente la necesidad de hacer discos de más de 100 canciones; sin embargo, seguramente aquí estaremos para todas y cada una de ellas.

 

10. Nacho Vegas

Oír la música de Nacho Vegas es probablemente la forma más artística de sufrir, pues el cantante está lleno de letras tristes y melancólicas que, por alguna razón, seguimos disfrutando cantar. Este asturiano logra evocar fuertes sentimientos solamente con cantar sus creativas líricas.

11. Kiko Veneno

Con guitarras clásicas y una potente voz, Kiko Veneno ha logrado atrapar el mundo musical y se lo ha guardado en el bolsillo para él. Entre los cantantes españoles antiguos, este es uno de los más destacados, pues no se quedó en los 90 y sigue igual de fuerte en la actualidad.

 

12. Aute

Aventuras, fantasías y amor; así son las letras de Aute y escucharlas es como experimentar otra vida, pero con una banda sonora de fondo. Aunque falleció en el 2020, su legado sigue vigente y su genialidad merece reconocimiento.

Aute hablaba 6 idiomas y también era escultor, pintor, poeta y cineasta. Todo un ilustre madrileño.

 

13. Bunbury

Bunbury es todo un personaje que no nos queda más remedio que admirar. Saltó a la fama por ser el vocalista de la banda “Héroes del Silencio”, pero después de su ruptura logró consolidarse como solista y, desde ese momento, no ha parado.

 

14. Sr. Chinarro

Hay muchos cantantes andaluces actuales, sin embargo, desde los 90, el grupo musical “Sr Chinarro” cuyo único integrante fijo es Antonio Luque sigue siendo uno de los más grandes representantes de Andalucía.

Las metáforas se transmiten con un ritmo indie propio de Luque, el cual cautiva a personas de todas las edades. 

 

15. Carlos Goñi

Carlos Goñi ha vendido sus canciones como solista, en banda y también en trío, siempre con una guitarra clásica cerca de él, y en todas sus presentaciones ha logrado atrapar a todos los oyentes. Un cantante español que siempre logra sorprender.

Estimular la creatividad para ser como estos grandes cantautores es posible, ya sea buscando qué aceite de cáñamo comprar para activar tu mente o un amplio repertorio musical para maximizar tus fuentes de inspiración. No obstante, recuerda que, para ser como los grandes, debes también esforzarte como ellos.

Escribe siempre cada idea que tengas, ten junto a ti tu instrumento principal y no temas darle rienda suelta a tu imaginación. Así empezaron todos y, gracias a esto, han logrado cambiar el mundo de la música, un acorde a la vez.

 

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¿Cómo aprender solfeo rápidamente?

Última actualización: 21.11.24

 

Aprender a solfear no basta con simplemente tomar una guitarra clásica y empezar a imitar los sonidos que hacen los profesionales. El solfeo es una práctica que toma tiempo y esfuerzo pero que, con una buena información y diferentes formas de estudio, puede tomar menos tiempo en comprenderse y aplicarse.

 

Cualquier persona que se esté iniciando en el mundo de la música y vea las complejas notas en el pentagrama podría asustarse. La combinación de símbolos, líneas y, a veces letras, pueden parecer un complicado idioma casi imposible de entender para muchos; sin embargo, realmente no es tan difícil entenderlo cuando intentas comprender de forma pausada pero constante.

La teoría de la música puede parecer imposible al inicio, pero no dejes de perseguir tus sueños artísticos. Verás cómo la lectura musical se irá haciendo más sencilla a medida que practicas el solfeo.

 

¿Qué es el método del solfeo?

Este es un método de entrenamiento que permite que los estudiantes logren entender la partitura musical utilizando la voz y otros elementos rítmicos. Esto, además de ayudar a identificar la música para leer, hará que el proceso sea más rápido, permitiendo al músico seguir una composición sin conocerla tan solo leyendo el pentagrama.

En el solfeo básico se cantarán las notas musicales respetando la escala utilizada en el instrumento a aprender, asimilando las duraciones de las notas, el tempo y otras cosas consideradas base en la teoría musical.

 

¿Qué tipos de solfeo existen?

Existen dos tipos de solfeo y dos claves en las que se lee el solfeo. Su nombre nos dice algo sobre esto último, pues “Sol” hace referencia a la clave de Sol y “Feo” se refiere a la clave de Fa, estas son consideradas las claves principales en la música.

La razón tras esto es porque la clave de sol es la que se adapta mejor a los instrumentos de rango más agudo, mientras que la clave de fa, por el contrario, se adecúa a los instrumentos con un rango bajo o grave.

