Última actualización: 19.08.19

 

Con una amplia trayectoria que le ha permitido alcanzar el éxito en países como Estados Unidos, y después de 30 años de ausencia en los escenarios de su país, el paraguayo Víctor Espínola ha vuelto a su patria, para obsequiar con su música a sus paisanos en un concierto que seguramente muchos consideran inolvidable.

 

Sus orígenes y el llamado de la música

Descendiente de guaraníes y españoles, este aclamado artista que lleva por nombre Víctor Espínola nació en Paraguay y comenzó con tan solo 7 años a mostrar una notable inclinación hacia la música, algo que no fué extraño si consideramos que proviene de una familia de talentos musicales, por esta razón su padre le obsequió una guitarra para que comenzara a desarrollarse como músico. Pero este sería solo el primero de muchos instrumentos que Espínola lograría tocar hábilmente, después, a los 10 años, mostraría interés por el arpa paraguaya, de la que se convertiría en un excelente intérprete, lo que le ayudaría a conseguir fama internacional.

En su propio país permaneció durante varios años estudiando y practicando de manera siempre constante hasta volverse notablemente reconocido. Como fruto de su trabajo y su carisma, le fué posible viajar a otros países, y con tan solo 17 años, se le presentó la ocasión de comenzar su primera gira que duraría alrededor de años, incluyendo países como Suiza, Australia, Italia y Alemania entre otros, para dar a conocer su talento y fué así como daba inicio una larga lista de presentaciones a lo largo y ancho de todo el mundo, por lo que logró ser conocido como uno de los mejores arpistas.

 

El grupo “Paye”

Aunque no tan conocido como Víctor, Fito su hermano, también es un hábil intérprete de arpa, y fué la pasión musical de ambos lo que permitió que en 1997 se unieran para formar un dueto denominado “Paye”. Sin embargo, las inquietudes musicales de los dos, que deseaban experimentar con nuevos sonidos y estilos, los llevó a incluir a otros artistas en su agrupación, como Archie Peña y Reinel Ríos, con quienes compartieron  proyectos y escenarios durante alrededor de 2 años, alcanzando un gran éxito con su disco “Walking on the wind” y “baila morena”.

 

 

De nuevo como solista y participación con Yanni

Experimentando cierta nostalgia por volver a los ritmos de su tierra, después de mantenerse dentro de la agrupación, Víctor decidió inspirarse nuevamente en la tradición paraguaya y dejó el grupo para volver a grabar en solitario varios discos, de los que sobresalen éxitos como “Forbidden Angel”, pero también decidió realizar sus propias versiones de  canciones populares.

Son muchos los proyectos en los que el artista ha tomado parte desde entonces, pero una de las colaboraciones más destacadas, como él mismo lo cuenta, es la que ha mantenido con Yanni a lo largo de 14 años, con quien se ha presentado en cerca de 600 ciudades. Esta gira comenzaría alrededor del año 2003 y en ella Espínola demostraría la gran habilidad que tiene no solo para tocar el arpa, sino para cautivar al público debido a su carisma.

Cabe destacar que el artista se ha presentado en escenarios tan exóticos como las Pirámides de Egipto, dentro del Kremlin en Moscú y en el Madison Square Garden de Nueva York, pero además frente a audiencias de más de 100.000 personas. Hablando un poco de su sus proyectos más recientes, podemos mencionar las puestas en escena que está realizando en Orlando Florida para Disney, un trabajo que lleva realizando alrededor de 3 años, que complementa también su trayectoria como productor.

 

De regreso a Paraguay

Curiosamente, hacía ya 30 años que el artista había salido de Paraguay, tiempo durante el que a pesar de que volvía por algunos días, no se había presentado la oportunidad de realizar ningún concierto, pero esta larga espera llegó a su fin el pasado marzo de 2019, hecho que provocaría una gran alegría entre sus paisanos.

A su regreso y previo a su gran concierto para cerrar el ciclo de verano, el compositor, cantante y arpista aprovechó para mostrarse en varios canales de televisión del país, compartiendo su testimonio, hablando de cómo ha sido su trayectoria, las dificultades a las que se enfrentó al comenzar desde cero a una edad tan temprana fuera de su país y cuáles han sido las bases sobre las que ha cimentado su trabajo, para hacer realidad los sueños con los que partió de su país.

Entre las presentaciones que realizó previas al concierto destacan algunos ensambles en vivo con  Luz Verón, otra talentosa arpista y durante el concierto, fué posible disfrutar tanto de sus éxitos de antaño como del material incluido en su más reciente disco, el que estuvo a la venta durante el concierto.

Entre lo más notable que no podemos dejar de reconocer en este nuevo proyecto es el sonido, pues pueden encontrarse fusiones que hace entre música electrónica y este instrumento acústico. Pero además, la manera como logra hacer protagonista al arpa es algo que algunos consideran novedoso y muy interesante.

 

 

Talento musical y carisma

Si tratamos de describir al artista, sin duda tenemos que comenzar por mencionar su gran dominio del escenario, una cualidad que ha permitido que sus presentaciones en vivo cuenten con un gran dinamismo, una alegría contagiosa y una buena dosis de energía. A esto se suma su versatilidad en el aspecto musical y la influencia que han tenido sobre él sus continuos viajes y estadías en lugares distintos, lo que le ha permitido fusionar ritmos que interpreta siempre hábilmente y con su propio estilo.

En cuanto a sus alcances y logros, él se los atribuye en gran parte a su amor por el arpa, que dice representa su alma y a su país, pero también a su concentración, la práctica constante y el estudio del público que lo va a escuchar. De manera que si te has hecho recientemente con la mejor arpa del momento, bien vale la pena seguir estos consejos del aclamado artista y trabajar en alcanzar tus objetivos por medio de cumplir con una estricta disciplina de estudio.

 

Última actualización: 19.08.19

 

Todos hemos experimentado alguna vez la gran influencia que la música puede llegar a tener en nuestro estado de ánimo, llevándonos a veces de la tristeza a la euforia. Pero, ¿qué sucede si se utiliza en personas que están a punto de morir? Sigue leyendo, algunos resultados te parecerán sorprendentes.

 

A veces cuando pensamos en un músico talentoso, creemos que su campo de acción está limitado a realizar presentaciones para un público siempre creciente, atento y concentrado en disfrutar de la armonía que puede proporcionar y que en esto radica su éxito. O que llegado el momento, cuando las giras y conciertos ya son una actividad demandante y la edad del artista es avanzada, convertirse en maestro es lo más apropiado. Sin embargo, los campos de acción para esta profesión pueden ir más allá de llegar a los oídos de algunos fieles seguidores o de transmitir conocimientos a una nueva generación de intérpretes. De hecho, puede ser el mismo artista quien busque a un público en particular y que no se expida un boleto de entrada para disfrutar de su talento, tal como le ocurrió a James Excell, un arpista que radica actualmente en Denver. 

Todo comenzó con el desafortunado suceso en el que sus nietas mellizas tuvieron que permanecer internadas durante cuatro meses, en la sección de cuidados intensivos en un hospital. Tratando de ayudar, el artista trasladó su arpa hasta el hospital, con la finalidad de calmarlas mientras estaban internadas. Las sesiones duraban apenas 15  minutos sus efectos fueron suficientes para lograr un positivo cambio que alcanzó incluso a otros infantes internados, consiguiendo que el ritmo cardíaco de los pequeños, alterado por sus problemas de salud, se hiciera más lento, alcanzando niveles casi normales. Ante tales resultados, no pasó mucho tiempo antes de que Excell comenzara a tocar para ayudar en otros casos del hospital, llevando calma con su instrumento.

 

 

La música y la muerte una relación difícil de concebir

Morir es un paso es un paso natural con el que finaliza la vida, esta podría ser una definición muy fácil de comprender, pero implica mucho más. En contraste con la vida, en donde pasamos muchos años aprendiendo, errando y corrigiendo hasta creer que se ha adquirido la experiencia suficiente, con la muerte no sucede lo mismo, se enfrenta sin conocimientos previos de primera mano y llega inevitablemente. Es un momento completamente personal, una experiencia diferente en cada ser humano y para muchos implica angustia, miedo, dolor y ansiedad, sentimientos que hacen sufrir tanto al que está a punto de atravesar este momento, como a quienes lo ven partir. 

Sin embargo, aunque no se puede experimentar ese momento con la persona, si puede ofrecerse un acompañamiento cercano que lo haga más llevadero, incluso más tolerable para aquellos que son los seres queridos de quien está a punto de morir. Este acompañamiento no necesariamente tiene que ser en forma de discurso sabio y racional, o brindarse por medio de un contacto físico que puedan transmitir empatía, sino a través del sutil pero eficiente recurso que puede ser la música.

 

Musicoterapia y tanatología musical

Si sabemos que la música tiene una influencia innegable en las personas y los artistas son capaces de transmitir sentimientos al público, logrando cambiar su estado de ánimo, entonces podemos llegar a la interesante conclusión de que la música puede tener un efecto muy positivo en quienes debido a un padecimiento han visto afectado su estado anímico. Desde el punto de vista médico, la condición anímica es tan importante que la falta de tratamiento en esta ámbito, puede llevar a un acelerado deterioro de su estado físico.

Con la finalidad de ayudar a pacientes en un estado anímico preocupante es que surge la musicoterapia, consiguiendo abrirse camino entre las opciones que existen como tratamientos eficaces; pero una rama muy especial se ha enfocado en aquellas personas para quienes recuperar la salud ya no es una opción, y están por vivir sus últimas horas en este mundo. Nos referimos a la Tanatología musical, un estudio de carácter profesional derivado de la especialidad conocida como cuidados paliativos, que aprovecha el innegable efecto que causa la música en el ánimo de las personas.

 

 

¿Cualquier instrumento y cualquier intérprete?

Si se busca utilizar la música como recurso, entonces también tenemos que pensar que es necesario que existan personas que deseen prestar sus conocimientos y habilidades para realizar este tipo de labor. Sin embargo, hace falta más que conocimientos en música para lograr ayudar en estas circunstancias, por esta razón es necesario preparar a los intérpretes con una formación especial.

Analizando a grandes rasgos el reto que esta actividad puede suponer, debemos comenzar por considerar que en la cultura occidental tradicional, no se suele preparar a las personas en el ambiente familiar o práctico para convivir con la muerte. En realidad es un tema del que se habla generalmente poco y que puede estar rodeado de miedos. Este es el primer obstáculo que el músico debe superar, vencer su propia y natural tendencia a evitar cualquier contacto con la muerte.

Además, el músico que enfoca sus servicios a este campo de acción, debe estar siempre vigilante durante el tiempo que dure el acompañamiento, para adaptar sus interpretaciones en función de los signos vitales de la persona, como podrían ser su ritmo cardíaco, la respiración del paciente e incluso su temperatura. A esto se le llama vigilia musical, y todo esto debe ser adaptado sin alejarse de proporcionar un ambiente cálido y digno, para de esta forma ofrecer consuelo en este viaje final.

En cuanto al instrumento a elegir, no puede ser cualquiera, su sonido debe ser tranquilizador y sutil es por esto que el más utilizado en estos casos es el arpa, pues logra reunir las expectativas y causar el efecto esperado.

 

Impacto de la tanatología musical

Resulta sorprendente conocer que a la fecha organizaciones no lucrativas como JourneyCare en Chicago, llegan a asistir en promedio a cerca de 3.000 personas al día. De esta forma nos podemos dar una idea con respecto al efecto que la tanatología musical puede tener. Lo que nos hace pensar que probablemente la mejor arpa del momento podría estar destinada a ofrecer su sonido en este tipo de situación.

 

Última actualización: 19.08.19

 

Se sabe que los orígenes del arpa como un instrumento musical se remontan a una ubicación geográfica que está al otro lado del océano, visto desde el punto de vista de Paraguay. Pero, ¿cómo llegó?, ¿cómo es que se hizo tan importante para esta nación? Te invitamos a dar un paseo por esta interesante historia.

