Última actualización: 14.10.19

 

La flauta es un instrumento de viento que puede ser tocado por niños, jóvenes y adultos. Sin embargo, es bueno aprender a leer música, realizar ejercicios para soltar los dedos y estudiar las escalas antes de tocar piezas musicales. Posteriormente, una vez que hayas memorizado las posiciones de cada nota podrás tocar la primera canción en flauta.

 

Aprendiendo a leer música

Para leer música es importante conocer el pentagrama, el cual está compuesto por cinco líneas y cuatro espacios en donde se escriben las figuras, silencios, claves, dinámicas, compases y otros elementos. Generalmente, las partituras de flauta están escritas en clave de Sol, así que los nombres de las notas en el pentagrama van conforme a ella.

La primera línea del pentagrama recibe el nombre de Mi, el espacio que la sigue es Fa. Después, la línea que viene es Sol y así sucesivamente, según el orden de la escala de Do Mayor.

Por otra parte, mencionamos que dentro del pentagrama se colocan las figuras musicales, las cuales indican la duración del sonido. Estas son redonda, blanca, negra, corchea, semicorchea, fusa y semifusa.

Por otra parte, están las notas musicales que son sonidos, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si. Por supuesto, también tenemos las alteraciones, que son las sostenidas y bemoles. Las primeras se refieren a una alteración ascendente que se aplica a cualquier nota natural y el símbolo que la identifica es #, por lo que la nota sonará un semitono más alto. Un ejemplo de ello es Do, así está en estado natural, pero, si le añades un semitono, se escribirá Do#, lo que significa Do sostenido.

Por su parte, los bemoles son alteraciones que van de manera descendente, es decir, un semitono por debajo de la nota natural. El símbolo del bemol es “b”. Esto quiere decir que Si en estado natural cambiaría a Sib al quitarle un semitono.

Por si fuera poco, antes de tocar la flauta debes conocer los distintos silencios de la música, los cuales tienen que ver con el valor de las figuras. Esto quiere decir que hay un silencio de corchea, negra, redonda, etc. Cuando el intérprete ve un silencio en el pentagrama significa que en ese momento debe hacer una pequeña pausa y después continua. El tiempo que dura la pausa depende de la figura a la cual corresponda el silencio. De esa manera, el silencio de redonda exige una pausa más larga que el de la figura negra.

 

 

Ejercicios para soltar los dedos

Un aspecto importante que debes tener en cuenta para tocar este instrumento es practicar ejercicios que te permitan soltar los dedos. Esto te ayudará a que sea más fácil para ti tocar una canción. Por supuesto, no cabe duda que al principio parece complicado este instrumento, pero, si perseveras podrás aprender. Te aconsejamos que dediques tiempo a diario, al menos una hora. Toma en cuenta que los mejores flautistas del mundo estudian el instrumento hasta 5 o 7 horas diarias.

También, cabe destacar que cuando hagas los ejercicios debes tener una postura recta con los hombros relajados.

Al estar listo puedes coger la flauta con la mano izquierda, coloca el pulgar en el orificio de la parte trasera de tu instrumento y el dedo meñique debajo de él para sostenerlo. La flauta debe estar en un ángulo de 45 grados respecto al tronco de tu cuerpo.

La primera nota que tocarás será Si, tapando con el dedo índice, La, usando el dedo medio y Sol con el anular. Los dedos mencionados irán tapando los orificios superiores de la flauta. Al mismo tiempo sopla con una intensidad normal. Practica varias veces este ejercicio, así te aprenderás de memoria las notas Si, La y Sol.

Después, coloca tu mano derecha en los orificios restantes de la flauta, el dedo pulgar debe quedar debajo junto al meñique izquierdo. Las notas a continuación serán Fa con el dedo índice, Mi usando el medio y Re con el anular. Además, utiliza el dedo meñique para tapar el último orificio del instrumento que es Do. Debes girar un poco la parte final de la flauta, ya que, si queda lineal, será difícil tocar con el meñique esa última nota. Cada orificio se tapa con la punta de tus dedos suavemente, es decir, para ello no necesitarás ejercer mucha fuerza.

Por otra parte, mencionamos que los ejercicios de respiración son vitales y te ayudarán si vas a tocar notas largas. La respiración más utilizada por los intérpretes es la respiración baja o diafragmática, la cual consiste en inspirar el aire con profundidad guardándolo en  las zonas bajas de los pulmones. En pocas palabras, si controlas el aire de manera equilibrada, mejor sonará la flauta.

 

Tocando las primeras escalas

Las escalas musicales son secuencias de sonidos, los cuales están ordenados de acuerdo a su altura. A medida que la escala asciende el sonido es más agudo y cuando desciende es más grave. La escala más sencilla para iniciar en flauta dulce es la de Do Mayor, pues usa notas naturales, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si.

 

 

Canciones fáciles para tocar en la flauta

Las canciones infantiles pueden ser un buen inicio. Puedes tocar una de las más conocidas como Estrellita Dónde Estás. El orden de la notas en esta canción es así, Do, Do, Sol, Sol, La, La, Sol, Fa Fa, Mi, Mi, Re, Re, Do. Se repiten estos sonidos dos veces y en el mismo orden. Posteriormente, tocas Sol, Sol, Fa, Fa, Mi, Mi, Re, Fa, Fa, Mi, Mi, Re, Re, Do.

Por otro lado, una canción que puedes tocar es My Heart Will Go On, el famoso tema de la banda sonora de la película Titanic. También, noche de paz, un villancico popular de navidad. Estas canciones son fáciles y se consiguen con facilidad en Internet. Sin embargo, para aprender a tocar profesionalmente la flauta debes estudiar en un conservatorio, escuela o universidad de música. Es decir, un lugar en el que tengas a un maestro de flauta que te explique cómo ir avanzando en este instrumento.

 

Recomendaciones de higiene

Aunque se trate de flautas (En este enlace encuentras varios productos para analizar) con precio elevado o baratas, la calidad de estas podría verse afectada a través de una mala higiene del intérprete. Por consiguiente, presta atención a este aspecto. La flauta es como tu cepillo dental, es decir, un utensilio que no deberías prestar, ya que así corres el riesgo de sufrir por alguna infección bucal.

También es importante destacar que antes de tocar debes lavarte los dientes, ya que los residuos de los alimentos podrían pasar al instrumento cada vez que soplas y tocas una nota. Incluso, es bueno que después de tocar limpies la flauta con un trozo de tela suave. Todo esto le dará larga vida útil al instrumento.

Por otra parte, mencionamos que las mujeres no deben utilizar labiales cuando toquen, pues los colores de estos podrían manchar la boquilla de la flauta.

 

Última actualización: 14.10.19

 

Los instrumentos de viento metal son varios y el trombón, siendo uno de ellos, también posee diversos tipos, como el soprano, que emite sonidos agudos y el tenor para los graves. Además, existen los trombones altos y bajos, que de igual forma proporcionan registros agudos y graves respectivamente.

 

Trombón soprano

Antes de comprar el mejor trombón del mercado es importante que conozcas los diferentes tipos que hay. Por ejemplo, el trombón soprano, que es conocido como trompeta de vara y resulta muy difícil que suene afinado, debido a sus pequeñas dimensiones. Sin embargo, se trata de un trombón versátil para tocar diversas frases melódicas, solos o hacer acompañamiento junto a otros instrumentos de una banda u orquesta.

Aunado a ello, cabe destacar que la afinación del trombón soprano está una octava más arriba que la del tenor. En pocas palabras, es un instrumento útil para ejecutar con él notas altas y sonidos más brillantes.

 

Trombón tenor

Este tipo de trombón también pertenece a la categoría de instrumentos de viento metal en una orquesta sinfónica. Generalmente, está fabricado en níquel o latón, al igual que los demás trombones, incluso, dependiendo de la marca, puede que tenga acabados en plata. Se caracteriza por su tubo cilíndrico que puede llegar a medir hasta 2,7 metros de longitud, siendo enrollado y abierto sobre sí mismo.