Por otra parte, independientemente de la clave que se esté utilizando, existen dos ramas de solfeo que es necesario estudiar si se quiere entender hasta una partitura sencilla. Estos tipos son: hablado y cantado.

1) Solfeo hablado:

El objetivo de este solfeo es entrenar a las personas a identificar los valores rítmicos de una composición. Es decir, las negras, blancas, corcheas, semicorcheas, agrupaciones regulares e irregulares, alteraciones musicales, entre otras cosas.

Además, permitirá que las personas logren ubicar las notas musicales en el pentagrama. Así no tendrás que detenerte a pensar mucho a la hora de leer las partituras. De la misma forma, estarás listo para entender los símbolos que dan información sobre los matices de velocidad y volumen, los acentos, las dinámicas de prolongación, entre otras cosas.

2) Solfeo cantado:

Cuando se habla de solfeo para niños, usualmente se refieren a este tipo, pues antes de enseñar la teoría a los pequeños, estos empiezan a entrenar su oído y las entonaciones musicales. No obstante, este solfeo es necesario para adultos también.

Alguien entrenado en el solfeo cantado puede reconocer una partitura y escucharla en su mente, sin instrumentos. Esto es especialmente importante para los músicos que sueñan con ser compositores.

Algo que diferencia a este solfeo del hablado es que, aunque mentalmente identificas las alteraciones musicales como los sostenidos y bemoles, no se deben cantar. Por eso es tan importante complementar ambos solfeos, pues los dos tipos entrenan a la mente de distinta manera.

 

Do movible vs Do fijo

Cuando se solfea en clave de Sol hay dos formas en las que te puedes encontrar al Do en el pentagrama. De forma fija, siempre debajo de la última línea del pentagrama, o de forma movible, lo cual significa que el Do se mueve a la altura en la que se encuentra la clave de Sol.

Dependiendo del país se utilizan diferentes métodos, sin embargo, se recomienda siempre solfear con Do fijo, pues esto hará que leer las partituras de guitarra o cualquier otro instrumento sea más sencillo por la rápida ubicación en el pentagrama.

 

Ya sé solfear, ¿ahora puedo tocar cualquier instrumento?

Lamentablemente, la respuesta es no. Tener una base sólida de conocimiento de teoría musical puede ayudarte a un rápido aprendizaje de cualquier instrumento. Sin embargo, no significa que ahora sabes leer todas las partituras que existen en el mundo.

Si crees saber cómo leer partituras de batería porque puedes reconocer una partitura de piano fácil, te llevarás una nefasta sorpresa cuando comiences a ver los símbolos que identifican a los diferentes “Hi-hat” y cómo la altura representa el tambor que utilizarás.

Por esa razón, si deseas aprender un instrumento en específico en su totalidad, debes dedicarte completamente a comprender ese instrumento. Después, ya podrás encargarte de los demás siguiendo los sistemas organizacionales específicos para cada uno de ellos.

¿Puedo aprender solfeo por mí mismo?

Sí podrías hacerlo, pero además de ser algo muy difícil, no es recomendado. La razón tras esto es porque es más sencillo aprender información errónea y no tendrás a un experto que pueda corregirte.

Siempre es una mejor opción asistir a un curso de solfeo para poder aprender correctamente todo lo necesario. Sin embargo, esto puede complementarse con ejercicios para leer partituras, como el uso de diferentes colores para identificar las notas musicales y hacer más sencilla su identificación futura.

Asimismo, existen también ejercicios de solfeo para principiantes hablados y cantados. Por ejemplo, en los conservatorios, los niños suelen aprender la escala musical diatónica cantando la popular canción de “Sonrisas y Lágrimas”, llamada “Do-Re-Mi”. La asociación de las notas musicales con palabras y su identificación simultánea en la partitura es una excelente forma de familiarizarse con los sonidos de forma escrita.

Para terminar y seguir practicando en casa, no es mala idea tener un libro de teoría del solfeo o métodos de autoaprendizaje para poder reforzar lo que aprendas en clases. En librerías en línea es posible encontrar varias alternativas de calidad.

 

¿Cómo enseñar solfeo a los niños?

Los más pequeños suelen acercarse al aprendizaje de distinta manera a los adultos, por lo tanto, el conocimiento debe venir siempre de forma dinámica y con juegos.

Por otra parte, recuerda que, como los idiomas, los niños adquieren primero la capacidad de escuchar e imitar, mientras que sus últimas habilidades son las de leer y escribir. El solfeo cantado será siempre la mejor opción para ellos y, al tener más edad, entonces ya se pueden introducir partituras simples para empezar.