 

Saliendo de un continente

Si hablamos brevemente de la historia del arpa, podemos mencionar a soberanos como el Rey David de Israel que interpretó piezas musicales con este instrumento alrededor del año 1040 y 966 a. C. También hay descubrimientos aún más antiguos que nos llevan a la antigua Grecia en los años 2800 a. C. Sin embargo, este instrumento no permaneció en un solo lugar, su atractivo sonido y la practicidad que implicaba en algunas de sus versiones más portables, permitió que los viajeros la llevaran en sus travesías por distintas partes del continente y de esta forma fue que se llegó a diseminar, alcanzando lugares como China o India. Pero con el descubrimiento de nuevas tierras al otro lado del Océano Atlántico, el arpa no tardó mucho tiempo en quedar incluida entre los objetos que lograron atravesar junto con los exploradores, y acompañando a los nuevos pobladores que deseaban llegar a América con diferentes fines. 

Al buscar el momento específico  en que este instrumento hizo su aparición en América, y en especial en el corazón del continente americano en su parte sur, encontramos que la versión más aceptada por los historiadores es aquella en la que los conquistadores españoles fueron los protagonistas. La historia narra que en 1526 Martín Niño, uno de los pilotos de Sebastián Gaboto, llegó a estas tierras y debido a que entre los datos relativos a este personaje se hace referencia a que era un arpista es a él a quien se le atribuye la influencia en la colonia donde se asentó.

 

 

Influencia de la religión

Por otro lado, cabe imaginar que una influencia tan importante difícilmente puede ser atribuida a una sola persona. De esta forma, tenemos que buscar otros factores que estuvieron presentes y fueron indispensables, para que este particular artefacto se llegara a utilizar de una forma tan habitual.

Para comprender esto, debemos partir del hecho de que no podemos negar que la música forma parte fundamental en las costumbres de cualquier país. Este dato lo conocían también las órdenes de misioneros enviados desde Europa para convertir al catolicismo a los pueblos americanos. De manera que utilizaron esta como uno de sus principales recursos para acercarse a los grupos autóctonos del país y se valieron de los instrumentos que mejor conocían para transmitirla, tal fue el caso del arpa.

Ahora bien, hay que mencionar que entre las órdenes religiosas más importantes que llegaron a Paraguay se encontraban los Jesuitas, que eran en su mayoría hombres de bastos conocimientos en diversas ramas, que en su esfuerzo por acercarse a los nuevos feligreses, hicieron grandes estudios acerca del idioma, pero también fundaron en diversas comunidades grupos de música y canto,  en donde eran incluidos tanto los jóvenes como los adultos. Los misioneros, hábiles músicos muchos de ellos, fueron los que utilizaron el arpa como parte de la variedad de instrumentos utilizados para sus ensambles corales y musicales. Así, fué como el arpa quedó incluida tanto en los ritos religiosos, como en la tradición popular. 

El proceso para que se convirtiera finalmente en un emblema nacional tomó muchos años, en los que se fueron sumando cada vez más melodías al repertorio de piezas que se consideran como tradicionales. Finalmente, al día de hoy, podemos decir que el arpa ha quedado tan compenetrada en la esencia de este país, pero no sin antes haber sufrido algunas interesantes transformaciones que son dignas de estudiar.

 

Adaptación del instrumento

Después de que el arpa llega a América con las características físicas que la definieron en su momento, los artesanos más hábiles del lugar no tardaron mucho en buscar la manera de hacerse con un nuevo ejemplar. Recordemos que en esos momentos implicaba esperar incluso años para conseguir otra proveniente de Europa. De manera que los artistas intentaron fabricar el instrumento a su manera, con las herramientas y limitaciones que tenían, de esta forma comenzaron a surgir las primeras adaptaciones. Era de esperarse que uno de los principales cambios fuera en la madera, puesto que no tenían a su disposición el mismo tipo del que habían sido fabricados los ejemplares originales. De esta forma el pino y palisandro se convirtieron en las mejores opciones para otorgarle resistencia y una buena acústica.

A partir de este momento, el arpa que conocemos como clásica tomaría un nuevo rumbo y adaptaciones, que no fueron transmitidas a la paraguaya. Como resultado, tenemos que el arpa paraguaya se conserva como un instrumento diatónico, en comparación con aquella, que al agregarle pedales y otras mejoras se volvió cromática. No obstante, podemos encontrar melodías muy bellas escritas para este tipo de escala musical.

 

 

intérpretes notables del arpa paraguaya

Una vez instituida el arpa como un instrumento que capaz de transmitir de manera significativa el sentir de este país en especial, no era de extrañar que surgieran diversos intérpretes notables. Si bien, podemos mencionar a muchos a lo largo de la historia, nos limitaremos a hablar de algunos como Sixto Corbalán, quien mantiene un equilibrado balance entre la música tradicional de su país natal, pero imprimiendo en cada pieza su propio estilo.

Cabe destacar, que a pesar de que suele ser extraño disfrutar de ensambles de arpa, tanto Sixto como su hermano Juanjo han logrado ser cada vez más solicitados en presentaciones de este instrumento, cautivando a un público creciente. Pero si mencionamos a este célebre intérprete, no podemos dejar de nombrar a su maestro Nicolás Caballero, virtuoso y carismático, que ha regalado al mundo una gran cantidad de interpretaciones alegres y pintorescas como la “danza del colibrí” o “moliendo café”.

Ahora bien, se espera que en el futuro continuemos disfrutando del talento de muchos más intérpretes más, puesto que ya comienzan a ser noticia pequeños que han adoptado este instrumento y han logrado adquirir una gran habilidad a su corta edad, como es el caso de Josué Benítez, que en su interpretación de “Pajaro campana” ya cuenta con más de 100.000 visualizaciones en su canal de youtube.

Como podemos ver, en la tradición del arpa paraguaya se pueden vislumbrar un futuro brillante, por eso es que al día de hoy, son muchos los que anhelan llegar a interpretar hábilmente las complejas y encantadoras melodías escritas especialmente para ella, y no faltan usuarios que buscan hacerse con la mejor arpa buscando entre las muchas opciones disponibles en la red.

 

Última actualización: 19.08.19

 

Aunque podemos considerar el arpa como un instrumento de orígenes muy remotos, puede que no tengamos muy claro qué tan antiguo puede llegar a ser. La excavación dirigida por Roman Mimojod nos revela un interesante  descubrimiento acerca de este bello instrumento que data de los siglos VI al IV a. C.

 

La música y evolución de los instrumentos

Los instrumentos que actualmente conocemos son el resultado de una larga variedad de cambios que se les han ido adaptando con el paso del tiempo. Estos cambios pueden ser muy sutiles o por lo contrario implicar un cambio radical en la definición, concepto y apariencia del aparato, de tal forma que podría dar lugar a otros muy distintos.

Además, si analizamos las razones por las que se originaron estas modificaciones, podemos encontrarnos con que pueden ser muy diversas; por ejemplo, podrían estar relacionadas con las necesidades y creatividad del intérprete que los utilizó en su momento, puesto que en ocasiones sus dimensiones corporales o situaciones especiales no les permiten estar cómodos con las características originales, pero también pueden estar relacionados estos cambios con experimentos concebidos por parte de los mismos artesanos que los producían, con la intención de hacer una diferencia contra otros talleres reconocidos o como una manera de dejar una huella de su legado, tratando de aportar alguna mejora en el diseño original.

 

 

Adivinando los orígenes del arpa

Si nos centramos en el particular caso del instrumento que nos interesa en esta ocasión, es decir el arpa, podemos entrar en un fascinante mundo de especulaciones para averiguar su origen. Comencemos por definirla de la manera más simple; se trata de un interesante artefacto, que se caracteriza por contar con varias cuerdas comprendidas en un marco rígido, capaz de soportar una considerable tensión, con la finalidad de lograr sonidos de una tesitura particular.

Ahora bien, este artefacto resulta bastante difícil de rastrear a lo largo de la historia y es realmente complejo conocer a ciencia cierta cómo fue su evolución cronológica. El problema radica principalmente en que se trata de un instrumento que ha sido fabricado a lo largo de su evolución en su mayoría con materiales que se deterioran muy fácilmente, puesto que son susceptibles a la temperatura, la exposición a condiciones como la humedad, a las plagas de insectos que pueden ingerirlo, etc. Esto ha provocado que sea muy poco probable encontrar un arpa realmente antigua y que se conserve en condiciones de ser analizada, para lograr con estos estudios rescatar datos valiosos acerca de los cambios que ha sufrido.

No obstante, los hallazgos que se han encontrado en diversos lugares del planeta, hicieron que muchos concluyeran que los orígenes del arpa se remontaban a un sitio geográfico que conocemos actualmente como Irlanda y sus periferias, incluyendo algunas Islas Británicas, desde donde consideran que se fué expandiendo el uso de este artefacto musical, principalmente entre los poetas. Ellos se estima que fueron quienes que comenzaron a utilizar este recurso principalmente con el objetivo de para darle mayor énfasis y atractivo a sus narraciones. 

Recordemos que en la época antigua, al no existir un diario oficial que la gente pudiese leer, eran estos los personajes encargados de llevar las noticias del momento y para congregar a un mayor número de personas a su alrededor, eran ingeniosos en su forma de captar la atención.

Estas conclusiones se fundamentan en los vestigios que han quedado grabados de manera gráfica sobre algunas rocas, en donde se pueden observar figuras humanas sosteniendo objetos muy similares a un arpa y que se estima pertenecen al año 1000 de nuestra era. Sin embargo, hay otras teorías, que están relacionadas con otros objetos encontrados, que nos arrojan nuevas luces sobre la historia de este instrumento en un lugar que no está precisamente cerca de Escocia. Por ejemplo, existe una representación del arte griego antiguo que se remonta a los años 2800-2700 a. C, donde se observa un arpista tallado en una estatuilla de mármol.

 

Un nuevo descubrimiento

Definitivamente, una de las mejores maneras de descubrir datos acerca de civilizaciones anteriores a la nuestra es a través de excavaciones, realizadas en lo que son las ruinas de ciudades ya extintas. Los expertos que dirigen este tipo de estudios son capaces de reconocer a través de pequeños objetos algunos indicios mucho de lo que fué su vida cotidiana, costumbres y por supuesto, la música es parte de la información que se puede recuperar. 

Si bien, es común que en excavaciones se encuentren diversos objetos, a veces estos son inusuales como sucedió en el proyecto dirigido por los científicos del Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de Rusia, en lo que fuera una tumba antigua correspondiente al reino del Bósforo. En esta tumba además de los restos de dos personas, también pueden apreciarse los de un instrumento de forma triangular, reconocido por los expertos como un arpa. El hallazgo se reportó después de haber investigado alrededor de seiscientos sepulcros, de tal manera que podemos concluir que no era un hecho común encontrar este tipo de artefacto.

 

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El hallazgo está incluido en el trabajo de Roman Mimojod en Krasnodar, Rusia y al descubrimiento se la conoce ahora como “el arpa de Taman”, y entre otros datos importantes, podemos destacar que es un suceso de alrededor del año VI a. C. siendo de esta manera la más antigua y mejor conservada arpa griega que se ha encontrado hasta hoy.

Curiosamente el arpa se encuentra rota, pero al parecer esto no fue accidental, sino una acción provocada que podría haber sido parte del ritual funerario, pero la razón de este hecho quizá nunca se conozca. Pero lo que es un hecho es que este descubrimiento nos da a conocer que desde los inicios de la edad media, el arpa ya era un instrumento que acompañaba a los intérpretes de música de estos años en este lugar geográfico.

Entre los datos interesantes del objeto, también podemos destacar que este instrumento estaba en parte consolidado en una base ósea, con clavijas fabricadas en bronce, algo que influyó considerablemente en su conservación. Lo que nos hace especular que quizá se trató de la mejor arpa del momento, porque era peculiar y resistente. Además, en el hallazgo también pueden encontrarse entre otros objetos un plectro de hueso, que podría haber sido el accesorio con el que fué tocada el arpa mientras acompañaba al intérprete.