Dentro de su categoría suele ser uno de los más utilizados en la actualidad, debido a la sonoridad que ofrece, por ejemplo, si el trombonista tiene relajados sus labios será más agudo, además, al extender más la vara se producirá un sonido grave.

Por otra parte, es importante mencionar que el trombón se puede tocar sentado, de pie o marchando, siempre y cuando el intérprete tenga la postura correcta, es decir, firme y a su vez relajada. Asimismo, mencionamos que la calidad de sonido que emita este tipo de trombón dependerá del nivel que tenga el intérprete en cuanto a técnica y oído musical. Esto significa que es un instrumento para músicos disciplinados que se apasionen por aprender y mejorar cada vez más.

 

 

Trombón bajo

El trombón bajo, aunque ofrece un timbre similar al tenor, posee una o dos válvulas rotativas que permiten bajar el tono a Mi, Fa e incluso Sol. Esto significa que podrás tocar diferentes canciones, independientemente de la tonalidad de la partitura.

Además, el registro de un trombón bajo es de cuatro octavas y media, por lo que se mueve muy bien por las notas agudas, medias o graves. A pesar de no haber mucha música escrita para este tipo de trombón, el compositor Joan Albert Amargos realizó una composición de concierto donde destacó el intérprete Raúl García de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cataluña y de Barcelona.

En otro orden de ideas, este instrumento no solo es ejecutado en orquestas sinfónicas, sino también en bandas de jazz, por ejemplo, en una Big Band, donde tiene una importante participación junto al saxofón barítono.

 

Trombón alto

Es de dimensiones pequeñas, su afinación está en Mi bemol, es decir, una cuarta más alta que el tenor. Puede ser un poco difícil de tocar, además, no es muy utilizado en comparación con los otros trombones, pues las composiciones hechas para este instrumento están en clave de alto y muchos músicos no están acostumbrados a leer ese tipo de partituras.

Por otro lado, tiene como principales características un sonido claro y brillante, que lo convierten en una buena opción para ser ejecutado en estudios de grabación. Asimismo, sirve para tocar solos en conciertos de orquestas sinfónicas, jazz o música latina, ya que destaca por su posibilidad de alcanzar notas altas.  

 

Trombón con transpositor

Se trata de un trombón que posee transpositor, lo cual es un sistema de válvulas que sirve para cambiar la tonalidad del instrumento. Es decir, es posible cambiar de afinación, por ejemplo, Fa o Si bemol. Estas dos tonalidades son unas de las más comunes en los trombones, ya que gran parte de las partituras se encuentran en alguna de esas afinaciones.

 

Cómo utilizar el trombón con transpositor

Aunque la técnica de la boca usada en este instrumento es similar a la utilizada en cualquier trombón, lo novedoso de un trombón con transpositor es que ofrece la posibilidad de cambiar de tonalidad, según la partitura lo exija. Las tonalidades o afinaciones más conocidas de los trombones con transpositor son F y Bb.

Esto facilita la ejecución del trombón, porque gracias a ello el intérprete no tendrá que transportar nota por nota en una determinada canción. Por ejemplo, si en la partitura está escrito Do, Mi y Re, el músico tendrá que tocar esas mismas notas, sin cambiar el orden y la posición en que toca los pistones.

Este tipo de trombón se utiliza en el jazz o las big bands, especialmente  como instrumento solista. Además, mencionamos que posee 3 pistones, los cuales son similares a los de una trompeta. Por si fuera poco, cabe destacar que también existe un modelo de trombón llamado superbone, el cual cuenta con una vara y dos pistones.

 

 

Trombón de vara

El trombón de vara básicamente suena igual que uno de pistones, pero no utiliza el mismo sistema, sino que funciona solo con la vara. Esto quiere decir que la afinación varía según la posición en la que coloca la vara el ejecutante. Cuando la vara está más lejos de la boquilla, los sonidos que emite este trombón son más graves.

Aunado a ello, la cantidad y fuerza de aire también influirá en la afinación, es decir, que la técnica del músico también será la responsable de que el trombón de vara suene adecuadamente.

Este es el tipo de trombón más tradicional, pues los primeros instrumentos eran de vara. Con el paso de los años se fue creando el sistema de válvulas o pistones, pero el trombón de vara sigue siendo uno de los más usados tanto en música popular como académica. Incluso, hay trombonistas profesionales que adquieren trombones de pistones y también de vara, por lo que tocan cada uno según las necesidades o preferencias musicales.

 

Última actualización: 14.10.19

 

El trombón es un instrumento de viento-metal que destaca en un gran número de países como Alemania, España, Francia, China, Estados Unidos y muchos más. Además, su sonido acompaña a la música clásica y popular, abarcando diversos géneros como el jazz, blues, merengue dominicano, salsa, entre otros.

 

Cabe destacar que en el mundo existe una extensa variedad de instrumentos, algunos son típicos de su lugar de origen, por lo que no se conocen demasiado alrededor del mundo, mientras que otros sí. Por otra parte, se clasifican en instrumentos de viento, percusión, cuerda o electrónicos. Podemos mencionar dentro de la clasificación de viento que hay dos tipos, los de madera y los de metal. Un instrumento que pertenece a este último material es el trombón.

Por otra parte, cabe destacar que hay una variedad de géneros musicales con ritmos, melodías y sonidos que han trascendido las fronteras gracias al uso del trombón, por ejemplo, la salsa, que es procedente de países como Cuba, Puerto Rico y República Dominicana. Asimismo, el jazz, el cual nació en Estados Unidos, específicamente en Luisiana, Nueva Orleans. Es decir, este género musical tuvo sus inicios en los siglos XVII y XIX como expresión artística de la esclavitud de personas que venían de África, el Caribe y el Sur del mismo país. Incluso, hoy se puede escuchar en países como España, México, Francia, Japón y otros.

Aunado a ello, el trombón también está presente en el ska, un género musical que nació en Jamaica tras ser libre del yugo de Inglaterra a mediados de 1962. En pocas palabras, en todos estos géneros el trombón es un instrumento que no pasa desapercibido. Algunos de los trombonistas más destacados han sido Christian Lindberg, Joseph Alessi, Arthur Pryor, Glenn Miller, Tommy Dorsey. Frank Rosolino y Slide Hampton.

 

¿Qué es el trombón?

Es un instrumento musical que pertenece a la familia de viento-metal en una orquesta sinfónica, pues está fabricado en latón, cobre, plata o alpaca. La persona que ejecuta este instrumento se llama trombonista, y, para tocarlo, el instrumentista debe soplar emitiendo vibraciones de los labios sobre la boquilla, lo que permite que se produzcan sonidos. Asimismo, es necesario mover la vara para hacer diferentes notas musicales. Incluso, es recomendable que el trombonista tenga una administración y respiración adecuada del aire, lo cual puede lograr a través de técnicas correctas que deberá estudiar diariamente. 

Además, mencionamos que casi siempre las partituras de trombón se escriben en las tonalidades de Fa o Si bemol, aunque también hay variaciones, dependiendo de la canción que se vaya a tocar.

Por otro lado, el trombón tiene algunas características como sus sonidos agudos o altura sonora, la cual puede llegar a dos octavas y media. También es considerado uno de los instrumentos más largos y grandes debido a la proporción de sus dimensiones, 45 pulgadas o 110 centímetros. Por si fuera poco, mencionamos que, así como el trombón es utilizado en música popular, también es usado como instrumento solista en actividades solemnes, emitiendo sonidos que cautivan el oído de quien lo escucha. Si deseas aprender a tocar este instrumento, te recomendamos comprar el mejor trombón del mercado, ya que así podrás disfrutar de él no sólo mientras aprendes, sino hasta cuando seas un profesional.