La clave es hacer que los niños amen la música, así que no los presiones. Acompáñalos en el canto de las notas musicales, permíteles descansar un periodo determinado para jugar con sus castillos Playmobil o muñecas, y deja que vuelvan para golpetear las manos al ritmo de la música. Ya verás que, en poco tiempo, desarrollarán su sentido musical.

 

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Las 20 mejores óperas

Última actualización: 21.11.24

 

Verdi, Mozart y Puccini son nombres que muchos conocen y esto demuestra la trascendencia de la música y el impacto cultural de las obras compuestas por estos hombres. A lo largo de la historia han existido diversas óperas; sin embargo, existen algunas que realmente destacan entre todas las demás. Estas merecen llamarse las mejores.

 

La ópera, es un género ideal para aquellos que aman tanto la música que desean que esta cuente una larga historia. Aunque en su composición no hay una guitarra clásica o baterías, es un género que cuenta con diversos instrumentos que trabajan en conjunto para lograr transmitir diferentes emociones.

Este es uno de los géneros más antiguos, pues se originó en el siglo XIV; sin embargo, con el pasar del tiempo se han desarrollado diversos tipos de ópera para que todos puedan encontrar su pieza musical ideal.

Entre todos estos tipos, existen grandes obras musicales en específico que podrían contener las mejores arias de ópera que han existido. Entre ellas están muchas óperas de Verdi, las mejores obras de Mozart y también varias óperas de Puccini, las cuales han perdurado en el tiempo.

Diversos cantantes de ópera famosos como Andrea Bocelli, Jonas Kauffman, Alfredo Kraus y los tres tenores: Plácido Domingo, Luciano Pavarotti y José Carreras, han dado vida a las óperas que encontrarás a continuación. Definitivamente consideradas como las mejores que han existido.

Verdi

Giuseppe Verdi fue un compositor italiano de ópera que, entre la época de transición del bel canto y el verismo, logró apoderarse, por así decirlo, de la escena musical italiana.

Su música se caracteriza por un estilo vigoroso y, definitivamente, todas sus creaciones están entre las mejores óperas de la historia.

1) Rigoletto, 1851:

Basada en “Le Roi s’amuse” de Víctor Hugo, es una obra dividida en 3 actos y considerada la ópera clásica por excelencia. Cuenta con una trama compleja con amor, pasión y drama, acompañada por una excelsa melodía, en la que se encuentra la famosa canción “La donna e’ mobile”

2) La Traviata, 1853:

Solo dos años necesitó Verdi para dar a conocer su segunda obra más famosa, “La Traviata”, basada en la obra de Alejandro Dumas: “La dama de las camelias”. Esta ópera sigue siendo muy tocada en la actualidad y su canción más destacada es, probablemente, “Brindisi”.

3) Don Carlo, 1867:

Arriesgándose con otros subgéneros, Verdi no solo logró crear una de las óperas más famosas, sino también una obra considerada la mejor ópera francesa que ha existido jamás. Esta consta de 5 actos y está basada en el drama “Dom Karlos, Infant von Spanien”

4) Otello, 1887:

Composición dividida en 4 actos basada en la obra de Shakespeare con el mismo nombre. Esta fue la primera pieza musical de Verdi después de su retiro.

5) Il trovatore, 1852:

Inspirada por la obra de teatro “El trovador” del andaluz Antonio García Gutiérrez, esta obra de Verdi culmina la trilogía popular operística del compositor.

6) Nabucco, 1841:

Esta composición de Verdi es una tragedia lírica en 4 partes basada en la obra de 1836: Nabuconodosor.

7) Aida, 1872:

Para retirarse en grande, antes de volver con Otello, el 24 de diciembre de 1872, Verdi estrenó esta música de ópera, inspirada en “Camille du Locle”.

Puccini

Si eres fanático de las películas de suspenso de la vieja escuela, seguramente has oído fragmentos de las composiciones del gran Giacomo Puccini, caracterizado por sus detalles tonales a la hora de componer. Se considera el sucesor directo de Verdi, debido a su capacidad de utilizar diversas técnicas de ópera.

8) Turandot, 1926:

Ópera basada en la obra Turandotte, de 1762, y dividida en 3 actos. Aquí se encuentra la composición “Nessun dorma”, considerada una de las canciones de ópera más famosas.

9) Tosca, 1900:

Probablemente esta es la obra más representativa de Puccini, pues es una composición intensa de 3 actos llena de amor, violencia, intriga y muerte. Es parte de la trilogía más famosa de Puccini, completa por:

10) La bohemia, 1896

11) Madama Butterfly, 1904

Estas últimas no fueron muy bien acogidas por el público en su estreno, no obstante, solo bastó un poco de tiempo para que consiguieran la fama que merecen y siguieran siendo tan importantes hasta ahora.