 

Arpas antiguas mejor conservadas

Si hablamos de las arpas antiguas que podemos apreciar en buenas condiciones y que pertenecieron a una época muy lejana a la nuestra, no podemos dejar de mencionar la del rey irlandés Brian Boru, que es un instrumento con unas dimensiones de aproximadamente 75 cm, bellamente decorado y que cuenta con agregados en metal. Pero también hay otra muy interesante que se adjudica a la Reina Mary de Escocia.

 

Última actualización: 19.08.19

 

Cada instrumento implica un desafío para los fabricantes, pues el proceso suele ser largo y meticuloso; además, cada pequeño detalle es importante. El arpa paraguaya es una perfecta muestra de ello, ya que cada pieza terminada es una verdadera obra de arte y no muchos dominan la técnica o conocen los secretos para enfrentar tal reto, lo que llevó a los artesanos a preocuparse por la preservación de esta tradición en Paraguay.

 

Una herencia generacional

Es común en la fabricación de arpas paraguayas que los talleres de luthiers especializados en dicho oficio mantengan una fuerte tradición familiar, en donde el conocimiento se ha ido transmitiendo de padres a hijos, sobrinos, etc. En una sucesión que puede contarse a razón de más de 3 generaciones en algunas ocasiones. Esto ha llevado a que las familias logren con el paso de los años implementar nuevas técnicas, mejoras y conserven secretos que hacen que cada uno de estos talleres se forje una reputación reconocida. Este fenómeno lo vemos ocurrir también en otros países con otros instrumentos, pero en Paraguay, en donde el sonido del arpa forma parte de su cultura musical y es un patrimonio intangible e invaluable, esto ha comenzado a crear una problemática en torno a la fabricación de arpas. Además, la realidad es que muchas de estas familias tradicionalmente artesanales, por diversas razones, ven menguada la cantidad de elementos que se encuentran interesados en la profesión, lo que pone en riesgo la transmisión de conocimientos a futuros individuos, que consigan mantener este legado en los años por venir. Esto ha preocupado a las autoridades, a los mismos luthiers y otras organizaciones culturales del país.

Por otra parte, se sabe que a la fecha, los talleres más reconocidos no son suficientes para satisfacer la creciente demanda que enfrentan, pues en ocasiones reciben pedidos provenientes no solo del país, sino de intérpretes que residen en el extranjero, lo que ha llevado a pensar en alternativas que ayuden a formar a una mayor cantidad de personas en el delicado trabajo de darle a este instrumento su inconfundible y bello sonido, bajo las características tan peculiares del arpa paraguaya.

 

 

Una propuesta para preservar el patrimonio cultural

Ante la posibilidad, de que en años futuros el número de personas que dominen las habilidades para ser capaces incluso de fabricar la mejor arpa paraguaya se vea disminuida, un grupo de personas, entre ellas Luz Borja, se dieron a la tarea de buscar soluciones para recuperar y reactivar esta actividad. De esta manera se crea la primera escuela que formará a nuevos  luthiers en el país, bajo la dirección de la misma Luz Borja.

La propuesta ha sido recibida de buen agrado por los aspirantes y no es de extrañar, puesto que la proyección internacional que este instrumento le ha conseguido al país es notable, siendo países como Japón y España algunos de los que más arpas solicitan a los fabricantes. Además, la cantidad de estudiantes que ingresan cada año a escuelas de música en el país, para aprender a tocar el instrumento, sigue en crecimiento y cada uno de ellos necesitará al menos un arpa para practicar y en su vida profesional como intérprete, probablemente requiera de otras más.

Con esta nueva escuela, que ya cuenta con 12 estudiantes entre hombres y mujeres, se da un importante paso para mantener vigente el legado y asegurar que este instrumento continúe siendo un ícono de su país, al mismo tiempo que consigue formar a una nueva generación de profesionales en este oficio.

 

Mantener la calidad, la primera prioridad 

Para darnos una idea, acerca de los conocimientos que un aspirante a luthier especializado en arpas paraguayas debe adquirir, hay que reconocer primero que a los mejores artesanos les ha tomado décadas formarse a través de la observación y la dirección de sus maestros. La complejidad que implica esta profesión se debe en parte a que es indispensable contar con bases musicales, puesto que los intérpretes suelen crear una relación especial con el luthier, para que comprenda sus necesidades específicas. 

Por otro lado, es prioritario que se tenga un especial conocimiento acerca de las cualidades que cada madera puede aportar al sonido final del instrumento, así como estar al tanto de las técnicas para lograr los ensambles correctos entre piezas, pues esto logra evitar que el instrumento pierda resistencia con el paso del tiempo, un riesgo que se debe a la excesiva tensión a la que estará sometido el instrumento. A su vez, esto implica experimentar con diversas fórmulas para fabricar los pegamentos necesarios. Y por si fuera poco, el aprendiz debe adquirir la sensibilidad para darle a cada pieza la apariencia tradicional y la estética que los mejores intérpretes buscan.

Teniendo en cuenta todo esto, para estar a la altura de las necesidades, la escuela incluye en su propuesta curricular historia musical, evolución del arpa hasta convertirse en la actual arpa paraguaya, botánica de la madera y química relativa a barnices y adhesivos, entre otros muchos conocimientos, con lo que podemos notar que la formación de los nuevos luthiers será bastante completa.

 

 

Producción masiva de arpas vs talleres artesanales

Ahora bien, algunos podrían pensar que una solución podría ser la fabricación en masa de este instrumento, para así satisfacer las necesidades, pero la realidad es que aunque existen fábricas que buscan la producción del instrumento a gran escala, lo cierto es que los acabados pueden ser muy distintos. Los mejores intérpretes mencionan que las arpas de este tipo suelen ser menos resistentes y generalmente una vez que se han sufrido algún deterioro no tienen reparación. Por eso es que aquellas fabricadas de manera manual, como una labor completamente artesanal siguen siendo las preferidas.

Sin embargo, cabe destacar que, en el mejor de los casos, considerando condiciones climáticas favorables y teniendo a mano toda la madera de los tipos especiales que se requieren, un arpa de este tipo se puede fabricar en alrededor de 22 días, según menciona Nicasio Díaz un luthier con 30 años de experiencia. Por lo que si estás buscando hacerte con la mejor arpa del momento (En este enlace puedes encontrar algunas opciones de compra) fabricada de manera manual, muy probablemente no la valores de la misma manera que antes de haber leído este artículo.

 

Última actualización: 19.08.19

 

Banjo – Guía de compra, Opiniones y Análisis en 2019

 

La música causa diversas sensaciones en las personas que la escuchan, las cuales van desde la relajación, hasta la alegría y las ganas de bailar. Para disfrutar de ella al máximo, es importante que sea interpretada por personas que sepan como tocar diversos instrumentos y que lo hagan con equipos que aporten un sonido óptimo. Uno de los instrumentos musicales que mejor acompaña las diferentes composiciones es el banjo, el cual cuenta con hasta 10 cuerdas y debido a la forma de su cuerpo es capaz de producir sonidos más fuertes que los generados por la guitarra. Si deseas comprar uno de estos instrumentos y tienes dudas acerca de cuál es el modelo correcto para ti, uno de los banjos que debes tener en consideración, por estar entre los mejores del momento, es el Epiphone EFB0NACH1, que tiene una estructura elaborada en caoba y palisandro y según los usuarios ofrece un sonido robusto, además, no se desafina con las variaciones de la temperatura. Otro modelo es el Classic Cantabile 00019554, un instrumento tradicional de 5 cuerdas, que tiene un diapasón hecho de palo rosa y un cuerpo de caoba sapele.

 

 

Tabla comparativa

 

Lo mejor de los mejores

Lo bueno
Lo Malo
Conclusión
Ofertas

 

 

¿Cuál es mejor banjo del mercado?

 

A la hora de comprar un instrumento musical, son muchas las características que debes analizar, en especial si estás en busca de uno que sea bueno y económico.

La calidad del sonido que ofrece el instrumento a comprar, el tipo de materiales que han sido empleados para su elaboración y el acabado que tiene su diseño son tan solo una de las características a tener en consideración. Además, es importante evaluar cuánto cuesta uno u otro modelo antes de hacer la elección de compra.

Decidir cuál es el mejor banjo del mercado no es una tarea fácil, en especial para aquellos usuarios que conocen menos acerca de este tipo de producto.

Para ayudarte en tu búsqueda, hemos elaborado una guía para comprar el mejor banjo del mercado. En ella te explicamos algunas de las características que deberás tener en cuenta a la hora de elegir un modelo en particular.

Guía de compra

 

¿Qué debo saber antes de comprar un banjo?

Un banjo es un instrumento que tiene entre 4 y 10 cuerdas musicales. Su cuerpo está conformado por un aro de madera, que puede ir variando según las cualidades acústicas que la marca fabricante decida que tenga cada modelo. Este anillo es cubierto por plástico o piel.

Para lograr un buen nivel de ajuste, el aro y la cobertura de piel o plástico que se emplea a modo de tapa son ensamblados con unos tornillos de plástico y a fin de mejorar la acústica, se le agrega un resonador de madera.

Debido a la diversidad de materiales que son empleados en su elaboración, el banjo tiene la capacidad de producir sonidos característicos y por lo tanto, su melodía es inconfundible; esto hace que muchos los elijan por encima de otros instrumentos.

 

Tipos de madera

Si deseas contar con un banjo que tenga la capacidad de producir un buen sonido que disfruten todas las personas que te escuchen, es importante que tengas en cuenta el tipo de material que se emplea en su elaboración. No es recomendable que elijas un modelo que esté elaborado en maderas de baja calidad, ya que este punto influye directamente en el sonido que ofrece el banjo.

Uno de los materiales que se suele emplear con más frecuencia en la fabricación de estos instrumentos de cuerda es la caoba, una madera que es más blanda. También es oleosa y estable. La caoba permite que el banjo tenga la capacidad de emitir un sonido que es suave y dulce. Aparte de eso, su color rojizo hace que el instrumento tenga un diseño particular, que destaque entre los demás.

También se emplea el maple o arce, una madera ácida que, gracias a sus cualidades, hace que las melodías tocadas en el banjo se escuchen con un sonido más brillante, claro y definido, además, responde con mayor velocidad a la pulsación de las cuerdas.

La diferencia entre los banjos de maple y madera se debe al material utilizado en su fabricación, los primeros son fabricados en una madera más dura que le permiten emitir un sonido más fuerte.

Otra madera empleada con frecuencia en la elaboración de estos instrumentos es el nogal; es más blanda que el maple, pero, a la vez, tiene mayor dureza que este. Este tipo de madera también le aporta brillo al sonido y contribuye a que las melodías que intérpretes sean cálidas.

El palisandro y el palo rosa son utilizados en la elaboración de algunas piezas del banjo, estos son de buena calidad y garantizan la resistencia del equipo.

Cuerdas

Las cuerdas son otras de las partes del banjo que debes tener en consideración a la hora de comprar un banjo. Debido a que hay banjos que tienen entre 4 y 10 cuerdas, lo primero que tienes que hacer es elegir un modelo que esté acorde al tipo de melodías, la variedad de composiciones musicales y las notas que deseas tocar.

Luego de haberte decidido por un tipo de banjo en particular, es importante que te fijes en la clase de cuerdas que son ofertadas para estos instrumentos, ya que estas suelen variar, incluso en un mismo producto.

Las cuerdas tienen diferentes calibres. Los banjos tenor irlandés emplean aquellas que son: A 0,20, D 0,24G; 0,36; A 0,16; E 0,12; D 0,30; E 0,13  y G 0,40. Los banjos tipo jazz cuentan con cuerdas de calibres médium, que son: A 0,11; C 0,30; D 0,15 y G 0,24; y light, que cumplen con las siguientes medidas: A 0,09; G 0,22; C 0,28 y D 0,12. También hay calibres de cuerdas específicos para los banjos plectrum, que pueden ser medium y heavy.