 

 

El trombón y su evolución a lo largo de la historia

Sus inicios se remontan a los primeros contactos del hombre con el metal. Sin embargo, algunos señalan que tuvo sus orígenes en la trompeta primitiva egipcia, la cual era elaborada en asta, plata o cobre. Además, algunas civilizaciones antiguas crearon su propia versión del trombón, el cual utilizaban en ceremonias religiosas.

La civilización hebrea en un hecho histórico de gran envergadura como lo fue la caída de los muros de Jericó, utilizó un instrumento similar fabricado con cuernos de animal. En este mismo orden de ideas, podemos mencionar que los griegos y romanos también crearon la trompeta, considerándose la antecesora del trombón y los demás instrumentos de viento-metal. La trompeta era tocada durante el inicio de los juegos olímpicos y en canciones de guerra.    

Posteriormente, en la Edad Media se destaca el trombón junto a otros dos instrumentos como lo fueron el corno y la trompeta, que también eran llamados buccina lituus y tuba. En la época del Renacimiento el trombón tuvo una mayor presencia gracias a las expresiones artísticas del barroco, como por ejemplo en la ópera de Christoph Willibald Gluck llamada Alcestes. Aunado a ello, entre los siglos XVII  y XIX intérpretes como Berlioz, Wagner y Mozart lo incluyeron en sus composiciones más famosas, por ejemplo, la flauta mágica de este último compositor. Actualmente, el trombón sigue haciendo historia, a través de diversos géneros musicales, especialmente los relacionados con música latina u orquestas sinfónicas.

 

Partes del trombón

 

Boquilla

Es un accesorio con forma de copa ubicado al inicio de las tuberías del trombón, además, al soplarlo emite un sonido. La boquilla está formada por el borde, garganta y copa. Si se produce alteraciones en la forma de alguna de estas partes, el tono va a variar. Cabe destacar que los trombonistas suelen tener diferentes tipos de boquillas, dado que algunas son más cómodas de tocar, por supuesto, dependiendo de la partitura y el registro que esta exija.

 

Campana

Es el lugar donde las ondas sonoras del instrumento se producen, siendo la razón por la cual es acampanada. En ocasiones a los trombones se les colocan sordinas allí, pues estas hacen que se reduzca considerablemente el volumen del sonido, haciéndolo silencioso para pasajes musicales específicos. La campana es considerada una de las partes más importantes del instrumento.

 

 

Brazo de la bomba de afinación

Está ubicado en el talón del trombón y se puede cambiar bien sea hacia afuera o adentro, ejerciendo un poco de presión, esto hace que afine según sea necesario. Es muy importante que antes de usar el brazo de la bomba verifiques que no haya nadie detrás de ti, ya que este se encuentra justo en la línea de visión, así evitarás algún accidente.

 

La llave de desagüe

Es una palanca pequeña elaborada en metal, ubicada en la tubería del instrumento. Tiene como finalidad eliminar la humedad acumulada y funciona presionándola para abrir un agujero, de este modo saldrá la saliva. También posee un disco redondo el cual sella el agujero cuando la llave está cerrada.

 

Los pistones

Los pistones son los que permiten cambiar de nota musical. A medida que el trombonista sopla y presiona los pistones, el flujo del aire va cambiando, generando así diferentes notas. La primera válvula baja el tono un paso, la segunda medio paso y la tercera un paso y medio; esto es lo que produce los distintos tonos del trombón.

 

Última actualización: 14.10.19

 

Schagerl es una marca de origen austriaco que tiene una gran trayectoria en el mercado musical a nivel internacional. Lo que la hace diferente a las demás y le ha permitido cosechar éxitos desde su fundación en 1961 ha sido el trabajo en conjunto con músicos famosos como Zoltan Kiss y Lito Fontana.

 

Esta marca ofrece al público productos de calidad que se construyen de manera artesanal. Entre la amplia gama de instrumentos destacan los llamados maestros o profesionales, los cuales se caracterizan en su mayoría por tener acabados en laca y brindar un tono intenso y sonido fuerte.

Además, cabe destacar que durante la elaboración de estos instrumentos Schagerl participaron intérpretes de la música como Wolfgang Pfistermüller, Otmar Gaiswinkler, Ricardo Casero, entre otros. 

Gracias a la marca cada uno de ellos ha encontrado el mejor trombón de su carrera artística, pues esta ha ajustado los instrumentos según las necesidades y preferencias de cada músico, marcando una diferencia en sus trayectorias musicales. Asimismo, mencionamos que estos trombones han sido ejecutados en manos de músicos de nacionalidad española como José Vicente Faubel, Antonio Zapata y Raúl García. A continuación, en el siguiente apartado te daremos a conocer 5 modelos que han sido inspirados en estos artistas.

 

Trombón Casero

Cuenta con un buen timbre y sonido, convirtiéndose en uno de los trombones más destacados de esta categoría. Además, está elaborado con acabado de laca, ofreciendo buena durabilidad. Incluso, la campana y la vara fueron hechas de latón, un metal bastante resistente a la humedad y el sudor de las manos. Sin embargo, para obtener mejores resultados es importante limpiarlo después de cada uso.

Por otra parte, mencionamos que posee una campana de 220 mm, una vara de 13,99 mm, y un transpositor de 14,00 mm. Es decir, medidas estándares, para que el usuario pueda utilizarlo en diferentes agrupaciones musicales como bandas de jazz, salsa, merengue u orquestas sinfónicas.

Cabe destacar que para su fabricación se tomaron en cuenta las opiniones de Ricardo Casero, un reconocido solista en la Orquesta Palau de Les Arts, Valencia, quien requería de un instrumento con las siguientes características: intenso, amplia gama de colores y sonido óptimo. Podemos mencionar que, gracias a este instrumento, él experimentó una gran diferencia que marcó su trayectoria musical, llevándolo a un nuevo nivel. Por consiguiente, este trombón quizá llene tus expectativas, así que puedes tomarlo en cuenta al momento de hacer tu comparativa.

 

 

Trombón Lito Fontana

El presente modelo de trombón es adecuado para una orquesta, ya que es resistente, ligero y proporciona estabilidad en los distintos matices como por ejemplo forte y piano. Aunado a ello, los materiales utilizados en su elaboración fueron cobre para la campana, latón en la vara y níquel para el codo. Este último es más ancho de lo normal, similar al de un trombón bajo, lo que le permite ser versátil, adaptándose a otros instrumentos, bien sean de una banda de jazz u orquesta sinfónica.

Cabe mencionar que este instrumento nace después de dos años en que el famoso Lito Fontana y el equipo de ingenieros de Schagerl realizaran un arduo trabajo de investigación, la cual trajo como resultado un trombón con afinidad, elegancia, sonido vivo, precisión y entonación peculiar.

Este modelo Lito Fontana cuenta con la posible de tocarlo en F o Bb, es decir, Fa o Si bemol, ambas tonalidades muy comunes en partituras de música clásica y popular.

 

Trombón Bajo Aurora

Este modelo posee un doble tudel con unas dimensiones de 14,28 mm y 14,68 mm. Además, cuenta con un transpositor Hagman Free Flow Valve, el cual es un rotor fácil de aceitar y le da ventaja frente a otros modelos de trombón. Gracias a esta cualidad es posible tocar el instrumento según la afinación que pida la partitura, sin tener que transportar cada nota de la canción.

Por otro lado, este instrumento se caracteriza debido a su cuerpo cónico, lo que le permite tener un tono inusual y uniformidad en los registros, brindando comodidad al músico para interpretar melodías con un nivel de dificultad alto.

Asimismo, este producto tiene la ventaja de ser flexible para ejecutar arpegios, intervalos y escalas rápidas. Es decir, con el Trombón Bajo Aurora podrás ejecutar solos sin ningún inconveniente.