Donizetti

Donizetti fue un artista que no se conformó con un solo género musical. Además, gracias a sus 75 óperas compuestas, su música de ópera lírica es la más conocida.

12) Don Pasquale, 1843:

Esta no es solo una de las mejores óperas de la historia, sino también se considera una de las últimas grandes óperas italianas. Ambientada en Roma, esta es una ópera bufa de tres actos.

13) La hija del regimiento, 1840:

Con tan solo dos actos, esta ópera cómica logró cautivar a los parisinos del siglo XIX y ha sido representada muchas veces con el pasar de los años, con las voces de grandes como Pavarotti, Kraus y Flórez.

14) El elixir de amor, 1832:

Esta ópera de dos actos dio vida a la famosa aria “Una furtiva lágrima”, una de las canciones más interpretadas en el mundo de la ópera.

15) Lucía di Lammermoor, 1835:

El drama trágico de 3 actos y 7 escenas es una ópera insigne de Donizetti, pues se dice que llegó en su cúspide creativa como compositor.

 

Leoncavallo

Podría considerarse una vida trágica la que tuvo Leoncavallo, pues fue una persona de escasos recursos que intentó conquistar el mundo con su música. Aunque compuso muchas óperas, solo la primera de ellas logró un gran éxito, pero, afortunadamente, es lo suficientemente increíble para entrar entre las mejores del mundo.

16) Pagliacci, 1892:

Si se tuviera que elegir una sola obra del estilo verista para representarlo, Pagliacci podría ser la mejor opción. Esta es una de las óperas más famosas y representadas del mundo.

Mozart

Mozart es, probablemente, el compositor clásico más famoso y más reconocido a nivel mundial. Este músico creó obras excelentes de diversos géneros y sentó las bases para que otros compositores lograran el éxito.

17) La flauta mágica, 1791:

Estrenada dos meses antes de su muerte, esta ópera de dos actos destaca por ser representativa de la masonería, pues el compositor pertenecía a una Logia. Esto le dio un carácter misterioso que muchos quisieron descubrir.

18) Las bodas de Fígaro, 1785:

Dividida en 4 actos, esta ópera bufa fue controversial en su época, sin embargo, actualmente se considera una de las obras más importantes de Mozart y del mundo de la ópera.

 

Sterbini/Rossini

Estos dos compositores fueron, en su época, grandes de la música. Sin embargo, probablemente la obra más representativa de ambos fue esta ópera bufa conjunta, la cual contiene la famosa aria “Largo al factotum”

19) El barbero de Sevilla, 1883.

 

Wagner

Este alemán no solo fue un prolífico compositor, sino también un ensayista, poeta, director de orquesta, teórico musical y dramaturgo. Realmente un personaje para admirar.

20) Tristán e Isolda, 1865:

Esta obra, dividida en tres actos, es excelente; sin embargo, su fama realmente radica en haber sido la composición que dio vida al “acorde de Tristán”. Este acorde estableció la base musical que tomaría el género clásico en el siglo XX, lejos de la armonía convencional que manejaban hasta el momento.

Si quieres disfrutar de cualquiera de estas óperas, más te vale tener tu mejor kit de cerveza artesanal para ver el espectáculo, pues te estarás adentrando a un mundo de complejas historias, lleno de melodías que te guiarán a través de escenas emocionantes que se mantienen vigentes, incluso con el pasar de los siglos.

 

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¿Qué son las tonalidades musicales?

Última actualización: 21.11.24

 

Hay un mundo de conocimiento tras los hermosos sonidos de un instrumento musical, y entender sobre esta teoría puede ser determinante a la hora de elegir la música como una profesión. La tonalidad musical, por ejemplo, es la base fundamental de cualquier composición y saber sobre ella es importante para comprender y crear música.

 

La palabra “arte”, la mayoría de las veces está reservada para hacer referencia a grandes pinturas o esculturas con diversos colores y detalles increíbles que captan la atención de cualquiera que se acerque. Sin embargo, muchas personas se olvidan que, al tomar un instrumento y darle vida a una composición con todos sus tonos musicales, también se está haciendo arte.

La complejidad de la música probablemente no es notoria para el oyente común, así como tampoco lo es para los instrumentistas que recién comienzan a tocar. Sin embargo, aquellos que han decidido estudiar la teoría musical saben que detrás del simple do, re, mi que se escucha al tocar, se encuentra un sistema organizacional impresionante, que puede considerarse un idioma o una estructura matemática.