Los banjos de 4 cuerdas son más empleados por los intérpretes de jazz; los de 5 pueden ser calificados como long-neck, que tienen un mástil tres trastes más largos; los open back son abiertos en la parte trasera. Y están los banjos resonadores que con sus 5 cuerdas son adecuados para tocar música bluegrass, porque con ellos se pueden generar diversas combinaciones rítmicas.

En la siguiente comparativa de banjos encontrarás los modelos que son más recomendados por los usuarios en la actualidad. Entre ellos, podrás elegir aquel que mejor se adapte al tipo de música que deseas tocar y a tus necesidades.

 

¿Cuál es el mejor banjo del 2019?

 

Una vez que has conocido más acerca de estos instrumentos, será más sencillo elegir el mejor banjo del momento, bien sea porque es de buena calidad y se encuentra dentro de tu presupuesto o porque su diseño se adapte a tus necesidades.

Con la finalidad de ayudarte a decidirte y no te compliques demasiado ante la cantidad de modelos y marcas que son ofertados, hemos creado una lista con los modelos más recomendados de la actualidad. Allí podrás conocer más acerca de los mejores banjos del 2019.

 

Productos Recomendados

 

Epiphone EFB0NACH1

Ventaja principal:

Este banjo viene con una tapa URemo, la cual es especial para este tipo de instrumentos, además, es de una marca utilizada en muchos instrumentos, como baterías y bongós, ya que brinda buen sonido.

 

Desventaja principal:

Se echa en falta que no traiga un manual donde se explique cómo instalar el puente y como tensar el parche, sobre todo para los músicos principiantes.

 

Veredicto: 9.8/10

Gracias a su sonido y excelentes acabados te servirá para tocar en conciertos en vivo, así como en ensayos con tu banda o grabaciones de vídeos musicales.

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Caracteristícas Principales Explicadas

 

Cuerpo

El cuerpo de este instrumento musical está hecho de madera caoba, la cual es muy utilizada en Occidente y Europa para fabricar diversos tipos de muebles que requieren resistencia y durabilidad frente al uso continuo. Además, mencionamos que es principalmente importada de Venezuela y Brasil, por ser una madera especial de los climas tropicales.

Por otra parte, es bueno aclarar que esta madera se encuentra en riesgo de sobreexplotación, por esta razón y su alta demanda, es un poco cara.

En instrumentos musicales esta madera es muy versátil, porque soporta la humedad y uno que otro golpe imprevisto, por supuesto, no se recomienda dejar caer este banjo o permitir que lo utilicen los niños sin la supervisión de un adulto.

Funcionalidad

El Epiphone EFB0NACH1 es útil para tocar diversos tipos de música, por ejemplo, country, bluegrass y jazz. Asimismo, cuenta con 22 trastes, de modo que podrás ejecutar notas graves y agudas sin ningún problema.

En el bluegrass y demás estilos musicales este instrumento destacará mucho, ya que puede emitir sonidos afinados y nítidos, a pesar de que toques melodías muy rápidas. Esto es gracias a su diapasón de palo de rosa, una madera que combina resistencia con sonido cálido.

Por otro lado, gracias a que tiene cinco cuerdas podrás tocar acordes más complejos. Incluso podrás afinar las cuerdas según tus preferencias, ya que viene con clavijas comunes, es decir, como las que llevan las guitarras y ukeleles, al girarlas puedes variar la tonalidad de grave a agudo. Por supuesto, si eres principiante, puedes optar por un afinador electrónico mientras acostumbras tu oído.

 

Diseño

Está hecho con una escala de 26,25 pulgadas, por lo que su tamaño es estándar, sirviendo de este modo tanto para uso aficionado como profesional. Además, posee puntos blancos a lo largo del diapasón, los cuales te podrán servir de guía al momento de tocar, pues están ubicados estratégicamente, al igual que los de algunas guitarras eléctricas.

El paquete incluye las cuerdas, el puente y la herramienta para ajustar la tapa. Asimismo, cabe destacar que por la parte de atrás es abierto y notarás cómo atraviesa el alma metálica de manera vertical, algo muy característico de los banjos actuales Epiphone.

Por si fuera poco, cabe destacar que esta marca pertenece a Gibson, por lo que sus productos son de calidad, además los instrumentos como este banjo provienen de su fábrica en China y según algunos compradores tienen una buena relación calidad precio.

 

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Classic Cantabile 00019554

 

Al utilizar este modelo, tendrás la posibilidad de tocar diferentes ritmos y fusiones melódicas,  puesto que se trata de un banjo que tiene cinco cuerdas.

Gracias a su diseño, es posible emplearlo para interpretar música Bluegrass. Los ritmos y armonías que podrás tocar con este instrumento permitirán que quienes te escuchen puedan disfrutar de momentos agradables y divertidos.

Está elaborado en caoba sapele, por esa razón cuenta con la capacidad de emitir sonidos de calidad, que serán apreciados por toda la audiencia.

En lo referente a su diseño, vale la pena destacar que cuenta con un diapasón de palo rosa que le aporta resistencia y contribuye a su durabilidad. Tiene ganchos de empeine 30 que son de tipo plano, su mecánica es Open Gear y tiene también botones de nácar.

De acuerdo con las especificaciones de los fabricantes, este modelo, pese a ser uno de los más baratos, cuenta con un buen acabado. Estas cualidades hacen que en la actualidad se considere el mejor banjo de relación calidad precio del momento.

Si tienes dudas sobre cuál es la mejor marca de banjos, revisar las propiedades y desventajas que tiene este modelo quizá te ayude a encontrar la respuesta adecuada.

 

Pros

Utilidad: Este instrumento es de 5 cuerdas, por lo tanto, es apropiado para tocar bluegrass y lograr que las piezas que interpretes tengan diferentes fusiones rítmicas y armónicas.

Caoba: Su cuerpo está elaborado en caoba sapele, esta madera contribuye a mejorar la capacidad sonora del banjo, pues transmite sonidos cálidos y dulces.

Diseño: Aunque se trata de un modelo sencillo, tiene unos toques rojizos y un acabado brillante que le dan un estilo elegante y moderno.

Diapasón: Esta pieza está hecha de palo de rosa, una madera elegante que brinda un sonido nítido.

 

Contras

Púa: Esta pieza no ha sido incluida entre los accesorios del instrumento, así que si deseas utilizarla para tocar tus melodías deberás adquirirla por separado.

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Stagg BJW-OPEN 5

 

Su color negro le aporta a su diseño un toque más elegante y distintivo, que lo hace destacar entre los otros modelos que son ofertados en la actualidad.

Su cuerpo se encuentra elaborado en caoba. Es por eso que probablemente, al utilizarlo, te sea posible disfrutar de una buena capacidad sonora mientras escuchará sonidos agradables.

Posee 22 trastes y dispone de cinco cuerdas, a las cuales podrás sacar diversas melodías y tonalidades rítmicas.

Con la finalidad de garantizar la resistencia y durabilidad de este producto, los fabricantes indican haber incorporado una barra de refuerzo y también 16 ganchos de sujeción que funcionan como una especie de cierre.

Debido a sus especificaciones el Stagg BJW-OPEN 5 podría ser el mejor banjo por 100 euros, además, está entre los modelos más baratos, estas son sus características:

 

Pros

Materiales: Este modelo ha sido elaborado en una combinación de diferentes maderas, como arce, caoba, ébano, palo de rosa y nato que le permiten ofrecer un sonido agradable, a la vez que le proporcionan un buen nivel de resistencia y durabilidad.

Cuerdas: Tiene cinco cuerdas, por esta razón, es apropiado para tocar melodías que requieran de una buena combinación de ritmos armónicos, especialmente te servirá para interpretar los ritmos del bluegrass.

Diseño: Su estilo es sencillo, elegante y moderno, además, es posible diferenciarlo del resto de los equipos debido a su tonalidad negro mate.

 

Contras

Peso: Debido a su robusta estructura es un poco pesado, por este motivo, puedes cansarte al sostenerlo por cierto tiempo.

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APC UKU S BJ100

 

Otro modelo que se encuentra entre los mejores banjos del 2019 es este instrumento fabricado por la APC, el cual te brinda la capacidad de crear diferentes ritmos musicales, que harán que toda tu audiencia se divierta al ritmo de las composiciones que interpretes.

Este banjo ukelele cuenta con un diseño tradicional que resalta por su fabricación en madera y color natural, el cual ha sido combinado con unas líneas de diferentes tonalidades que contribuyen a que tenga un estilo diferente al de los otros modelos.

Es un instrumento con el podrás interpretar diferentes ritmos que probablemente todos podrán disfrutar, ya que cuenta con una buena capacidad acústica, gracias a que su cuerpo se encuentra elaborado en caoba y su tapa es de piel.

Se trata de un producto de calidad que posiblemente podrás continuar empleando por varios años. Esto se debe a que ha sido construido con materiales de calidad y la madera que se ha utilizado en su elaboración cuenta con certificados FSC y el de la CITES.

Qué banjo comprar es una de las preguntas que se hacen aquellos principiantes que desean aprender a tocar este instrumento musical y también quienes tienen mucha experiencia, por lo tanto, para ayudarte a encontrar una respuesta te presentamos las siguientes características.

 

Pros

Acústica: Su cuerpo elaborado en madera y tapa de piel permiten que mantenga un buen nivel de resonancia, lo cual ayudará a mejorar el sonido de las melodías que hagas.

Certificado: La madera utilizada en la fabricación de este producto ha sido certificada por la Convención sobre el Comercio Internacional de Especies Amenazadas (CITES) y el Consejo de Administración Forestal (FSC).

Cuerdas: Es un modelo tenor de 4 cuerdas Nylgut, las cuales son resistentes y también te ayudarán a tocar sonidos agradables.

 

Contras

Diseño: A diferencia de los otros productos, este banjo tiene un estilo más tradicional, por consiguiente, probablemente no le agrade mucho a los usuarios que buscan un instrumento más moderno, aunque a otros les puede resultar atractivo.

Trastes: Le caben al menos dos trastes más en la parte final del diapasón, lo cual sería mejor, pues así podrías tocar notas más agudas.

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Rocket BJW01

 

Este banjo de cinco cuerdas y diseño moderno te servirá a la hora de interpretar todas las funciones armónicas que desees, para que tu audiencia pueda disfrutar del bluegrass.

Tiene la capacidad de emitir una buena tonalidad, gracias a que su cuerpo ha sido fabricado en caoba y posee además un resonador que se encuentra elaborado en este mismo tipo de madera.

Otros materiales de calidad también han sido empleados en su elaboración, el traste es de rosewood (palo de rosa), mientras que el puente y el diapasón están hechos de ébano y de arce. Por eso, se trata de un producto perdurable y resistente que podrás emplear por un buen tiempo.

Con la finalidad de hacerte más sencilla la tarea de afinar, este banjo bluegrass cuenta con afinación estándar. De esta manera no te complicarás al momento de afinarlo.

El Rocket BJW01 también se encuentra entre los mejores modelos del momento, a continuación, te ofrecemos más información acerca de sus ventajas y desventajas.

 

Pros

Proyección: Está diseñado para proyectar los sonidos correctamente, de manera que cuando comiences a tocar toda tu audiencia te escuchará sin problemas.

Utilidad: Es apropiado para principiantes que deseen aprender a tocar bien este instrumento y también podrá ser utilizado por usuarios con más experiencia.

Madera: Logra emitir un buen tono debido a que algunas de sus piezas están fabricadas en caoba, una madera que ofrece una buena resonancia al instrumento.

 

Contras

Instrucciones: No cuenta con indicaciones que expliquen cómo efectuar su instalación, por lo tanto, puede ser un poco complicado realizar este proceso.

Clavijas: Podría ser mejor si viniera con clavijas de precisión cerradas, para mantener la afinación de las cuerdas por mayor tiempo.

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Epiphone EFB0NACH1

 

Una de las características que hace destacar este modelo entre los demás instrumentos de esta lista es la calidad de sonido que tiene la capacidad de brindar. Esto se debe principalmente al tipo de madera con la cual ha sido elaborado.

Este instrumento de la marca Epiphone se encuentra fabricado en caoba, un tipo de madera que, por sus cualidades, se encarga de aportar claridad y dulzura a los sonidos.