Cabe destacar que en su elaboración colaboraron los trombonistas de la Orquesta Sinfónica de Viena, Wolfgang Pfistermüller y Otmar Gaiswinkler, por lo tanto, si eres un músico profesional y deseas un instrumento de calidad, este podría ser el adecuado.

 

Trombón Kissbone

Es excelente para ejecutar registros graves, de modo que acompaña muy bien a otros instrumentos de viento metal en agrupaciones u orquestas. Aunado a ello, posee un práctico transpositor para cambiar de tonalidad el trombón según la necesidad del momento. Por si fuera poco, ofrece una amplia gama de armónicos, para que la interpretación de frases delicadas y los matices se hagan fácilmente.

El nombre de este instrumento surge debido a que Zoltan Kiss, un reconocido artista de Mnozil Brass quería un instrumento que le permitiera realizar distintas interpretaciones, independientemente del registro de las mismas. Asimismo, Zoltan quería un trombón con entonación impecable y un sonido excepcional. En pocas palabras, este modelo se inspiró en un músico profesional y exigente, para que toda persona que lo adquiera disfrute de un buen instrumento. Además, está lavado, así que posee un brillo elegante que protege el metal de la humedad.

 

 

Trombón Aurora

Este instrumento es tenor y destaca por su entonación, aunque dicha cualidad no depende solo de la calidad del trombón, sino también del estudio y dedicación del ejecutante.

El registro que ofrece es bastante amplio, permitiendo tocar canciones con diferentes niveles de exigencia. Aunado a ello, es un trombón inspirado en el trombonista Otmar Gaiswinkler, quien toca en la Orquesta Sinfónica de Viena. Además, cabe destacara que no tiene bomba de afinación, lo que resulta favorable, pues el aire fluye continuamente provocando tonos perfectos.

También podemos decir que este instrumento posee un diseño elegante con acabado brillante, el cual le proporciona protección al metal, material mediante el cual fue construido. Además, su brillo hace que estéticamente pueda adaptarse sin problemas a agrupaciones destacadas de música académica.

 

Última actualización: 14.10.19

 

Todos los trombones requieren de mantenimiento constante, independientemente del modelo. Sin embargo, cada tipo de estos instrumentos está fabricado con sistemas de afinación diferentes, siendo útil, por ejemplo, limpiar de una manera el trombón de vara y otra el que posee pistones. También es importante visitar a un técnico especialista si la suciedad o el óxido del trombón es muy difícil de quitar con tus propias manos.

 

El cuidado de este instrumento de viento-metal debe ser a diario, después de cada uso. Es bueno utilizar un lubricante específico para la vara y limpiar con un tejido suave la parte externa. Asimismo, es importante hacer una revisión más detallada, es decir, un desmontaje y limpieza profunda donde se limpie pieza por pieza y se hagan los ajustes necesarios cada uno o tres meses. Sin embargo, en esta ocasión te explicaremos cómo realizar el mantenimiento de tu instrumento, así que echa un vistazo a los siguientes apartados.

 

Mantenimiento especializado

En ocasiones es difícil evitar que el instrumento sufra alguna caída accidental mientras se esté usando, trayendo como consecuencia golpes, arañazos, desajuste de alguna pieza, etc. Cuando sucede esto, en muchos casos los usuarios optan por tratar de arreglarlos ellos mismos, lo que podría convertirse en un grave error, ya que podrían deteriorar el instrumento si no tienen el conocimiento o la experiencia.

Es en ese momento cuando un trombón requiere de la revisión por parte de un especialista, ya que él realizará un diagnóstico del estado en el que se encuentra el instrumento musical y, si es necesario, procederá a cambiar o restaurar piezas, renovar la pintura, pulir, entre otras cosas que lo dejarán como nuevo. Además, te recomendamos llevarlo mínimo una vez al año para que el especialista realice una limpieza profunda, ya que él cuenta con herramientas especializadas que garantizarán la durabilidad del mismo.

 

 

¿Es diferente la limpieza de un trombón de vara a uno de pistones?

El primero se debe limpiar antes y después de usarlo con un lubricante especial para la vara del instrumento, ya que de no hacerlo se podría producir corrosión debido a residuos de saliva, causando un rápido deterioro al trombón.

Por otro lado, el trombón con pistones requiere de un aceite para tenerlo en un funcionamiento óptimo. Es recomendable utilizar una bayeta cada vez que el intérprete vaya a limpiarlo, de modo que no queden arañazos en el instrumento.

Cabe mencionar que es importante revisar los pistones periódicamente, ya que pueden atascarse. Si esto último llegase a pasar, hay que llevar el trombón a un técnico de instrumentos de viento-metal. No intentes desarmar los pistones a la fuerza y sin consultar a algún experto, ya que eso podría dañarlos.

 

Limpieza constante

Seas un profesional o principiante tocando el trombón, deberás tener en cuenta que el cuidado de tu instrumento es muy importante y varía según la frecuencia con que lo utilices. Debes hacer del mantenimiento un hábito diario, es decir, después de un ensayo o concierto. En pocas palabras, nunca lo guardes sin antes limpiarlo, además, esta tarea tampoco te quitará mucho tiempo. Si practicas estos consejos, siempre tendrás el mejor trombón (Puedes encontrar aquí algunas opciones de compra) en tus manos, con buen brillo externo y potente sonido.

Además, te motivamos a invertir dinero comprando los productos de limpieza para cada parte del instrumento, como por ejemplo lubricantes o aceites especiales. Aunado a ello, te recomendamos limpiar el tudel y la vara por dentro, para ello usa un cepillo flexible o una varilla envuelta con algún tejido suave.

Por si fuera poco, la boquilla también debes cuidarla para que no se deteriore, esta es una parte muy importante para que el sonido del trombón no baje su calidad. En este sentido, para cuidar la boquilla deberás realizar todos los días después de cada uso una limpieza exterior, pasando un paño por ella, sobretodo en la copa y aro, tanto en su interior como exterior, para retirar rastros de sudor, saliva o humedad. Para hacerle el mantenimiento interno a la boquilla te recomendamos usar un cepillo cónico especial y, si tiene acumulación de suciedad, usa agua y jabón. Incluso, muchos músicos cada cierto tiempo limpian la boquilla con vinagre de manzana, ya que esto alarga su vida útil.

Asimismo, es necesaria la higiene bucal, es decir, que el trombonista se lave los dientes antes de utilizar el instrumento, evitando la acumulación de residuos o malos olores en las tuberías del trombón.

Por otra parte, las bombas deben engrasarse con un líquido especial. Aunado a ello, dependiendo del material de fabricación podrás utilizar gasolina, alcohol de quemar o vinagre de manzana. No obstante, si el instrumento posee una capa de laca, está contraindicado utilizar estos productos, pues afectaría su vida útil. Incluso, el rotor hay que lubricarlo con un aceite específico así como las rótulas de la palanca, porque de esta manera evitarás que se obstruyan.

 

 

Limpieza profunda

Posteriormente, para una limpieza más eficaz, la cual puedes realizar de 1 a 3 meses, deberás desarmar el instrumento con precaución para no perder ninguna pieza pequeña y después buscar un recipiente del tamaño del trombón. Seguidamente, sumerge todas las partes en agua templada con jabón. Realiza este procedimiento por un lapso de tiempo de 20 minutos. Después limpia el interior de cada parte con varillas o cepillos y enjuaga con agua. Al finalizar dicho proceso seca el exterior con un paño y retira cualquier resto de agua que haya quedado internamente.

La parte exterior del mismo se limpiará con productos específicos de acuerdo al material de fabricación. Aquí te daremos algunos ejemplos respecto a los distintos acabados de los trombones. Si es en oro, solo con una bayeta bastará para sacarle brillo, en plata utiliza un limpia-platas. Sin embargo, para los de acabados en laca, no debes utilizar limpia metales ni plata ya que eso causaría un rápido deterioro del material. Aconsejamos que como último recurso utilices limpia cristales o barniz.  