Por esa razón, si deseas dejar de tocar solamente guitarras clásicas (puedes encontrar en este enlace unas opciones de compra) y empezar a estudiar la teoría musical y explorar las bases que cimientan cada composición de todos los grandes artistas, es necesario aprender cosas como qué es la armadura de Mi menor, o qué es la tonalidad. Esto, definitivamente, hará que, además de explotar tu talento natural, logres adecuar los conocimientos teóricos para poder enseñar música o simplemente mejorar tus habilidades.

 

¿Qué son las tonalidades musicales?

Para poder entender realmente este tema, es primero necesario hablar sobre la escala musical y sobre la relación que tienen las notas en ella.

Las notas pueden organizarse de forma ascendente y descendente, no obstante, sin importar de qué manera estén organizadas, estas siguen un mismo orden, pues tienen un sistema gradual de 7, que representa a cada nota musical.

Estas notas, en una composición, pueden tener una armonía estable o inestable, lo cual se determina de la siguiente manera:

Si el sonido no da la sensación al oído de que necesita cambiar a la nota siguiente, estamos hablando de estabilidad. Por el contrario, si el sonido nos da la sensación de que esta nota debe cambiar para culminar en otro sonido, estaremos hablando de inestabilidad.

Habiendo dicho esto, ya podemos definir que la tonalidad musical es el conjunto de sonidos en los que se organiza una composición musical alrededor de una nota específica, la cual brinda la mayor estabilidad armónica. Esta nota, en específico, se llama generadora o tónica, y el resto de la escala será utilizada en la melodía de acuerdo a la relación que esta tenga con dicha nota.

¿Cómo saber el tono de una canción?

 

La importancia de la modalidad

Para empezar a identificar cuál es la tonalidad musical y saber si el pentagrama tiene una armadura de Fa mayor u otra, es necesario que tengas conocimiento sobre la modalidad en la escala diatónica.

El modo se divide en dos, pues puede ser organizado por tonalidades mayores o tonalidades menores. Este sistema utiliza la tónica de Do mayor y posee los 7 grados (Do, Re, Mi, Fa, Sol, La Si).

La modalidad mayor ha sido organizada con intervalos de dos tonos, un semitono, tres tonos y un semitono. Es decir, desde el primer grado se sigue esta fórmula: T-T-st-T-T-T-st

Por otra parte, la modalidad menor sigue el siguiente orden: T-st-T-T-st-T-T.

 

Utilizando la armadura y las alteraciones musicales

Muchos se preguntan qué son las alteraciones musicales y, aunque la teoría musical pueda causar algo de temor, realmente no es tan difícil de entender cuando realmente te propones estudiarla.

Las alteraciones musicales, como lo dice su nombre, son variaciones que se dan dentro de la escala diatónica en una composición musical. Por defecto, la escala está organizada en Do mayor y sigue un sistema organizacional de 7 grados que comienza en Do y termina en Si; por lo tanto, todo lo que se “salga” de ese orden, pasa a ser una alteración.

Estas alteraciones pueden darse de dos maneras: como bemol y sostenido. Sin embargo, sin importar cuál sea la variación, esta se indicará al inicio del pentagrama para evitar confusiones, siempre y cuando no se trate de una escala de Do sostenido mayor o de una tónica de La en el modo menor. Esta identificación tiene nombre: armadura musical.

El número de alteraciones que encontrarás depende enteramente de cuántas notas de la escala deberás alterar para mantener la modalidad correcta en las tonalidades mayores y menores.

Si para mantener las relaciones en intervalos necesitas disminuir la afinación de un semitono, entonces se dice que es una nota bemol. Por otra parte, si lo que se requiere es aumentar la afinación por un semitono, se trata de una nota sostenida. El bemol y sostenido se identifican por los símbolos “b” y “#”.

Al igual que la escala de Do mayor, el orden de sostenidos y bemoles es invariable, por lo tanto, si deseas identificar todo correctamente debes saber cuál es su organización.

1)      Sostenidos: Fa, Do, Sol, Re, La, Mi, Si.

2)      Bemoles: Si, Mi, La, Re, Sol, Do.

Si el inicio del pentagrama indica que la tonalidad tiene tres bemoles, pues se estará refiriendo a “Si, Mi y La”, por ejemplo.

En caso de que dos tonalidades tengan la misma armadura, una en modalidad mayor y otra en menor, entonces pasan a ser tonos relativos.

Si se parte del modo mayor, el intervalo que separa a las dos tónicas será de una tercera menor descendente, es decir 1 tono y medio. Por otro lado, si se parte del modo menor, esta será ascendente.

Entonces, ¿cuál es la tonalidad exacta?