Además, los usuarios sostienen que los sonidos que hace este modelo son robustos. Gracias a la acústica que te ofrece, el público podrá apreciar una melodía agradable y también disfrutará más de cada una de las canciones que intérpretes con él.

El traste del instrumento es de palisandro, una madera resistente, que contribuye a la durabilidad del producto. Su tapa es de URemo Head y cuenta con seis cuerdas.

Otra de las cualidades que tiene, de acuerdo con algunas personas, es que no se desafina cuando se presentan cambios climáticos, esto evita que debas afinarlo constantemente.

El Epiphone EFB0NACH1 podría ser el mejor banjo del momento y cuenta con una serie de características interesantes, por este motivo, te invitamos a conocerlas.

 

Pros

Cuerpo: Su cuerpo está fabricado en caoba, un tipo de madera resistente debido a su buena calidad, además, proporciona un buen efecto de sustain, audios dulces y cálidos.

Sonido: Es robusto y según los usuarios no desafina ni con los cambios de temperatura.

Diapasón: Esta parte del instrumento está elaborada en palo de rosa, un tipo de madera dura que contribuye a la resistencia del instrumento.

Cuerdas: Es de 4 cuerdas, se trata de un banjo tenor adecuado para tocar diferentes tipos de géneros musicales, por ejemplo, el jazz.

 

Contras

Cuello: Uno de los compradores indicó que el cuello no es muy ancho y aunque podría ser adecuado para personas con dedos finos o niños, para otros es un poco incómodo tocarlo.

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Cómo utilizar un banjo

 

Disfrutar de la música folklórica y clásica del banjo trae alegría a las personas. Si adquiriste un banjo y no sabes cómo usarlo, en este apartado te mostramos en sencillos pasos la manera correcta de compartir música con éste instrumento versátil.

 

 

Conoce tu banjo

El banjo es un instrumento muy utilizado por los aficionados de los géneros jazz y country, por lo que existen tres tipos de banjos según la cantidad de cuerdas. Es importante que identifiques las capacidades que tiene tu instrumento de acuerdo al número de cuerdas que posee.

Los banjos de 4 cuerdas son utilizados por principiantes, pero los más buscados son los de 5 cuerdas, ya que pueden usarse para tocar cualquier estilo musical. Estudia tu banjo y aprende a usarlo según sus características.

 

Ten una postura correcta

Antes de comenzar a utilizar el instrumento debes tener una postura adecuada. Tus hombros y espalda deben estar rectos y firmes, aportando estabilidad a tu cuerpo. Mantener el cuerpo encorvado puede aumentar las posibilidades de lastimarte con el instrumento.

 

Afina el instrumento

Para poder emitir sonidos musicales con tu banjo este debe ser afinado previamente. Aunque puede parecer una tarea complicada para un principiante, la verdad es que es muy fácil de hacer. Para afinar el instrumento gira lentamente las clavijas ubicadas al extremo del diapasón o mástil, ya que estas son las encargadas de tensar las cuerdas para afinar el sonido de las mismas. Puedes recurrir al uso de un afinador que te ayudará a encontrar el sonido deseado.

 

Practica el uso del plectro

Generalmente, se utilizan las uñas de los dedos para tocar las cuerdas y producir los sonidos, pero puede ser muy doloroso y perjudicial para tus manos. Es recomendable que hagas uso de uno o varios plectros, ya que se deslizan de mejor manera por las cuerdas emitiendo sonidos más fuertes. Te recomendamos utilizar los que tienen aros.

Inserta el aro de seguridad por la yema de tus dedos hasta que esté segura, y después comienza con movimientos lentos que te ayudarán a relacionarte mejor con la herramienta.

 

Coloca tus manos en el lugar adecuado

La posición correcta del banjo al momento de tocar es imprescindible para una buena ejecución. Coloca tu mano derecha sobre el cuerpo del banjo, cerca del puente y sobre las cuerdas sin presionar demasiado. Al mismo tiempo ubica tu mano izquierda en el diapasón o mástil del instrumento apoyando tu pulgar en la parte posterior del mismo y el dedo meñique y el índice sobre las cuerdas.

 

 

Comienza con rolls sencillos

El picking es el movimiento más popular que se realiza con el banjo, que consiste en tocar rápidamente las cuerdas como un recurso musical que implica velocidad. Inicia con la práctica de rolls sencillos de secuencia corta, toca dos cuerdas distantes (como la quinta y la primera). Con este procedimiento te relacionarás fácilmente con el banjo.

 

Practica con frecuencia

El secreto para convertirte en un buen músico es la constancia. Practicar diariamente puede ser tedioso al principio. Es recomendable que practiques treinta minutos al día tus habilidades con el banjo, y con el tiempo obtendrás resultados favorables.

 

 

 

Las marcas más populares

 

Aunque los banjos no tienen la misma fama que poseen algunos otros instrumentos musicales como las guitarras o los violines, esto no significa que no sigan siendo artefactos utilizados por miles de personas alrededor del mundo. Su único y característico sonido se utiliza en diversos géneros musicales como el Folk, el Bluegrass, el Country e inclusive algunos tipos de Jazz. Aunque el banjo no se conozca mucho, si se quita su sonido de grandes piezas musicales, entonces realmente se notaría su ausencia. Algunas marcas como Rocket, Classic Cantabile y Stagg han añadido los banjos al portafolio de instrumentos musicales que fabrican para poder llegar a un público más amplio.

 

 

Solo basta darse un paseo por la sección de Amazon dedicada a esta marca para darse cuenta de lo increíblemente versátil que es Rocket. Desde baterías para coche hasta juguetes para los más pequeños, esta empresa se ha puesto como objetivo incursionar en casi cada área del mercado para poder demostrar que puede producir artefactos de alta calidad de todo tipo, sin necesidad de dedicarse completa y únicamente a un solo sector.

Los instrumentos son parte de sus creaciones, como lo son los banjos clásicos. Estos artefactos se caracterizan por su diseño moderno y por traer accesorios que facilitarán su uso, como las fundas, necesarias para llevarlos a todas partes. A pesar de no ser una compañía dedicada enteramente a la música, Rocket ha logrado recibir varias críticas positivas debido a sus artículos.

El éxito de ventas de esta marca en las plataformas web es notorio y, de seguir satisfaciendo a todos los compradores con sus resistentes y duraderos artefactos, seguramente seguiremos oyendo de Rocket por mucho tiempo más.

 

 

Desde hace algún tiempo, Classic Cantabile se ha convertido en una marca referente en el ámbito musical, especialmente de la música clásica. Esta empresa no solo se dedica a la fabricación de instrumentos musicales de alta calidad, sino también a la creación del equipamiento que se necesita para poder complementar a cada uno de esos instrumentos, como soportes, fundas, afinadores, etc.

Los banjos son unos de los instrumentos fabricados por esta gran marca y se destacan por tener acabados brillantes y la longitud perfecta para tocarlos cómodamente. Los materiales utilizados son de buena calidad, para que así puedas tocar tus canciones favoritas sin preocupaciones.

Podrás comprar otros accesorios e instrumentos de la marca a través de Amazon y otras tiendas, pues los productos de la marca están disponibles para varios países del mundo. De esa manera, te sumarás a todos los clientes que han dado sus comentarios positivos a la empresa debido a sus artículos de alta calidad.

 

 

Stagg tiene un puesto especial en el corazón de millones de personas que se han interesado en la música. Desde el año 1995, esta empresa establecida en Bélgica ha ofrecido sus variados instrumentos y equipamiento musical, primero, en este país y, en la actualidad, en diversas partes del mundo.

La misión de Stagg, según la misma compañía, es inspirar y animar a las personas a tener una vida llena de música. Para eso tiene un amplio catálogo de productos que sigue en constante expansión para proveer a los compradores de todo tipo de artefactos que puedan ayudarlos a descubrirse y a desarrollar sus habilidades musicales para poder ser mejores cada día.

Para los amantes del Folk, Stagg ofrece diferentes banjos para que el músico elija aquel que se adapte más a sus necesidades. Tiene banjos especiales para ciertos géneros musicales, de 6 y de 5 cuerdas, pero todos con la misma calidad. Si no eres fanático de este tipo de música, entonces también podrás elegir otros instrumentos y accesorios que se adapten más a ti.

 

 

 

Última actualización: 19.08.19

 

Cuerdas para guitarra – Guía de compra, Opiniones y Análisis en 2019

 

Las cuerdas adecuadas pueden a contribuir a que tu guitarra emita sonidos potentes y de buena calidad. Por esta razón, es necesario que al adquirir uno de estos productos tengas en cuenta diversos aspectos como su calibre, tensión, materiales utilizados en su fabricación, resistencia, durabilidad, calidad del sonido que ofrecen y tipo. En el mercado encontrarás múltiples modelos, de manera que para ayudarte a elegir uno que se adapte a tus necesidades hemos seleccionado una variedad de productos que podrían interesarte. Un ejemplo de ello es el D’Addario EJ45, este juego trae sus seis cuerdas con tensión normal, cada una tiene un núcleo multi-filamentado de nylon y son apropiadas para cualquier guitarra clásica. Otra opción son las cuerdas Gato Negro 10000, estas también son adecuadas para guitarras clásicas, además, están identificadas para que puedas hacer el proceso de montaje con facilidad y sin inconvenientes, son de nylon y pueden emitir un sonido brillante.

 

 

Tabla comparativa

 

Lo mejor de los mejores

Lo bueno
Lo Malo
Conclusión
Ofertas

 

 

¿Cuáles son las mejores cuerdas para guitarra del mercado?

 

En la actualidad encontrarás productos de diferentes marcas, cada uno de ellos con sus ventajas y desventajas, esto hace un poco complicado seleccionar un modelo. Conocer más acerca de sus características podría ser de ayuda en este proceso, por este motivo, hemos elaborado la siguiente guía para comprar las mejores cuerdas para guitarra del mercado.

Guía de compra

 

Calibres

Al hacer una comparativa de cuerdas para guitarra uno de los principales aspectos que deberás tener en cuenta es su calibre, de este modo podrás asegurarte de elegir el modelo apropiado para tu instrumento.

Cada cuerda es diseñada para ocupar una posición específica en la guitarra, debido a esto tienen distintos calibres. Además, dependiendo de este factor puede variar la afinación que mantienen, por esta razón, es importante que elijas las piezas correctas.

Por lo general, los paquetes incluyen un set de seis cuerdas, cantidad suficiente para reemplazar en su totalidad aquellas que tiene tu guitarra. Estas pueden dividirse en dos grupos de partes iguales, las de menor calibre son las agudas y están organizadas de la posición uno a la tres.

Por otra parte, las del grupo de mayores dimensiones son las que registran los sonidos bajos o graves, están son las cuerdas 4,5 y 6.

Para afinar en Mi y en Mi bemol, pueden ser utilizados juegos de cuerdas pertenecientes a dos grupos de calibres, de 009 a 042 y de 010 hasta 046. Este último calibre también puede ser apropiado para aquellas personas que efectúan el proceso de afinación en Re.

Algunos expertos aseguran que aquellas cuerdas que son de menor calibre son adecuadas para principiantes, pues debido a su diseño resultan más suaves para los dedos, sin embargo, estas podrían tener un menor carácter sonoro.

Por otra parte, las que pertenecen a los grupos de mayor calibre suelen proporcionar niveles más altos de tonalidad, sustain y definición sonora, aunque es posible que sean más ásperas al tacto.

Otro aspecto relacionado con el calibre que también deberás tener en consideración al hacer tu adquisición es el nivel de tensión que tienen las cuerdas, este puede ser bajo o extra light, medio, alto y muy alto. Para hacer una elección acertada es recomendable que consideres el tipo de ritmo que sueles tocar y tu nivel de experiencia.

 

Tipo

Antes de revisar precios y responder a la pregunta de cuánto cuesta un juego de cuerdas de guitarra, es conveniente que primero revises los diferentes tipos de productos que son ofertados.