Para finalizar, el instrumento deberá guardarse en un estuche y recomendamos utilizar una bolsita antihumedad, ya que evitarán que en el interior allá acumulación de humedad. Esto último es algo que puede deteriorar tanto el instrumento como el estuche.

 

Última actualización: 14.10.19

 

El saxofón al igual que sus hermanos el saxotrompa, saxotromba y la saxotuba son creación de Antoine Sax, así como también otros tantos instrumentos que no fueron muy conocidos. Cada uno brindó un aporte importante a la música, pero sólo algunos evolucionaron con el paso del tiempo para mantenerse vigentes, mientras otros simplemente desaparecieron.

 

El mundo de los instrumentos musicales es bastante amplio, dividiéndose así en varias familias como las de percusión, viento, viento – madera y viento – metal. Asimismo, están las de cuerda frotada, percutida, pulsada y pinzada. En cada una de ellas existe una línea de instrumentos que muestran una evidente evolución con respecto a su forma y tipo de tonadas generadas, siendo tantos así que podríamos asegurarte que no los conoces todos.

Es de resaltar que con el paso de los años los instrumentos han ido experimentando grandes cambios, así como también muchos de ellos han ido desapareciendo paulatinamente. La historia de cada uno de estos instrumentos es bastante interesante, pero en esta oportunidad enfatizamos en uno que pertenece a la categoría viento – metal como el saxofón. Su origen, el porqué de su nombre, el proceso de inserción en la palestra musical y algunos otros datos curiosos son algunos de los puntos que trataremos de esclarecer.

 

 

Acerca de su creador

El padre del saxofón es Antoine Joseph Sax, también conocido por sus familiares y amigos como Adolphe, quien nació durante el año 1814 en la ciudad de Dinant, en Bélgica. Desde temprana edad Antoine estuvo en constante contacto con los instrumentos musicales, ya que su familia se dedicaba a la fabricación de los mismos e incluso reformaron el para entonces llamado cuerno francés o trompa, como se conoce en nuestros días. Debido a este significativo aporte a la mejora de dicho instrumento, la familia Sax disfrutaba de cierto nivel de prestigio. Asimismo, se les atribuye la utilización por primera vez del latón como materia prima en algunos de los equipos y varias patentes.

El joven Antoine demostró gran pasión por la música, estudiando durante su adolescencia tanto clarinete como flauta. Sin embargo, al interpretarlos notaba algunas imperfecciones que estaba seguro podrían mejorarse, para así crear tonadas más limpias y armónicas. Es así como da sus primeros pasos en la fabricación de instrumentos musicales, comenzando a trabajar junto con sus padres. 

Con mucha paciencia, dedicación y creatividad se dió a la tarea de crear un clarinete y dos flautas totalmente renovadas, gracias a que incorporó marfil en sus estructuras. De esta manera, logró subsanar los fallos inicialmente identificados al perfeccionar sus sonidos. Así se dió a conocer y obtuvo gran receptividad por parte de los músicos del momento, sirviendo como plataforma de arranque para dar paso a la creación de nuevos instrumentos como el saxofón, saxotrompa, saxotromba y saxotuba. A la edad de 24 años patentó el que para muchos fue el mejor clarinete del momento. Antoine también destacó como director musical por muchos años, al tiempo que continuaba fabricando y perfeccionando otros tantos instrumentos.

Durante un período de cinco años, que abarcó de 1853 a 1858, estuvo bastante delicado de salud, al padecer un terrible cáncer labial, situación que lamentablemente lo llevó a la tumba a la edad de ochenta años. Aunque falleció hundido en la pobreza, consecuencia de varias bancarrotas vividas, su legado instrumental trascendió en el tiempo. La empresa familiar quedó en manos de su hijo y en la actualidad existe, pero patentada con otro nombre.

 

¿Qué es el saxofón y cómo se originó?

Lo primero que deberíamos saber es que el saxofón es un instrumento de viento metal con una peculiar forma que nos recuerda a la letra “J”. La estructura consta de un tubo doblado que ofrece una variación en su grosor, con un cuerpo angosto que nace de la boquilla y que poco a poco se va ensanchando hasta formar una abertura bastante grande en el segundo extremo. Asimismo, incorpora una serie de válvulas de diferentes formatos, que al presionarlas con los dedos se abren y cierran para dar origen a los diferentes tonos durante la interpretación.

Con respecto a sus orígenes, tendríamos que remontarnos al año 1841. Para ese entonces, Antoine Sax se encontraba ultimando detalles acerca de su nuevo instrumento, en el que había estado trabajando desde aproximadamente tres años atrás. Se trataba del saxofón, que finalmente patentó durante el año 1846 y cuyo nombre surge a partir de su apellido. El instrumento llamó la atención de grandes músicos de rango profesional, siendo el caso del compositor Jacques Fromental, quien se entrevistó directamente con Sax y acto seguido publicó una reseña en la prensa, en donde elogió la variedad de tonadas que se podían crear con el saxofón. Esto fue bastante favorecedor para su creador, ya que ante tal recomendación comenzó a ser un referente indiscutible en lo que respecta a dicho instrumento.

El saxofón también formó parte de algunas orquestas y a partir de 1844, Berlioz lo incorporó a sus conciertos. Para este momento, Sax fue designado como director en el “Conservatorio Superior de París” y de esta manera el uso del saxofón fue bastante recurrente hasta 1870. En este momento de la historia, el instrumento fue relegado de los lineamientos de enseñanza por casi siete décadas, reapareciendo en pleno siglo XX, específicamente en los años 40.

 

 

Creación de otros instrumentos

El creador continuó trabajando junto a su padre en un humilde taller parisino, a donde se mudaron tras una mala racha vivida en Bélgica. Durante este tiempo, se dedicó a la construcción de nuevos instrumentos también de metal y, a pesar de que los diseños eran un poco genéricos lograron obtener gran popularidad como lo fueron el Saxcorno o Saxhorno. Estos equipos poseían un total de tres boquillas y una forma bastante similar a la de dos de sus predecesores, como la trompeta y la tuba.

Posteriormente, fueron incorporados por el Ministro de Guerra a las bandas del ejército francés y sucesivamente fueron adoptados por el británico. Igualmente, perfeccionó otros diseños, diversificando el sonido del metal al anexar pistones, llaves y aplicando una técnica de cromado por medio del cilindro.

 

Última actualización: 14.10.19

 

La apuesta de los jazzistas argentinos por ver materializadas sus producciones discográficas no se detiene, pese al gran auge de los formatos digitalizados. Aunque no lo parezca, son muchos los artistas y sellos discográficos que están dedicados a esta tarea, con el claro propósito de no dejar morir los discos.

 

El jazz es un género musical que logró hacerse lugar en la palestra musical a nivel mundial, convirtiéndose en un ritmo clásico. Se trata de un estilo con métrica alegre, explosiva, espontánea y que incorpora una variedad de instrumentos como clarinete, saxo, piano, batería, guitarra, contrabajo, trompeta. En suma, es una verdadera integración de tonadas, que juntas rinden tributo a la cultura africana, europea y española.

La industria de la música ha sabido aprovechar esta mezcla cultural que es el jazz, creando una moda que traspasó fronteras y prevaleció en el tiempo. Muchos han sido los expositores y orquestas que han grabado con importantes sellos discográficos y cuyas producciones han sido inmortalizadas en el mundo musical. Argentina no se queda atrás, puesto que posee intérpretes con un gran talento, que a pesar de las nuevas tecnologías y distintas plataformas existentes para hacer música, continúan apostando por los métodos tradicionales.

Nos referimos a ensayar con la banda, entrar a un estudio, grabar con instrumentos reales y someter las pistas a un proceso de producción – posproducción para tener un resultado físico como un disco y así comercializarlo. Si bien es cierto que este proceso puede llegar a ser un poco costoso e incierto, pues no se sabe si habrá éxito en la venta de los discos, es la única manera de dejar un legado palpable, un tributo al talento del mismo artista.