Si ya sabes el orden de la escala y de las alteraciones de memoria, entonces puedes guiarte de esta manera:

En caso de que la armadura posea sostenidos podrás encontrar la tonalidad partiendo del último sostenido de la armadura, ya que este es la 2da menor ascendente.

Si se trata de bemoles, entonces la tonalidad será el penúltimo de los bemoles que se encuentre en la armadura. Con la excepción de Fa mayor.

Intentar aprender sobre la armadura de La mayor, las tonalidades y cómo descubrirlas puede ser abrumador. Por lo tanto, si realmente deseas estudiar sobre la teoría musical, sugerimos buscar entre los mejores aspiradores automáticos para poder limpiar tu casa a fondo, abrir las cortinas, preparar una taza de café y finalmente sumergirte en el mundo de la música con paciencia y determinación hasta lograr entender el más mínimo detalle.

 

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Todo sobre el origen del flamenco

Última actualización: 21.11.24

 

El flamenco no solo es interpretado en España, sino también en distintas partes del mundo. Este género musical ha sido considerado por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, dado el desborde de sentimientos e intensidad emocional de los cantaores, bailaores y tocaores. 

 

Definición del flamenco

Si te preguntas qué es el flamenco, aquí te damos la respuesta. Es un género musical español cuyo desarrollo tuvo lugar en Andalucía, principalmente, en las zonas de Jerez de la Frontera, Sevilla, Huelva y Cádiz.  

También, el flamenco es producto del mestizaje de distintas culturas entre las que destacan la judía, cristiana, gitana y árabe. Por lo tanto, la música flamenco es apreciada y practicada en distintas partes del mundo. 

 

Historia del flamenco 

La música flamenca surgió a finales del siglo XVIII en villas y ciudades de Andalucía y, sin duda, este género musical tuvo como principal influencia la cultura gitana o flamenco gitano. El flamenco se caracteriza por tener tres facetas, cante, toque y baile. 

El flamenco antiguo, aquel que tuvo sus primeros inicios en la diversidad cultural de los pueblos que se asentaron en Andalucía, ha evolucionado con el paso del tiempo. No obstante, sigue manteniendo su esencia y cautivando a muchas personas. 

A continuación, te presentamos las diferentes partes del flamenco, cante, toque y baile. Cuando estos tres elementos se encuentran unidos disfrutas del flamenco a plenitud, pero también con solo el baile o la guitarra flamenca puedes ver lo que significa este bello género musical. 

 

El cante

Se denomina “cante” a la acción de ejecutar cualquier canto andaluz, el cual se caracteriza por transmitir un profundo sentimiento. Asimismo, mencionamos que a la persona que interpreta el cante flamenco se le llama cantaor. 

Por otro lado, cabe destacar que los artistas más representativos de la música andaluza a lo largo de la historia fueron Lola Flores, La Niña de los Peines, Camarón de la Isla, Manolo Caracol, Enrique Morente, entre otros. 

El toque

Los guitarristas flamencos son llamados tocaores, quienes utilizan una técnica y postura diferente a los músicos de guitarra clásica, dado que el guitarrista clásico suele apoyar el instrumento en su pierna izquierda inclinada. En cambio, el guitarrista de flamenco cruza ambas piernas y apoya su instrumento en la pierna que tiene más elevada, además, coloca el mástil de forma casi horizontal en relación al suelo. 

Del mismo modo, mencionamos que los tocaores modernos utilizan guitarras españolas (pulsando este enlace puedes encontrar algunas opciones de compra), sin embargo, para este género musical existe la guitarra flamenca, la cual es menos pesada y posee una caja más estrecha que la de una guitarra clásica, teniendo una mejor sonoridad, sin opacar al cantaor. 

También, los tocaores utilizan distintas técnicas de guitarra; entre ellas destacan el trémolo, rasgueo, alzapúa y el picado. 

Aunado a ello, en la guitarra flamenca hay varios tipos de toques:

  • Toque corto: Se caracteriza por ser mucho más sencillo respecto a recursos técnicos.
  • Toque sobrio: Este tipo de toque no lleva muchos ornamentos, siendo así bastante equilibrado. 
  • Toque gitano o flamenco: Usa pellizcos, bordones y las síncopas, dándole bastante color y alegría a cualquier canción. 
  • Toque frío: Este toque no utiliza hondura y pellizcos, pero también es muy útil para acompañar al cantaor.
  • Toque airoso: Es un tipo de toque vivo y muy rítmico que inspira mucho para bailar con alegría. 
  • Toque virtuoso: Tiene mucho dominio de la técnica, por lo que es bastante útil para guitarristas flamencos solistas. 
  • Toque pastueño: Es un toque lento y fácil, así que puede ser muy útil para principiantes en el flamenco. 