Es posible clasificar las cuerdas en tres grupos de acuerdo con el tipo de instrumento con el que pueden utilizarse, por ejemplo, de guitarras clásicas o flamencas, eléctricas y acústicas.

Estas se diferencian entre sí debido a la variedad de materiales utilizados en su fabricación. Es importante que al efectuar tu elección tengas en cuenta el tipo de instrumento que tocas, pues al no colocarle las cuerdas correctas aparte de afectar el sonido podrías deteriorar tu guitarra.

Asimismo, deberás tener en cuenta que, debido a su diseño, algunas de las cuerdas pueden ser utilizadas hasta con dos tipos diferentes de guitarras, pero para mayor seguridad tendrás que fijarte en sus especificaciones.

Materiales

Incluso si estás en busca de unas cuerdas buenas y económicas es necesario que te asegures de obtener un producto de calidad, que sea perdurable, de manera que tengas la posibilidad de utilizarlas por un tiempo prolongado y sean capaces de emitir un buen sonido.

Uno de los productos utilizados para la fabricación de las cuerdas es el nylon, aquellas elaboradas en este material pueden usarse con las guitarras clásicas y flamencas, estas contribuyen a la emisión de sonidos claros, que conserven un buen nivel de brillantez.

Para elaborar las cuerdas también pueden utilizarse diferentes variedades de metal, entre ellos el bronce fosforoso. Este material se caracteriza por ser 80 % cobre, 1 % fósforo, 9 % antimonio y 10 % estaño, además es resistente a la corrosión.

Otro metal utilizado es el acero niquelado, las cuerdas hechas de este material tienen un recubrimiento de níquel, también emiten un sonido brillante, pero este es más acentuado y cálido.

Las cuerdas metálicas suelen ser apropiadas para las guitarras acústicas y eléctricas. Tienen la capacidad de soportar más tensión y ofrecen un buen nivel de resistencia.

Para contribuir a su durabilidad algunos fabricantes aplican a las cuerdas unos recubrimientos especiales que evitan su oxidación y deterioro. Por supuesto, recomendamos usar paños para limpiar y secar las cuerdas después de cada uso, ya que el sudor de tus manos puede dañarlas.

 

¿Cuáles son las mejores cuerdas para guitarra del 2019?

 

Si deseas que tu guitarra emita un sonido agradable y mantenga un buen nivel de proyección es necesario que te asegures de contar con todo los elementos apropiados. Para ayudarte a cumplir con este objetivo hemos elaborado una lista donde te presentamos las características de algunas de las mejores cuerdas para guitarra del 2019.

 

Productos Recomendados

 

D’Addario EJ45

Ventaja principal:

Este juego de cuerdas para guitarra clásica es de tensión normal, así que ofrece un sonido limpio, con buen volumen, además de suavidad para los dedos del usuario.

 

Desventaja principal:

Se echa en falta que el paquete incluya una cuarta cuerda de recambio, ya que es una de las que se desgasta más rápido.

 

Veredicto: 9.8/10

Las tres cuerdas graves Re La y Mi vienen con entorchado de precisión, de modo que alcanzan un tono cálido y profundo, para que los acordes y melodías se entiendan.

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Caracteristícas Principales Explicadas

 

Eficacia

Se trata de cuerdas Pro Arte, la versión más profesional de la marca D’Addario. Proporciona mayor resistencia y durabilidad, además, es posible usarla para guitarras de concierto.

Otra cualidad que hace destacar a estas cuerdas es que las tres primeras cuerdas son de nailon transparente y han sido perfeccionadas con láser, de manera que ofrecen el tamaño correcto para una afinación adecuada.

Además, antes de meter cada cuerda en el paquete, los trabajadores de la marca hacen una excelente inspección, para que como usuario no recibas cuerdas defectuosas. Por lo tanto, muchas personas eligen este producto y están satisfechas con la calidad que ofrecen.

El paquete incluye las 6 cuerdas de guitarra clásica, Mi, Si, Sol, Re, La y Mi. Además, cada una viene con su nombre, de modo que los guitarristas principiantes sepan el orden en que deben colocarlas a sus instrumentos.

Entorchado

Una de las características que debes revisar al momento de hacer una comparativa de cuerdas de guitarra es la calidad del entorchado. Al hablar de esto nos referimos al modo como están envueltas de metal las últimas tres cuerdas de guitarra.

En el núcleo estas cuerdas poseen multifilamentos de nailon, esto hace que el sonido sea menos metálico y el tacto mucho más suave que las cuerdas de guitarra eléctrica o folk. Es decir, esta cualidad ofrecerá comodidad a los guitarristas, disminuyendo la fuerza que estos aplican con los dedos sobre las cuerdas al tocar.

Por si fuera poco, sobre los multifilamentos de nailon va un entorchado de metal, en este caso, cobre plateado, un material bastante resistente a la corrosión y útil para una transmisión o vibración adecuada del sonido. Asimismo, la unión del nailon y el cobre plateado proporcionan un sonido con buen volumen y graves agradables.

 

Diseño

El producto viene en un estuche de cartón con el logo de la marca y la serie Pro Arte. En la parte trasera del estuche trae las indicaciones del diámetro para cada cuerda. Además, estas cuerdas fueron fabricadas en Estados Unidos, a través de altas tecnologías.

Por otro lado, cabe destacar que en el interior del estuche viene una bolsa plástica herméticamente sellada que protege a las cuerdas de la humedad y variaciones climáticas. De esta manera, no vienen oxidadas o deterioradas cuando abres la bolsa y sacas las cuerdas. Esto es una ventaja que no ofrecen todas las marcas de cuerdas para guitarra clásica.

Están especialmente diseñadas para guitarra clásica, así que los músicos las pueden utilizar en conciertos de música clásica, flamenco, jazz, pop, balada, bossa nova etc.

 

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Gato Negro 10000

 

Otras cuerdas que podrían interesarte son este modelo comercializado por Gato Negro, una marca de las empresas Ferrer Musical, quienes tienen una larga experiencia en la fabricación y distribución de este tipo de productos.

Este juego contiene un total de 6 cuerdas que tienen un nivel medio de tensión, así que contarás con la cantidad necesaria para reemplazar las piezas de tu guitarra. Además, varios usuarios indican que son fáciles de instalar en la guitarra, por lo tanto, es posible que no te tome demasiado tiempo realizar este proceso.

Algunos compradores indican que cada cuerda viene marcada con un número, lo que te permitirá colocarlas en el lugar correcto, aunque no seas un experto en el tema, evitando posibles errores. También aseguran que la calidad del sonido que este producto emite mejora al efectuar el tensado adecuado.

Para saber cuál es la mejor marca de cuerdas para guitarra, lo primero que debes hacer es revisar diferentes productos del mercado, entre ellos, el Gato Negro 10000, pues se trata de un set completo y de buena calidad.

 

Pros

Tipo: Es un set de 6 cuerdas para guitarra clásica y flamenca, lo que significa que son de nailon.

Identificación: Cada cuerda está identificada para que puedas montar todas con facilidad en tu guitarra.

Tensión: Son de tensión media, así que sirven para las personas que necesitan hacer solos de guitarra clásica y acordes.

Presentación: En el paquete encontrarás las cuerdas separadas en bolsas plásticas transparentes con el logo de Gato Negro en la parte frontal.

 

Contras

Precio: Tiene un coste elevado en comparación a otros sets de cuerdas del mercado, pero su calidad es buena, así que muchos de los compradores están satisfechos con su adquisición.

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Martin MSP4000

 

Otra de las opciones que te recomendamos tener en cuenta son las cuerdas para guitarra acústica Martin MSP4000. Se trata de un set que cuenta con un total de seis piezas, así que podrás efectuar el reemplazo de las mismas sin inconvenientes.

Debido a sus diferentes características varios compradores consideran que responde las dudas acerca de cuáles son las mejores cuerdas para guitarra. Asimismo, señalan que contribuyen a la emisión de sonidos brillantes y que es posible tocarlas con comodidad, lo que te ayudará a interpretar correctamente las diferentes melodías.

También debes considerar que, según las especificaciones encontradas en Internet, el nivel de tensión de estas cuerdas es Extra Light.

Por esta razón, varias personas recomiendan su utilización a aquellos músicos que tocan blues y otros tipos de música similares, debido a los audios cálidos que logran proyectar.

Son unas de las cuerdas más baratas de la actualidad, de manera que revisar sus pros y contras podría ayudarte a tomar la mejor decisión de compra.

 

Pros

Acústicas: Este set de cuerdas es óptimo para guitarras acústicas que usan cuerdas de metal, por ejemplo, las modelo folk.

Sonido: Son de bronce fosforoso, así que proporcionan cuerpo al sonido de cada nota musical.

Calibres: Vienen en diferentes calibres para que elijas las que desees, entre ellos, Light, Extra Light y Custom Light.

Núcleo: Están hechas con núcleo de acero y bronce, para mayor resistencia al tocar acordes y melodías en la guitarra.

 

Contras

Color: Al cabo de un tiempo pierden el brillo, por lo que no lucirán muy bien, sin embargo, muchos compradores las recomiendan, ya que esto es un fenómeno que le ocurre a casi cualquier tipo de cuerdas para guitarra.

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Ernie Ball 2223

 

Estas cuerdas de rango medio Ernie Ball 2223 son otra alternativa que puedes tener en consideración, pues han sido entorchadas en acero niquelado, mientras que el núcleo también es de metal y tiene una forma hexagonal.

Aunado a ello, mencionamos que el juego incluye 6 cuerdas para guitarra eléctrica, compatibles con modelos acústicos, las mismas tienen los siguientes calibres: .024, .032, 0.42, .009, .011 y .016. Además, debes tener en cuenta que han sido elaboradas por una marca con 60 años de experiencia en la fabricación de este tipo de artículos musicales, por lo tanto, es probable que cuentes con un producto de buena calidad.

Por otro lado, cabe destacar que los fabricantes también sostienen que están hechas con precisión, siguiendo estándares altos y exigentes, por este motivo, garantizan un adecuado rendimiento, larga vida útil y consistencia. Como consecuencia de su diseño permiten que se emitan sonidos equilibrados.

Estas son las mejores cuerdas para guitarra por 5 euros, así que es una buena opción si deseas un producto económico y de buena calidad para mejorar el sonido de tu instrumento.

 

Pros

Material: Están hechas en acero niquelado, para proporcionar una máxima vibración y a la vez mayor volumen.

Tensión: Vienen en diferentes calibres, para que compres las que más te gusten, por ejemplo, Regular Slinky, Super Slinky, Hybrid Slinky, entre otras medidas.

Cantidad: Si deseas, puedes adquirir un solo set, pero el vendedor también ofrece estas cuerdas en mayores cantidades, por ejemplo, tres, seis o una docena de paquetes.

 

Contras

Óxido: Si eres una persona a la que le sudan mucho las manos, las cuerdas se oxidarán rápido, por lo que se recomienda limpiarlas con bayeta suave y seca después de cada uso.

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Elixir 12052

 

Según algunos compradores estas son las mejores cuerdas para guitarra de relación calidad precio del momento. Esto se debe a que han sido fabricadas con una tecnología exclusiva de revestimiento que protege las cuerdas de la corrosión y la acumulación de residuos, de esta manera protege el “área crítica del sonido”.

Logran mantenerse limpias con el paso del tiempo, así que probablemente lucirán como nuevas incluso después de cierto tiempo. El fabricante indica que el nivel de calidad que tienen es entre 3 y 5 veces superior al de los modelos convencionales.

Es un juego de cuerdas para guitarra eléctrica que tiene los siguientes calibres: .017, .013, .010, .026, .046 y .036. Son de acero, lo cual permite que las guitarras emitan una tonalidad brillante y que los usuarios tengan una buena sensación al tocarlas. Además, estas son unas de las cuerdas más baratas y su nivel de tensión es suave.

Si aún no sabes qué cuerdas para guitarra comprar, quizá las Elixir 12052 sean la respuesta más apropiada, pues tienen diversas cualidades que podrían ser de tu interés.