 

Orígenes del género jazz

Antes de hablar acerca de los exponentes de un género musical con tanta trascendencia como el jazz o conocer cómo está posicionado actualmente en la palestra discográfica, deberíamos comenzar por repasar un poco su historia.

Si nos remontamos a finales del siglo XIX, recordaremos la oleada migratoria de esclavos africanos hacia América del Norte. Los esclavos experimentaron un proceso de adaptación cultural a pesar de las condiciones en las que se encontraban, siendo influenciados por la llamada cultura blanca. Enfatizando en el tema de la música, los esclavos comenzaron a asimilar todos estos nuevos acordes procedentes de los ritmos españoles y franceses, que poco a poco se fusionaron con su música ancestral. De esta manera, conservaron al máximo su esencia con respecto a la improvisación y a la característica técnica vocal, pero le sumaron instrumentos europeos. Es así como nace el jazz.

El jazz desde sus inicios causó gran polémica entre ambas culturas. Sin embargo, fue un verdadero movimiento musical bailable que en su momento conmocionó a jóvenes de todo el mundo. Según los expertos, este género podría ser considerado uno de los primeros fenómenos del siglo XX, que revolucionaron la industria tanto discográfica como cinematográfica y que aún se mantiene vigente.

 

 

¿Cómo llegó el jazz a la Argentina?

Argentina recibió su primer contacto con la música jazz a través de revistas y discos, que llegaban en embarcaciones directamente de Europa y el norte de América. Por otra parte, comenzaron a llegar al país algunos espectáculos de jazz procedentes del extranjero como lo fue Little Peter bailando “Cake – Walk”, en el para entonces conocido “Teatro Casino” de la ciudad de Buenos Aires. Esta presentación mostraba a la audiencia un tipo de jazz primitivo, pero definitivamente rítmico y atrayente.

Los años 20 fueron bastante decisivos para el afianzamiento del jazz en Argentina. Los espectáculos cada vez eran más contagiosos como el “Show – Hall”, que contaba con bailarines en escena, invitando a todos los presentes a moverse al ritmo de estas melodías foráneas. Completamente contagiados con las métricas del jazz, las orquestas argentinas iniciaron una emulación de aquellos sonidos y los incorporaron a sus orquestas. La primera en experimentar con ellos fue la “Orquesta Tango Francisco Canaro”, dando paso así al nacimiento de orquestas de jazz icónicas de Argentina, como lo fueron las dirigidas por Eleuterio Yribarren y Adolfo Avilés. La moda del jazz caló rápidamente entre los argentinos de la época, quienes disfrutaban al son de dichos ritmos que causaban furor en el exterior. 

 

Conoce los más recientes discos de jazz argentino

 

Vibrations de Mariano Loiácono

Este es un disco del trompetista Mariano Loiácono, que posee grandes colaboraciones como la de los músicos de talla internacional Rudy Royston, Anthony Wosney, David Williams y George Garzone. Se trata de una producción con una composición alternada, que deja de lado los criterios musicales tanto del folklore como del tango y se centra en el hard bop.

 

Mingunos

Se trata de un disco que le rinde homenaje a los registros musicales del gran Charles Mingus. Todos los arreglos rítmicos estuvieron a cargo de Patricio Bottcher y Juan Klas. En la voz destaca Lucia Boffo e incorpora instrumentos de viento metal como el saxo alto, saxo tenor, flauta, trompeta, trombón y clarinete bajo. En la percusión tenemos una batería y en las cuerdas el contrabajo.

 

Sobre Ginastera y algunos planetas

En esta oportunidad el guitarrista Francisco Slepoy basó su trabajo discográfico en algunas de las piezas que conforman “Doce preludios americanos”, incorporando además varias composiciones de su autoría. De esta manera, fusionó lo mejor de la música folclórica para obtener como resultado un disco cargado de sonidos jazzísticos procedentes de instrumentos como el saxo alto, flauta, bombo legüero, contrabajo, canto con armónicos y batería.

 

 

Rewind & FF

Martin Iaies presenta un disco con un repertorio propio, con tonadas frescas generadas por un contrabajo, batería, saxo soprano y alto. Esta producción denota una gran madurez musical.

 

Moscardini

Julia Moscardini, considerada actualmente como una de las mejores cantantes de jazz argentino, presentó este 2019 su disco “Moscardini”. Para su creación la acompañaron músicos de renombre como Sebastián Loiácono, Ernesto Jodos, Jerónimo Cardonas y Carto Brandán, interpretando respectivamente el saxo tenor, piano, contrabajo y batería.

 

Vidas Simples

Juan Bayón realizó este disco con el apoyo de la discográfica estadounidense Ears&Eyes, destacando en cada pieza tonadas con una marcada influencia de Andrew Hill.

 

Detrás de esa puerta y Reflexiones en verano

Estos son dos grandes discos de la autoría de Hernán Mandelman, quien destaca en la palestra musical como baterista y compositor. Ambas producciones son vistas por el autor como una expresión de superación y cambio social.

 

La paciencia está en nuestros corazones

Adrián Iaies presenta un disco que realza una de las principales características del género jazz como la improvisación, sumando a ello un registro del folklor y su composición personal. 

Como podemos ver, el género del Jazz sigue presente en la tradición de los intérpretes argentinos y sus esfuerzos por continuar sumando material de calidad a sus proyectos, seguramente seguirá siendo motivo de interés entre los aficionados de todo el mundo a este particular tipo de música y a escuchar los sonidos emitidos por el mejor clarinete.

 

Última actualización: 14.10.19

 

España abrió sus puertas para recibir a Woody Allen, quien presentó su tan esperado recital de clarinete este mes de junio en tres de las principales ciudades del país, recreando ritmos variados de géneros clásicos como el jazz y el blues. Lo mejor es que cada una de las presentaciones tuvo un repertorio diferente.

 

Para los seguidores de la faceta musical del reconocido Woody Allen, asistir a uno de sus recitales de clarinete puede ser una experiencia única que no podrán desaprovechar si se encuentran en España. El cineasta e intérprete estuvo presentándose durante el mes de junio del año en curso en Bilbao, Barcelona y Madrid. En escena lo acompañó la Eddy Davis New Orleans Jazz Band, como ya es costumbre.

 

Su paso por España

Woody Allen ha visitado en varias ocasiones tierras españolas, deleitando los oídos de quienes han asistido a sus presentaciones con tonadas llenas de los más vibrantes matices al son del blues, jazz y otros ritmos clásicos de todos los tiempos.

En diciembre del año 2014, Allen se presentó en el “Suite Festival” que tuvo lugar en el “Gran Teatre del Liceu” en la ciudad de Barcelona. Pasados tres años, visitó la comunidad de Cataluña, en el marco de la celebración del conocido festival de música y danza 2017 “Cap Roig”. Más recientemente, a finales del tercer trimestre del presente año 2019, Allen volvió a la palestra musical española con una serie de presentaciones que iniciaron el pasado domingo 16 de junio en el ecléctico palacio Euskaladuma de Bilbao. Dos días después, Barcelona recibió al intérprete del clarinete en el conocido “Festival Jardins de Pedralbes”, engalanando la sala con sus singulares tonadas y carisma emblemático. Para finalizar, el jueves 20 su puesta en escena se hizo sentir en Madrid.

El repertorio fue variado e improvisado, según el propio Allen. En este sentido, la audiencia pudo disfrutar de un amplio cancionero de los éxitos del jazz, rags y blues de inicios del siglo XX. Como era de esperar, cada una de las presentaciones obtuvieron una excelente receptividad por parte de los españoles, quienes agotaron la boletería, pese a que Allen actualmente ha pasado por varias controversias y ha perdido gran popularidad en Estados Unidos y otros países. Sin embargo, España sigue acogiéndolo y disfrutando de su talentosa interpretación del clarinete.