 

El baile 

El baile flamenco se caracteriza por ser improvisado. Es decir, el bailaor se deja llevar por las emociones que florecen mientras suena la música (espacialmente una guitarra flamenca). 

Asimismo, mencionamos que en el baile destaca el zapateado flamenco, el cual tiene varios principios que van desde la postura utilizada hasta el dominio del compás en cada uno de los palos flamencos. 

Además, la percusión del zapateado flamenco se basa en el tacón, la planta y la punta de los zapatos flamencos. 

 

Palos del flamenco 

Se denominan palos a las variedades tradicionales que tiene el cante flamenco, por ejemplo:

  • Tangos: Es uno de los estilos básicos de este arte y posee distintas modalidades. 
  • Alegrías: Este tipo de palo se caracteriza por expresar el sentimiento del ambiente gaditano, de Cádiz. 
  • Fandangos: A mediados del siglo XIX el flamenco tomó rasgos importantes de los fandangos andaluces, así que son considerados palos fundamentales del flamenco. 
  • Sevillanas: Se le llama así al baile y cante típico de Sevilla. Este es uno de los bailes más conocidos del flamenco español. Se baila en parejas al son de sus cuatro coplas. 
  • Bulerías: Este es un palo fiestero, que se caracteriza por tener un redoblado y ritmo rápido, en él se utilizan las palmas. También, en este palo los bailaores forman un semicírculo y entran al centro para bailar una parte de la pieza musical. 

 

Fusión flamenca 

El flamenco moderno o fusión flamenca ha adoptado otros géneros musicales como el rock, jazz, blues, entre otros. Igualmente, mantiene la influencia del flamenco árabe. 

En la actualidad, existen artistas que han sido inspirados por los cantaores más destacados del flamenco que mencionamos anteriormente. Una de estas es Rosalía, una cantante joven que ha mezclado el flamenco con otros géneros como el hip hop, la copla, el trap y la música electrónica. Entre sus éxitos musicales mencionamos “Pienso en tu mirá” y “Di mi nombre”.

 

La trascendencia del flamenco

Debido a la grandeza del flamenco, este ha trascendido fronteras. De hecho, en muchas partes del mundo existen escuelas de flamenco para niños o adultos. De este modo, los pequeños de la casa y sus padres pueden conocer esta música tan importante desde el punto de vista cultural. Incluso, el arte flamenco ha llegado a Asia, debido a su estilo tan alegre, así como al virtuosismo que requieren los guitarristas. 

En otras palabras, aunque España es el país flamenco, hay muchos otros lugares en el mundo donde podrás aprenderlo. No obstante, si no tienes una escuela cerca, puedes ver tutoriales de flamenco en YouTube. 

 

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Cómo componer una canción: consejos

Última actualización: 21.11.24

 

Al componer una canción debes tomar en cuenta diversos aspectos como letra, armonía y melodía. Estos son los tres pilares. Si los dominas, podrás escribir canciones inéditas desde cero sin necesidad de hacer plagio. De hecho, no tendrás que pagar a un compositor que cree canciones para la banda o tu carrera como solista.

 

¿Cómo hacer una canción desde cero?

No es fácil componer música, pero puedes crear canciones populares para comenzar. Estas tienen armonías más sencillas y estructuras de letras comunes, además, cuentan con melodías fáciles en muchos casos. Los temas menos complejos resultan muy agradables al oído, por lo que tienden a ser comerciales. Incluso, hay muchos artistas que se enfocan en este tipo de música y han llegado a ser famosos.

Para hacer una canción desde cero debes seguir una guía que simplifique tu trabajo y esfuerzo. En esta ocasión, te presentamos 6 consejos que ayudarán en el proceso de composición.

 

1. Conoce la estructura o partes de una canción

Cuando los arquitectos diseñan casas necesitan una estructura sólida que soporte el techo, las paredes, ornamentos, etc. También en la música necesitas una estructura de letra y armonía. Es por eso que debes tener al menos conocimientos básicos de música, especialmente, de armonía popular, ya que no es demasiado compleja para comenzar. Si no conoces ni comprendes la estructura de una canción, será muy difícil que compongas buenos temas.    

En resumen, es imprescindible que conozcas la estructura de una canción, ya que ella es la base sobre la cual se sostendrá todo lo demás.

Por ejemplo, antes de preguntarte cómo escribir una canción, debes conocer las partes de la misma. A continuación, te mostraremos algunas de las estructuras más comunes en la música popular.