 

Pros

Tecnología: Su entorchado fue hecho con tecnología Nanoweb, para un tacto más suave y evitar que se oxiden rápidamente.

Calibre: Estas son cuerdas calibre .10, de manera que sirven para hacer solos con mayor facilidad y a la vez resultan más suaves para realizar acordes con barra.

Sonido: Ofrecen un timbre más brillante que otras cuerdas del mercado actual, lo que significa que las notas que toques se entenderán muy bien.

 

Contras

Fragilidad: Debes tener cuidado al afinar y tocar la primera cuerda, ya que, al ser la más fina de todas, resulta bastante frágil. No obstante, la mayor parte de sus compradores recomiendan este juego de cuerdas Elixir.

Cantidad: Sería bueno que vinieran mayores cantidades de cuerdas, para que los usuarios que acostumbran a comprar varios paquetes puedan hacerlo sin inconvenientes. No obstante, el producto viene con las 6 cuerdas necesarias para el recambio completo de una guitarra eléctrica.

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D’Addario EJ45

 

Estas cuerdas para guitarra clásica cuentan con un nivel de tensión normal, además, el fabricante asegura que han sido entorchadas utilizando cobre chapado en plata en un núcleo de nylon multi-filamentado, por supuesto, esto solo sucede con la cuarta, quinta y sexta cuerda. Debido a este proceso contribuyen a la emisión de tonos cálidos que mantienen un buen nivel de proyección.

El paquete incluye un total de seis cuerdas y, de acuerdo con sus especificaciones, las medidas en pulgadas son .043, .035, .029, .0403, .0322 y .0280. Estas características deberás tenerlas en consideración al momento de hacer el montaje, así podrás asegurarte que sean las adecuadas para ti y la guitarra que usarás con ellas.

Están consideradas las mejores cuerdas para guitarra del momento según algunos compradores, pues se trata de un producto que ofrece un alto nivel de calidad y rendimiento. Asimismo, para garantizar durabilidad, su embalaje es resistente a la corrosión y las mantiene en buenas condiciones.

Según las personas que ya las han adquirido, estas son las mejores cuerdas para guitarra del momento, así que te invitamos a echar un vistazo a sus aspectos más importantes.

 

Pros

Tipo: Estas cuerdas son para guitarra clásica, porque están hechas de nailon. Además, vienen en tres tensiones diferentes, Normal, Hard y Light. De manera que podrás elegir el set que prefieras.

Paquete: Se trata de las 6 cuerdas de guitarra clásica, MI, SI, SOL, RE, LA, MI. Las primeras tres son transparentes, es decir, de nailon puro.

Bajos: Las últimas tres cuerdas tienen un núcleo de múltiple filamentos de nailon, pero están entorchadas con cobre de color plateado. Esto ofrece mayor volumen y nitidez a las notas graves.

Calidad: Cada cuerda pasa por un exigente control de calidad, para proporcionar a los guitarristas clásicos un producto óptimo.

 

Contras

Cantidad: Sería bueno que viniera una cuerda extra para recambio, sobre todo la RE, pues esta es una de las que más rápido se deteriora en una guitarra clásica.

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Cómo utilizar unas cuerdas para guitarra

 

La guitarra es uno de los instrumentos más famosos que existen. Cada pieza que forma parte de su estructura es importante y las cuerdas son esenciales para poder tocar este instrumento musical.

Sin dicho elemento no puede existir ningún tipo de sonido, pues no habrían acordes para tocar. Es por eso que una guitarra sin cuerdas no es útil. Elegir cuerdas de buena calidad es necesario para poder disfrutar al máximo de la guitarra y, si ya tienes tus cuerdas, aquí podrás leer cómo utilizarlas correctamente para crear tus canciones.

 

 

Abre el empaque

Usualmente este producto viene de dos maneras: en un pequeño empaque de cartón o empaques de plástico. Aunque abrir el empaque es un paso totalmente sencillo, es necesario recalcar que se tiene que tener cuidado debido a que las cuerdas pueden ser delicadas. Nunca utilices tijeras o cualquier otro objeto punzante para abrir el empaque, pues existe la posibilidad de que cortes y dañes algunas de las cuerdas.

 

Identifica y ordena cada una de las cuerdas

Para poder producir los sonidos característicos de la guitarra, cada una de las cuerdas debe tener una posición específica. Hay 6 posiciones para las 6 cuerdas y, antes de proceder a instalarlas, es necesario que las identifiques.

Usualmente vienen marcadas por un color característico en los extremos. Verifica las indicaciones del empaque y organízalas hasta tenerlas en el orden correcto para poder colocarlas.

 

Fíjalas al puente

Las cuerdas, aunque son resistentes, deben tratarse con bastante cuidado para evitar que se rompan al manipularlas. Es por eso que es recomendable que este paso lo hagas siempre con la mayor delicadeza posible. Un extremo de cada una de las cuerdas deberá ser colocado en el puente. Tendrás que atarlas con cuidado hasta que estén bien sujetas.

 

Únelas al clavijero

Cuando ya estén colocadas en el puente, entonces es momento de unirlas al clavijero. Esta parte de la guitarra se encuentra en la parte superior. Debes estirar cada una de las cuerdas para que queden sobre el diapasón y fijarlas al clavijero. Cada clavija se corresponde a una cuerda. Presta siempre atención al orden para evitar confusiones.

 

Haz que queden tensas

Si las cuerdas de la guitarra se encuentran flojas, entonces no producirán ningún sonido al pasar la púa o tus dedos sobre ellas. El proceso de tensar las cuerdas no es difícil, pero es necesario hacerlo con precaución para evitar accidentes.

Deberás rotar cada clavija con lentitud y esta irá estirando la cuerda poco a poco hasta que ya quede completamente tensa y funcione adecuadamente. No gires la clavija con demasiada fuerza o mucha rapidez, pues, si estiras la cuerda más allá de su límite de tensión, esta podría romperse.

 

 

Deshazte del exceso

Este paso es opcional y solo depende del exceso de cuerda que haya sobrado. Si tensaste las cuerdas y en la parte superior queda gran parte de la cuerda suelta, puedes cortarla para que no tengas incomodidades al momento de tocar la guitarra o guardarla.

 

Tocar

Si ya tus cuerdas están listas, tensadas y tu guitarra se encuentra afinada, entonces solo queda tocar este instrumento y deleitar a todos con tu música.

 

 

 

Última actualización: 19.08.19

 

El violín es el encargado de llevar la melodía de la orquesta y de diversas canciones modernas, por lo tanto, su importancia en la escena musical tradicional y actual es increíble. Sin necesidad de cables, produce buena música y, conociendo los elementos que lo conforman, podrás acercarte más a este grandioso instrumento.

 

El violín es un instrumento cuyo origen se puede trazar hasta hace más de 5 siglos atrás. A pesar de que este producto, como lo conocemos en la actualidad, se dio a conocer por primera vez en el siglo XVI, su historia está directamente ligada con otros instrumentos de la Edad Media, como el rabel y el laúd, quienes fueron los predecesores del violín moderno.

Wolfgang Amadeus Mozart, Claudio Monteverdi y Antonio Vivaldi son tan solo algunos de los nombres que se pueden conseguir entre los grupos de grandes violinistas de la historia. Estos músicos, junto a su violín, lograron revolucionar el mundo musical y su influencia sigue estando presente en el siglo XXI. Esto hace que sea más fácil entender la gran importancia del violín en la escena musical, pues, además de sus bellas melodías, fue un instrumento que ayudó a labrar el camino de las orquestas, siendo protagonista de obras legendarias y sonatas.

 

¿Cuál es el mejor violín: primero o segundo?

En realidad, no existe diferencia física alguna entre un primer violín o un segundo, la distinción solo se nota en el momento en el que la melodía comienza.

El violín es, sin lugar a dudas, el instrumento guía de la orquesta. Esto no se debe solamente a razones históricas, cuando, en ausencia de un director, eran los violinistas los que marcaban cada pauta, sino también a las sonatas y obras musicales que aún se tocan en la actualidad.

La sección de cuerdas en una orquesta es la principal y los violines primeros son los encargados de llevar la dirección de la sonata. Entre estos, es posible que exista el primer violín, quien es el que tiene la relación más cercana con el director de orquesta y el que guía al resto de los violinistas durante la pieza musical.

Los violines segundos, por su parte, se encargan de hacer destacar a los primeros. En vez de llevar la melodía, estos funcionan de apoyo y, usualmente, suenan en una octava menor a los primeros. Ambos violines son de gran importancia, pues la armonía entre los dos y los detalles musicales combinados son los responsables de que la orquesta tenga un sonido impecable.

 

 

Las partes del violín  

Antes de poder tocar el violín de forma excelente, es necesario familiarizarse con él, por lo tanto, conocer las partes que lo conforman es igual de importante como aprender la mejor técnica para tocarlo.

 

  • La voluta: esta es la parte superior del violín, también llamada la cabeza. Esta difiere entre modelos, pues, usualmente, es una pieza donde los artesanos dejan su marca personal. La mayoría del tiempo es espiral, pero muchas veces no. Allí se encuentra el clavijero, donde entrarán las clavijas para hacer la afinación de las cuerdas
  • Diapasón y mango: el mango es la estructura de madera donde se encuentra adherido el diapasón, lugar donde el violinista marcará cada nota musical con sus dedos, presionando las cuerdas que permanecen sobre él.
  • Cuerdas: el violín es un instrumento de 4 cuerdas. Desde la izquierda comienza la cuerda Sol, seguida por la cuerda Re, La y Mi, siendo la primera la más grave y la última la más aguda. Estas están hechas de materiales resistentes para soportar el roce del arco y la presión de los dedos en la parte superior.
  • Caja: la caja de resonancia es la encargada de que el sonido se dé y está compuesta de dos tablas. La tabla armónica, es decir, la tapa superior, y la de fondo. La tapa superior es la que muestra a las efes, también conocidas como oídos o eses. Estas son las pequeñas piezas curvadas en la parte inferior frontal del violín, aberturas de resonancia que se encargan de la oscilación de la tabla armónica. Esta caja, la mayor parte del tiempo, está hecha de arce y abeto.
  • Puente y alma: el puente tiene diversas funciones. La primera de ellas es mantener las cuerdas separadas entre sí y a la altura adecuada para sonar de forma correcta. La segunda función es la de transmitir las vibraciones desde las cuerdas a la tapa del violín. El alma es la pieza cilíndrica que se encuentra entre el fondo y la tabla, en la parte interna del violín. Las vibraciones de las cuerdas son llevadas a todo el cuerpo del violín debido al alma y, por esa razón, sin ella, es imposible producir el sonido.
  • Cordal: el cordal es la pieza que hace que las cuerdas permanezcan en su lugar, pues las mantiene ancladas al cuerpo del violín. Está hecho de madera o de aluminio. En algunas ocasiones, también puede contener micro afinadores para mantener a las cuerdas afinadas.

 

 

  • Barbada y almohadilla: mantener la posición correcta al tocar violín es bastante difícil y puede causar dolores en todo el cuerpo, después de pasar un largo tiempo tocando el instrumento. Para hacerlo más sencillo, el violín viene con dos piezas diseñadas, exclusivamente para la comodidad del violinista. Esto hace que tocar el instrumento sea más fácil y produzca menores efectos negativos en el cuerpo, como tensiones en los músculos. La barbada, usualmente hecha de madera, sirve como apoyo al mentón del violinista, lo que, además de dar comodidad, previene que el barniz del instrumento se desgaste debido al contacto directo con la piel. La almohadilla, por su parte, provee descanso a otra zona del cuerpo, en este caso, el hombro. Esta pieza no es obligatoria, pero muchos músicos la prefieren para no esforzarse más de la cuenta. Al elevar un poco el violín, la inclinación de la cabeza tampoco será tan marcada. La mayoría de las veces la almohadilla está hecha de metal pero, para dar suavidad, está cubierta de goma.
  • Arco: esta pieza, aunque no forma parte del cuerpo del violín en sí, es necesaria para poder tocarlo. Se encuentra hecha de madera y de una vara con cerdas, encargada de rozar las cuerdas. Haz algunos estiramientos, saca el violín del estuche y comienza a practicar hasta convertirte en el primer violín, el absoluto líder de la orquesta.