 

 

Un breve recorrido en la vida de Woody Allen

Si escuchas el nombre Allan Stewart Königsberg, quizás desconozcas que nos estamos refiriendo al conocido Woody Allen, quien nació un primero de diciembre del año 1935, en uno de los distritos de Brooklyn en la ciudad de New York. De familia judía con origen ruso – austriaco, los primeros años de su educación los realizó en una escuela hebrea y seguidamente fue trasladado a otra de rango público. Su primer contacto con el mundo del cine fue tan sólo a los tres años, tras ver una cinta clásica animada como “Blancanieves y los siete enanitos”, que logró cautivarlo completamente debido al movimiento y colorido de las imágenes.

El joven Allan fue bastante introvertido durante la escuela, etapa en la que se interesó en un instrumento de cuerdas como el  violín y dedicó gran parte de su tiempo a practicar su interpretación. Tiempo más tarde conoció el clarinete y se enamoró de las melodías que se podían crear con él, por lo que intentó comprar el mejor clarinete y comenzó a aprender cómo tocarlo.

A los 16 se inició en la comedia y a los 17 adoptó el seudónimo que lo acompañaría el resto de su vida: “Woody Allen”. Con 18 años comenzó a cursar estudios en Tisch School of the Arts, en donde conoció la producción cinematográfica, que era la única clase que llamaba su atención. No obstante, sólo asistió el primer semestre y abandonó la universidad pero no su sueño de triunfar en lo que le gustaba. Allen ha sido descrito como polifacético y de personalidad aislada, pero siempre con una firme orientación hacia las artes en su expresión rítmica y visual. Así logró conquistar el mundo como un destacado músico, humorista, guionista, escritor, director y actor.

Los reconocimientos no se han hecho esperar en la vida de Allen, ya que fue merecedor de varios premios Oscar, en 1977, 1986 y en el 2011. Asimismo, recibió dos Globos de Oro, fue premiado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián 2004, ganó un Goya en 2005, algunas Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos durante el 2011, el Premio Satur en 1986, el Premio Adircae 2006 y el Cecil B. DeMille 2014 por su trayectoria.

Es importante mencionar que Allen ha producido la cantidad de 45 películas consecutivas entre los años 1969 y 2014, lo que traduce en casi una producción cinematográfica anual. Todo esto sin dejar atrás su vida activa como clarinetista.

 

 

Woody Allen y el clarinete

Para los amantes de los sonidos agudos producidos por los vibratos de la lengüeta del clarinete al soplarlo, disfrutar de una buena interpretación de este ancestral instrumento perteneciente a la familia de viento – madera es fundamental. 

El clarinete es un instrumento inspirador que ha logrado trascender en el tiempo, siendo hoy día una pieza fundamental en cualquier orquesta de música clásica junto al fagot, la flauta y el oboe. Un digno representante de este versátil instrumento es Woody Allen, quien desde temprana edad comenzó a estudiarlo y practicarlo. Así, su trayectoria no sólo se limita a la parte cinematográfica que es en donde su nombre ha hecho mucho más ruido. Allen también es un destacado clarinetista, que con Eddy Davis New Orleans Jazz Band ha hecho varias giras, presentando a sus seguidores un repertorio rico en ritmos tanto clásicos como modernos.

En 1996 se llevó a cabo la primera gira por toda Europa, dando paso a un documental de nombre “Wild Man Sings the Blues”. Asimismo, la presencia en tarimas un poco más íntimas como la del café “Carlyle” en la ciudad de New York es bastante habitual para el cineasta, quien disfruta de la buena música.

 

Última actualización: 14.10.19

 

El español Víctor Díaz dejó en alto a su país en uno de los certámenes de música clásica para clarinete más importantes a nivel mundial, celebrado en Dinamarca el presente año. El joven sobresalió entre 24 participantes que durante 10 días dejaron lo mejor de ellos en escena, adueñándose así del tercer lugar.

 

Todas las disciplinas, tanto deportivas como musicales, cada cierto período de tiempo celebran algún tipo de competición para reconocer el talento de sus representantes, sorprendiendo y llenando de gozo el corazón de los espectadores. Este es el caso del escenario del Nielsen International Competition, que agrupa durante un promedio de 10 días a los mejores intérpretes de las categorías de violín, flauta y clarinete, quienes son seleccionados previamente entre cientos de solicitudes enviadas por músicos de todo el mundo.

Para la presente edición 2019, el comité recibió un promedio de 500 solicitudes de las que sólo 72 fueron elegidas, brindándole la oportunidad de participar a 24 intérpretes por cada una de las categorías. El concurso se llevó a cabo durante el mes de marzo en Odense – Dinamarca, arrancando el jueves 21 y finalizando el domingo 31 con la puesta en escena de intérpretes de 26 países.

Víctor Díaz fue uno de los afortunados, que junto a su clarinete orgullosamente representó a España. Tras una serie de presentaciones a lo largo de la semana, logró destacar en cada una de las rondas, consagrándose como uno de los finalistas de la Nielsen International Competition. Conozcamos un poco más acerca de este joven talento y su evolución en el certamen musical.

 

¿Cómo llegó Víctor Díaz al Nielsen International Competition?

Es un hecho que muchas personas nacen con un talento innato para la música, pero también es cierto que deben experimentar cierto proceso de aprendizaje de la mano de expertos para obtener la respectiva técnica. Asimismo, años de práctica, perseverancia y amor por lo que se hace son otros de los ingredientes secretos de todo músico. Víctor Díaz Guerrera es un buen ejemplo de ello.

Este joven nació en Cáceres, España, en el año 1996. Si damos un vistazo a su trayectoria, encontraremos que el joven cursó estudios en el Conservatorio Hermanos Berzosa junto al profesor Alejandro Parejo, quien le guió durante la etapa elemental y profesional. Para llevar a cabo sus estudios superiores asistió a ESMAE en Oporto, en donde estuvo bajo la enseñanza de Antonio Saiote.

Al finalizar este período se dirigió a la ciudad de los Ángeles e ingresó al Volburn School, en donde Yehuda Gilad fue su maestro y lo continúa acompañando en los sucesivos estudios para el Artist Diploma que cursa en la actualidad. Sin duda alguna, una trayectoria bastante amplia para un joven con apenas 23 años de edad y definitivamente con un futuro prometedor en el mundo del clarinete.

 

 

Desarrollo del concurso

La Nielsen International Competition estuvo dividida en tres rondas de eliminatorias previas a la gran final. Díaz hizo su aparición en escena interpretando la “Primera Radsodia de Debussy”, seguida de “La noche oscura de Brostróm” y finalizó con “El primer movimiento de concierto para clarinete Nº 4 de Spohr”. Este era un momento decisivo para Díaz, debido a que debía adentrarse en la atmósfera real del concurso, cautivando tanto al jurado como a la audiencia con las tonadas emitidas por su clarinete e innato talento. Y así fue, ya que para la segunda ronda el nombre del español se encontraba entre los 12 clasificados.

La competición siguió su curso y tras una segunda aparición, el joven deleitó a todos con “Clarín Nº 1 de Donatoni” y la “Sonata para clarinete Nº 2 de Brahms”. Dichas interpretaciones le valieron la máxima calificación y un puesto más que merecido entre los seis participantes, que ahora escalaban hacia la tercera ronda de clarinete de la Nielsen International Competition. En esta tercera presentación los seis intérpretes tocaron “Quinteto para clarinete de Weber”. Díaz estuvo acompañado de un cuarteto de cuerdas, con el que creó una particular empatía, haciéndole sentir mucho más cómodo en el desarrollo de la pieza. De esta manera, alcanzó su puesto en la gran final de la categoría de clarinete.