  • Estrofa, estribillo, estrofa, estribillo.
  • Estrofa, pre-estribillo, estribillo, estrofa, pre-estribillo, estribillo.
  • Estrofa, pre-estribillo, estribillo, estrofa, pre-estribillo, estribillo, puente, estribillo.
  • Estribillo, estrofa, estribillo, estrofa, estribillo.

Como puedes ver, las partes y estructura de una canción popular no son complejas, además, puedes variar las partes según tus preferencias. Igualmente, hay estructuras armónicas, por ejemplo, tónica y dominante para la estrofa, así como subdominante, tónica, dominante y tónica en el estribillo. Por supuesto, hay cientos de combinaciones, incluso, puedes añadir otros grados musicales, superdominante, sensible, mediante y más.

Las canciones para tocar con guitarra pueden ser un poco más fáciles, pues no necesitas un acompañamiento de batería, bajo, teclado, etc. Por lo tanto, te recomendamos componer canciones en guitarra u otro instrumento armónico más sencillo. En tal sentido, el ukelele sería una buena opción.

2. Escucha canciones de diversos géneros y analiza sus letras

Escucha y canta canciones de rock, jazz, blues, pop, funk, flamenco, etc. No importa si se trata de géneros muy diferentes entre sí, el objetivo es que llenes tu mente de mucha música. Mientras más variedad musical haya en tu cabeza, mayor autenticidad tendrás al momento de componer. Aunado a ello, es importante conocer bastantes ritmos para crear canciones llamativas.

En este punto no nos alargaremos mucho, ya que solo debes escuchar música inspiradora para escribir tus canciones inéditas. Analiza las letras, cada verso, lo que quieren decir los autores, así tendrás mayor conocimiento de cómo hacer una canción. Sin embargo, también puedes componer canciones sin letra, como hacen algunos solistas de guitarra clásica y compositores de bandas sonoras para películas.

 

3. Escribe durante el día

Escribe lo que sea, sobre amor, despecho, motivación, situaciones del día, etc. No te preocupes si al inicio solo son palabras al azar, porque de allí puede salir una buena canción. Para algunas personas es más fácil escribir la canción y después crear la armonía y melodía.

Cabe destacar que te servirá escribir tu biografía personal, donde cuentes lo que has vivido. Asimismo, hay personas que escriben en su diario todo lo que ha sucedido en sus trabajos o momentos de ocio. Eso ayudará a que te sientas más confiado al momento de escribir una canción inédita.     

Por otra parte, te recomendamos llevar tu guitarra española a cualquier parte, en caso de que tengas una, ya que no se sabe si durante el día fluyen estructuras de acordes que acompañen las letras.

 

4. Estudia música en alguna escuela

Es indispensable tener diversos conocimientos para poder aprovechar mejor la música y hacer canciones que cumplan con tus expectativas. Por esa razón, te servirá estudiar música, sobre todo armonía popular y algún instrumento armónico que sirva para acompañar tu voz.

Por ejemplo, para comenzar, puedes aprender guitarra española. Pero si quieres un instrumento más sencillo y fácil de transportar a cualquier parte, te servirá estudiar ukelele. De hecho, en Internet hay muchos tutoriales de música que también te ayudarán a crecer con la voz y el instrumento.

No es obligatorio que aprendas un instrumento, pero sí es algo muy importante para todo cantante, porque no siempre tienes a un amigo músico cerca que te acompañe con la guitarra.

5. Copia las ideas de otros artistas

Con este punto no queremos decir que hagas plagio, sino que utilices aquellos elementos bonitos de las canciones famosas; por ejemplo, los círculos armónicos o la estructura de las letras. En otras palabras, no vas a copiar la letra y la melodía completa, solo algunas partes que te ayudarán en la creación de tus propias canciones.

Ahora bien, debemos reconocer que hay personas que tienen mucha musicalidad. Ellas poseen la habilidad para crear música desde cero, solo con sus conocimientos y el oído. Si es tu caso, dale completa libertad a tus ideas y crea diversas canciones.

   

6. Graba lo que se te ocurra y enfócate

Cuando estás estudiando o trabajando en la oficina puede que surjan ideas en tu cabeza. Detente un momento y graba en el teléfono las frases que te vengan a la mente, quizá así compongas una canción excelente.

Asimismo, cuando quieras componer un tema nuevo, lo más recomendable es que te enfoques en una idea principal, por ejemplo, amor por la vida, amistad, relaciones de parejas, motivación, corazón roto, etc. De esta manera, no te desviarás del tema principal en toda la canción.

Por último, confía en tus canciones y ámalas, aunque no se parezcan a las de artistas famosos como Pablo Alborán, Juan Luis Guerra o Enrique Iglesias.

 

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