 

 

Última actualización: 19.08.19

 

Nadie puede moverse en la ciudad, nadie puede hacer el más mínimo ruido. Es momento de rescatar los sonidos de los más espléndidos violines jamás creados. Cremona, el hogar de los mejores ejemplares de este instrumento busca asegurar su legado musical para la historia.

 

El repetitivo sonido de los tacones chocando contra el pavimento, el estruendo de una taza que se rompe, el constante ruido del claxon de un coche… todos estos sonidos considerados normales en cualquier ciudad deben cesar en los alrededores del Museo del Violín en Cremona. No es una dictadura, es un intento desesperado en salvar el patrimonio cultural de la ciudad e histórico del mundo.

Por todo el mes de enero, esta pequeña ciudad con menos de 100 mil habitantes ha tenido que limitar los ruidos innecesarios para permitir que ingenieros musicales se den la tarea de grabar el sonido de diversos violines Stradivarius para que todos puedan escuchar su genialidad, incluso años después de que ya dejen de funcionar por completo.

 

La ciudad de los violines

Muchos dicen que se debe al bosque de arces y el de abetos que rodean la ciudad pero, realmente, no se sabe con exactitud por qué Cremona ha sido cuna de Luthiers de renombre y violinistas que lograron cambiar el mundo. Los talleres se encuentran en cada rincón de la ciudad e incluso esta posee una escuela oficial de Luthiers, para formar a profesionales de este loable oficio.

Claudio Monteverdi nació en esta región de Lombardía y años más tarde pasó a ser el primer violinista importante de la historia, sin embargo, no solo él logró demostrar la excelencia del instrumento. Las familias Armati y Guarnier también se destacaron por la fabricación de violines de calidad óptima, responsables de notas armoniosas y melódicas. No obstante, entre tantas personas talentosas, un nombre destaca y sigue siendo referente hasta la actualidad, Antonio Stradivaria, el Luthier más importante de violines.

 

 

El museo Stradivarius

El museo del violín es el lugar donde existen más instrumentos de Antonio Stradivari, todos guardados para ser exhibidos a amantes de la música. Se dice que los violines Stradivarius son el epítome de la excelencia de la ingeniería del sonido y, por esa razón, tantas personas se preocupan por la conservación de cualquier instrumento que haya sido fabricado por Antonio y su familia.

Sin embargo, todas las cosas sufren el pasar del tiempo y, a pesar de sus procesos de conservación, después de 500 años muchos violines se han deteriorado. En contra de los deseos de los amantes de la música, pronto cada uno perderá su sonido, pues, al ser tan frágiles, no podrán ser tocados y, para evitar esto, los expertos de la música han iniciado el proyecto de grabación y completo silencio.

Después de ruegos y súplicas, múltiples ingenieros musicales e instrumentistas de renombre han logrado convencer al museo de permitirles tocar violines, violas y chelos de hace siglos; todo por el bien mayor de la historia musical.

 

El banco de sonido Stradivarius

El alcalde de Cremona, también presidente de la Fundación Stradivarius, fue el encargado de autorizar el cierre de las calles cercanas al museo y también de pedir a los habitantes evitar el ruido por un mes, ya que, mientras ellos guardaran un voto de silencio, los músicos estarían grabando por 8 horas diarias diversas notas de instrumentos del museo.

Cuatro músicos de distintas nacionalidades se encargaron, por 6 días a la semana y durante todo un mes, de ejecutar diversas escalas con técnicas diferentes para poder lograr hacer una grabación con el mayor rango de registros musicales posibles. Los elegidos para llevar a cabo esta tarea fueron seleccionados cuidadosamente, pues, al tener que tratar con instrumentos tan delicados, era necesario que los intérpretes tuvieran un conocimiento excelente de ellos.

Los organizadores estudiaron la acústica del auditorio del museo. Las lámparas eléctricas debieron alejarse por su zumbido, la ventilación fue apagada y, después de clausurar las calles, los músicos lograron sentarse frente a los 32 micrófonos ultrasensibles para captar hasta el más mínimo sonido que caracteriza a un instrumento Stradivarius.

Las precauciones fueron extremas y exigentes. Los músicos usaron guantes para movilizar y tocar los instrumentos, previamente protegidos en cajas de cristal desde hace cientos de años. Además de eso, fueron escoltados por guardias de seguridad hasta el auditorio y vigilados por ellos, por el bien de los instrumentos.

 

 

Los beneficios de este ambicioso proyecto

Todos los violines encontrados en el museo se dañarán eventualmente y, debido a que nadie ha logrado crear un instrumento que suene igual a los creados por el gran Luthier, Stradivari, después de que esto suceda, sus sonidos quedarán completamente borrados de la existencia.

Para evitar esta gran pérdida del mundo musical, las grabaciones se han llevado a cabo, con escalas y transiciones para tener un registro completo de la gran mayoría de sonidos que puede producir un instrumento Stradivarius. Este proceso, llevado a cabo con tanta precaución y devoción al mundo de la música, no solo busca permitir que las nuevas generaciones logren conocer las melodías que pueden alcanzarse con uno de estos instrumentos, sino que también busca lograr diversos objetivos que benefician a compositores y Luthiers.

Al tener el material en un banco de sonidos, no importa si un compositor no cuenta con un instrumento original Stradivarius para lograr ciertas melodías en su sinfonía, pues, con esta base de datos, un músico podrá grabar una partitura incluyendo instrumentos que ya no existen. En este caso, se trata de dos violines, un chelo y también una viola.

Los Luthiers, por su parte, también podrán disfrutar del banco de sonido para servir como inspiración. De esa manera, podrán seguir intentando crear violines u otros instrumentos de la misma calidad de las piezas de madera Stradivarius. Estudiando todos los sonidos que producen, es más sencillo intentar hacer estructuras que permitan la repetición de las tonadas. A pesar de que sea casi imposible crear algo de la excelencia de un instrumento de Stradivari, siempre se puede seguir intentando.

Cremona, de nuevo, se convierte en historia para el mundo musical. No solo como la ciudad de la mejor marca de violines, sino como el lugar donde se logró hacer inmortal la vida de 4 instrumentos que cambiaron la historia de la composición clásica.

 

Última actualización: 19.08.19

 

La ciudad italiana de Cremona no atrae cientos de turistas solamente debido a sus paisajes, sino también por su historia musical. Los violines fabricados allí siguen dando de qué hablar, pues la cultura musical de Cremona combinada con técnicas tradicionales de artesanía y madera de calidad pueden ser las responsables de la excelencia de sus instrumentos.

 

No importa qué tan lejos en el pasado vayas en búsqueda de la historia de los violines, indudablemente, en algún momento, te toparás con el nombre de esta pequeña ciudad. Todo el que se dirija a Italia para conocer más sobre el arte musical que caracteriza su pasado y presente no se dirigirá a Roma, sino a Cremona, hogar de los mejores violines del mundo.

 

Cremona, una pequeña gran ciudad

Con menos de 100.000 habitantes, Cremona es una provincia de pequeño tamaño ubicada en la región de Lombardía, al norte de Italia. Sus visitantes pueden deleitarse con bonitos paisajes naturales, además de las diversas estructuras famosas como el Palacio Stanga y el Palazzo Fodri, así como también la catedral principal, sin embargo, muchos turistas interesados en la música querrán dirigirse a dos lugares: La escuela oficial de Luthiers, en la plaza Marconi, o el Museo del Violín, antiguamente conocido como el Stradivarius.

Esto se debe a que uno de los grandes aportes de Cremona para el mundo son violines excelentes y músicos inigualables que, con sus piezas musicales, lograron el reconocimiento del violín, hasta hacerlo uno de los mejores instrumentos conocidos. Es probable que, sin todos los grandes músicos y luthiers nacidos en esta hermosa ciudad, el violín se hubiese quedado en el olvido como “el hijo bastardo de la viola”, como lo conocían en el siglo 16.

 

 

Claudio Monteverdi

La historia del violín es bastante antigua y tuvo que pasar por diversas transformaciones hasta llegar a ser lo que es hoy. La música renacentista, tan acostumbrada a las violas, miró con recelo la creación del violín, limitando su uso como acompañante de música de baile, mientras que la viola se mantenía como la favorita en las casas de la nobleza.

No obstante, esto cambió cuando Claudio Monteverdi tuvo la edad suficiente para componer piezas musicales de ópera e hizo que las personas empezaran a ver el violín de otra manera. Este italiano nacido en el año 1567 es un orgullo de Cremona, pues es considerado el primer gran violinista de la historia.

Para finales de los años 1500, Claudio comenzó a componer obras musicales que, contrarias a su época, exaltaban al canto en la ópera y se enfocaban en la utilización del violín en vez de la viola. Algunos estaban escépticos al principio, habiendo escuchado sobre la mediocridad del instrumento llamado violín, sin embargo, poco a poco las personas empezaron a asistir a los magníficos recitales de Monteverdi y, con la llegada de Orfeo, su pieza más importante en 1607, este instrumento se consagró, llegando a calificarse como instrumento de la realeza y nobleza de Italia.

Debido a este primer paso, el violín se consolidó en la escena musical barroca años después.

 

Luthiers de primera

Después del gran éxito de Claudio Monteverdi, la fabricación de violines avanzó exponencialmente, pues un gran violinista como lo era él necesitaba el mejor violín para producir sus magistrales óperas.

Cremona, por suerte, parece ser la tierra elegida para los violines, pues esta ciudad también se destacó desde hace siglos en la fabricación de estos instrumentos. Quizás hay algo mágico en los bosques de Cremona, pues, al estar entre un bosque de arces y otro de abetos, la madera utilizada en la fabricación de sus violines es de la mejor calidad.

Antonio Stradivari, nacido en Cremona en el año 1644, dio muestras de ello al convertirse en el más famoso e importante lutier italiano de la historia de la música.

La familia Armati y la Guarnier, ambas originarias de Cremona, ya eran famosas por la fabricación de sus violines, haciendo uso de la excelente madera que proveían los bosques de la región, sin embargo, Stradivari tomó estos instrumentos y creó violines con un nuevo estilo mejorado, arcos más fuertes, mástiles robustos y estructuras con medidas tomadas con mucho cuidado.

Hasta el día de hoy, los violines Stradivarius son respetados como los mejores que han existido por su gran sonoridad. Subastas han llegado hasta los tres millones de dólares por un modelo original. Antonio perfeccionó la fabricación y la técnica hasta crear violines que, incluso en la actualidad, no han podido ser imitados.

Las colecciones abiertas al público se encuentran protegidas en el Palacio Real de Madrid y en la Biblioteca del Congreso de EEUU. El resto se encuentra en el Museo Nacional de Música en Dakota del Sur y en Cremona, en el Museo del Violín que anualmente atrae a fanáticos de la música de todas partes del mundo.

 

 

Cremona, el día de hoy

En la actualidad, Cremona es una ciudad como cualquier otra, con la gran diferencia de tener más de setenta talleres en la región donde se transmite la tradición artesanal de fabricación de violines, utilizando las técnicas de los grandes maestros, como Antonio Stradivari, Giuseppe Guarneri, y Andrea y Niccolò Amati.

La tradición musical también se transmite a los niños, quienes pueden asistir a múltiples escuelas musicales para talentos jóvenes.

Personas de diferentes partes del mundo prefieren descubrir la ciudad de Cremona asistiendo al Festival de Violín, donde, además de la música clásica, se exploran otros géneros, utilizando el violín como instrumento principal. Mientras que los que prefieren unas visitas más tranquilas se decantan por un paseo a través de la ciudad, siguiendo la ruta de los violines y aprendiendo más sobre este hermoso instrumento en cada calle de la ciudad.

Sin importar qué actividad se realice, Cremona está llena de un aire artístico musical que envuelve a todo el que la visita, por lo que es imposible que, al visitar Cremona, no te sumerjas en un mundo lleno de violines.