Sólo restaba una última actuación para conocer quién ocuparía el primero, segundo y tercer lugar de tan prestigiosa competición. Las piezas musicales seleccionadas fueron el “Concierto para clarinete de Nielsen” y el “Primer movimiento de concierto para clarinete de Mozart”, que según el propio Díaz, poseían una mezcla de ritmos abruptos, tiempos cambiantes y vertiginosas cadencias. En esta presentación, los tres intérpretes tuvieron el acompañamiento de la Orquesta Filarmónica de Copenhague.

Díaz asegura sentirse feliz por la experiencia y el tercer lugar obtenido. Su meta a futuro es ganar un reconocimiento como el mejor clarinete en alguna orquesta, seguir haciendo música y hacer feliz a quienes escuchan sus interpretaciones.

 

 

Sobre la Nielsen International Competition

Se trata de una competición de corte internacional que se celebra cada cuatro años y reúne a los mejores clarinetistas, violinistas y flautistas del mundo. La Nielsen International Competition tiene lugar en Odense – Dinamarca y es considerada un festín de la música clásica, que rinde honor al gran compositor Carl August Nielsen, quien en vida llenó de gloria a su país.

El músico, oriundo de un pequeño pueblo llamado Sortelung, en las cercanías de Odense, perteneció a un núcleo familiar con pocos recursos económicos. Sin embargo, este no fue un impedimento para que el danés emprendiera su camino musical. Su primer contacto con la música lo obtuvo por parte de su padre.

Aprendió a tocar piano y violín, así como también variados instrumentos de viento al trabajar en una banda militar. Estudió en el conservatorio de Copenhague y con el paso del tiempo comenzó a presentar sus sinfonías, pero es hasta 1896 cuando su fama comenzó a emerger tras una presentación en Berlín. Su trayectoria poco a poco se fue forjando y en 1916 se estableció en el Conservatorio Real Danés de Copenhague, en donde trabajó por 15 años hasta que en 1931 perece a los 66 años de edad. Su obra y enseñanza musical trascendió en el tiempo, convirtiéndose en uno de los intérpretes icónicos más reconocidos de la música clásica de Dinamarca.

 

Última actualización: 14.10.19

 

Una condición congénita, como la ausencia de la visión, no ha sido un impedimento para Barnabé Catalán, un joven de 15 años, que con un talento natural al momento de interpretar el clarinete se ha forjado camino en el mundo de las tonadas, con el claro objetivo de inmortalizar su nombre entre los músicos chilenos.

 

Cada vez son más las personas con discapacidad que nos enseñan el valor de la perseverancia, el no quedarnos atrapados en nuestras propias limitaciones y luchar por nuestros sueños. Esta es la historia de Bernabé Catalán, un joven ciego que con apenas 15 años de edad ha logrado abrirse camino en el mundo musical.

El clarinete es su pasión y ser reconocido por el ritmo de sus tonadas es un objetivo que poco a poco ha ido construyendo, gracias a su innato talento y el apoyo incondicional de su progenitora. Conozcamos un poco más acerca de este chico y su lucha constante para conseguir su tan anhelado sueño.

 

Bernabé Catalán

Bernabé Catalán Vásquez, nace el 12 de diciembre del año 2003 en San Miguel, Santiago de Chile. Su condición desde el primer día fue ausencia total de la visión. Frente a tal panorama, lo recomendado por los especialistas era comenzar a estimular sus otros sentidos y así en el futuro podría tener una vida plena. Claro está, con algunas limitaciones propias de esta discapacidad.

Es así como María Elisa, la madre del para entonces recién nacido, decidió ser sus ojos a partir de ese momento y en lo sucesivo comenzar a enseñarle el mundo que le rodeaba con mucho amor y dedicación. Así le describió cada objeto, animal, planta, alimento y persona para que él pudiera memorizarlos y familiarizarse. De esta manera, el pequeño aprendió a reconocer y diferenciar las texturas, aromas y sonidos.

Años más tarde, el joven comenzó a interesarse en la música, lo que no era de extrañar, debido a que durante todo el período de gestación la madre lo estimuló diariamente con música clásica, así como también al nacer empleó este tipo de sonatas para calmar su llanto, tranquilizarlo y hacerlo conciliar el sueño.

 

 

Tanto la madre como el hijo estaban convencidos de que el hecho de poseer esta discapacidad visual no era un impedimento para aprender a tocar un elemento musical, puesto que sólo necesitaría ser consecuente con sus prácticas y así agudizar el oído. Claro está, para que esto fuera posible primero debería elegir un instrumento.

Aun si saber cuál era realmente su fuerte en el mundo musical, ingresó a la Orquesta sonidos de Luz, una fundación sin fines de lucro cuyos integrantes son jóvenes con las mismas condiciones de Bernabé y otros cuantos con baja visión. Una vez dentro, comenzó a experimentar con varios instrumentos y finalmente el seleccionado fue el clarinete, que logra interpretar con la ayuda del profesor Oscar Yáñez, convirtiéndose en un talento prometedor dentro de la orquesta.

Según el propio Yáñez, se trata de un trabajo que requiere de un gran nivel de compromiso, ya que debe de adentrarse al mundo del pequeño para así enseñarle a percibir correctamente las vibraciones del clarinete para que sus labios se acoplen con la boquilla y pueda soplar sin que el aire se escape.

 

La música como medida terapéutica

Subestimar el poder de la música es un grave error, puesto que desde tiempos remotos ha sido empleada como un medio de relajación. Las ondas sonoras entran por el canal auditivo y son transmitidas al cerebro, a través de una serie de vibraciones producto de cada una de las tonadas, que inmediatamente son decodificadas para producir una información de tipo dieléctrica o nerviosa. Este proceso ocurre en un lapso de tiempo no mayor a una décima de segundo, causando efectos diferentes en cada uno de los individuos.

Es un hecho que la música puede formar parte de la mejor terapia de relajación para cualquier niño, adolescente y/o adulto, pero también tiene un gran poder estimulante con respecto a los sentidos y a la sociabilidad, y son muchos los estudios que registran este factor, asegurando que la información transmitida al área cerebral causa un importante incremento en la oxitocina, la hormona que secreta la hipófisis y que proporciona un mayor nivel de confianza en cuanto a las emociones y conducta del ser humano. Es este sentido, el pequeño desarrollará una mejor comunicación, con respecto a su relación con otros.

 

 

Con constancia se alcanzan los sueños

Si bien el talento al momento de interpretar un instrumento es de gran importancia, también es cierto que no lo es todo para alcanzar el éxito. Existen muchos factores adicionales como tener a nuestro alcance un instrumento y por supuesto, la constancia es fundamental en cada una de las prácticas.

En el caso de Bernabé, es un hecho que posee un oído innato para la música, un talento único y la suerte de haber contado desde temprana edad tanto con el apoyo de su madre y de grandes profesionales que lo guiaron para no dejarse opacar por su discapacidad. A lo largo de su proceso de aprendizaje ha experimentado las limitaciones propias de su condición, pero no se ha dado por vencido. Así desarrolló con más agudeza sus sentidos, compensando la falta de la visión.

Por otra parte, está el tema económico. Y es que su familia no poseía los recursos necesarios para poner a la disposición de Bernabé el mejor clarinete (En este enlace encuentras varios productos para analizar), por lo que consiguieron uno prestado. El instrumento estaba un poco deteriorado, especialmente su boquilla. De igual manera, el quinceañero no se ha desanimado en ningún momento, puesto que sabe que un futuro mejor le espera, en caso de poder convertirse en uno más de los sanmiguelinos que ha triunfado en el mundo de la música como Gepe, Los Prisioneros, Juan Antonio Labra, entre otros.

Sin duda alguna, Bernabé ha presentado una increíble evolución a nivel musical desde su participación en la Orquesta Sonidos de Luz, según su director Cristóbal Rojas. Hoy en día el joven deja su huella en el Conservatorio de la Universidad de Chile, siendo el primer integrante con una discapacidad de tipo visual.